LATIN NEWS

Nanni Moretti será el Presidente del Jurado del 65º Festival de Cannes, que se celebrará del 16 al 27 de mayo de 2012.

2012-01-20T08:22:00.000-08:00

Tras aceptar la invitación, el actor y director italiano declaró: "Es una alegría, un honor y una enorme responsabilidad presidir el jurado del festival cinematográfico más prestigioso del mundo, un festival que se celebra en un país que siempre ha considerado al cine con atención y respeto.
Como director, siempre he vivido con emoción la participación de mis películas en el Festival de Cannes. También recuerdo con cariño mi experiencia como miembro del jurado durante la edición del cincuentenario, la dedicación y la pasión con las cuales nuestro jurado vio y comentó todas las películas.
Como espectador, por fortuna conservo la misma curiosidad que en mi juventud y, por tanto, supone para mí un gran privilegio emprender este viaje por el cine mundial contemporáneo".

Nanni Moretti nació en 1953 en Brunico, Italia. Tras varios cortometrajes, en 1976 firmó su primer largo, Io Sono un Autarchico, y posteriormente fue seleccionado para la Competición en Cannes en 1978, con Ecce Bombo.

La crítica internacional detectó rápidamente a este joven cineasta con un humor corrosivo, analista sutil y político de la sociedad contemporánea. Sus películas han sido premiadas a menudo en los festivales de todo el mundo: ganó el Premio especial del jurado en Venecia por Sogni d’Oro (1981) y el Oso de plata en Berlín por La Messa è finita (La misa ha terminado) en 1986.
Director en constante evolución, autor personal y artista completo, Nanni Moretti continuó sorprendiendo con Caro Diario (Querido diario), presentada en 1994 en Competición en el Festival de Cannes (donde recibió el Premio al mejor director) y con La Stanza del figlio (La habitación del hijo), premiada con la Palme d’Or en 2001 y que cosechó un gran éxito de público. Luego llegó Il Caimano (2006), una película que estigmatiza con firmeza y convicción las derivas de la vida política italiana en la época de Silvio Berlusconi.

Actor emblemático en la mayoría de sus películas, Moretti también actuó en Padre Padrone, de los hermanos Taviani (1977), y luego en obras de Luchetti, Mazzacurati o incluso Calopresti. Cineasta, pero también productor y distribuidor, fundó en 1986 la productora Sacher film, e inauguró en Roma el cine Nuovo Sacher en 1991, una sala dedicada al estreno de obras del cine mundial. Desde 1996, dirige el "Festival Sacher", dedicado a los cortometrajes.

Ha presentado seis películas en el Festival de Cannes, una de ellas el año pasado, Habemus Papam, que recibió excelentes críticas.

Gilles Jacob acogió la aceptación del nuevo presidente con estas palabras: "Cuando decidimos incluir Ecce Bombo, ¡una película en super 8!, en Competición el año que llegué, en 1978, ya presentí que Nanni Moretti iba a convertirse muy pronto en NANNI MORETTI. Es lo que sucedió y me enorgullezco de esta larga y afectuosa colaboración".

Thierry Frémaux, por su parte, declaró: "El festival deseaba celebrar su 65ª edición con un Presidente del jurado europeo. Marcadas por su pasión, su modernidad y su inteligencia, las películas de Nanni Moretti encarnan lo mejor que ha aportado el cine en estos últimos treinta años. Su obra, constantemente en construcción, continúa manteniendo la promesa de un cine que guarda una estrecha relación con el mundo y con su tiempo".

Café de Flore leads Genie32 race with A Dangerous Method in hot pursuit

2012-01-17T10:16:00.000-08:00

The nominations for the 32nd Annual Genie Awards were announced by the Academy of Canadian Cinema & Television today at simultaneous news conferences in Toronto and Montreal.

Director Jean-Marc Vallée’s Café de Flore received 13 nominations and David Cronenberg’s A Dangerous Method received 11 nominations—both films are nominated for Best Motion Picture and Achievement in Direction.

Rounding out the Best Motion Picture category are the award-winning Monsieur Lazhar; the suspenseful The Whistleblower and the crowd-pleaser Starbuck.

“2011 was a vintage year for Canadian films,” said Helga Stephenson, Interim CEO of the Academy of Canadian Cinema & Television. “Academy Members have a major challenge ahead of them.”

The 32nd ANNUAL GENIE AWARDS will be broadcast on Thursday, March 8 at 8 p.m. (8:30 p.m. NT) on CBC Television.

Genie32 will be held at The Westin Harbour Castle in Toronto.

And the nominees are…

BEST MOTION PICTURE / MEILLEUR FILM

A DANGEROUS METHOD - Martin Katz, Marco Mehlitz, Jeremy Thomas
CAFÉ DE FLORE - Pierre Even, Marie-Claude Poulin, Jean-Marc Vallée
MONSIEUR LAZHAR - Luc Déry, Kim McCraw
STARBUCK - André Rouleau
THE WHISTLEBLOWER - Christina Piovesan, Celine Rattray

ACHIEVEMENT IN ART DIRECTION/PRODUCTION DESIGN / MEILLEURE DIRECTION ARTISTIQUE

JEAN BÉCOTTE - Funkytown
AIDAN LEROUX, ROB HEPBURN - Edwin Boyd: Citizen Gangster
JAMES MCATEER - A Dangerous Method
PATRICE VERMETTE - Café de Flore
EMELIA WEAVIND - The Bang Bang Club

ACHIEVEMENT IN CINEMATOGRAPHY / MEILLEURES IMAGES

MIROSLAW BASZAK, C.S.C. - The Bang Bang Club
PIERRE COTTEREAU - Café de Flore
JON JOFFIN - Daydream Nation
JEAN-FRANÇOIS LORD - Snow & Ashes
RONALD PLANTE - Monsieur Lazhar

ACHIEVEMENT IN COSTUME DESIGN / MEILLEURS COSTUMES

DENISE CRONENBERG - A Dangerous Method
FARNAZ KHAKI-SADIGH - Afghan Luke
GINETTE MAGNY, EMMANUELLE YOUCHNOVSKI - Café de Flore
HEATHER NEALE - Keyhole
MARIE-CHANTALE VAILLANCOURT - Funkytown

ACHIEVEMENT IN DIRECTION / MEILLEURE RÉALISATION

DAVID CRONENBERG - A Dangerous Method
STEVEN SILVER - The Bang Bang Club
JEAN-MARC VALLÉE - Café de Flore
PHILIPPE FALARDEAU - Monsieur Lazhar
LARYSA KONDRACKI - The Whistleblower

ACHIEVEMENT IN EDITING / MEILLEUR MONTAGE

JEAN-FRANÇOIS BERGERON - The Year Dolly Parton Was My Mom
MICHAEL CZARNECKI - In Darkness
PATRICK DEMERS - Jaloux
STÉPHANE LAFLEUR - Monsieur Lazhar
RONALD SANDERS, C.C.E. A.C.E. - A Dangerous Method

ACHIEVEMENT IN MAKE-UP / MEILLEURS MAQUILLAGES

CHRISTIANE FATTORI, FRÉDÉRIC MARIN - Café de Flore
AMBER MAKAR - Amazon Falls
VIRGINIE PARÉ - BumRush
TAMMY LOU PATE - Snow & Ashes
LESLIE ANN SEBERT, DAVID R. BEECROFT - Take This Waltz

ACHIEVEMENT IN MUSIC - ORIGINAL SCORE / MEILLEURE MUSIQUE ORIGINALE

RAMACHANDRA BORCAR - Jaloux
MYCHAEL DANNA - The Whistleblower
MARTIN LÉON - Monsieur Lazhar
PHILIP MILLER - The Bang Bang Club
HOWARD SHORE - A Dangerous Method

ACHIEVEMENT IN MUSIC - ORIGINAL SONG / MEILLEURE CHANSON ORIGINALE

JAY BRANNAN - Cloudburst - My Love My Love
CAROLE FACAL - Starbuck - Quelque part
MALAJUBE - Good Neighbours - Oeil pour Oeil
STEVEN PAGE - French Immersion - A Different Sort of Solitude
JEAN ROBITAILLE, STEVE GALLUCCIO - Funkytown - Waiting for your Touch

PERFORMANCE BY AN ACTOR IN A LEADING ROLE / INTERPRÉTATION MASCULINE DANS UN PREMIER RÔLE

FELLAG - Monsieur Lazhar
GARRET DILLAHUNT - Oliver Sherman
MICHAEL FASSBENDER - A Dangerous Method
PATRICK HUARD - Starbuck
SCOTT SPEEDMAN - Edwin Boyd: Citizen Gangster

PERFORMANCE BY AN ACTOR IN A SUPPORTING ROLE / INTERPRÉTATION MASCULINE DANS UN RÔLE DE SOUTIEN

ANTOINE BERTRAND - Starbuck
KEVIN DURAND - Edwin Boyd: Citizen Gangster
MARIN GERRIER - Café de Flore
TAYLOR KITSCH - The Bang Bang Club
VIGGO MORTENSEN - A Dangerous Method

PERFORMANCE BY AN ACTRESS IN A LEADING ROLE / INTERPRÉTATION FÉMININE DANS UN PREMIER RÔLE

CATHERINE DE LÉAN - Nuit #1
PASCALE MONTPETIT - The Girl in the White Coat
VANESSA PARADIS - Café de Flore
RACHEL WEISZ - The Whistleblower
MICHELLE WILLIAMS - Take This Waltz

PERFORMANCE BY AN ACTRESS IN A SUPPORTING ROLE / INTERPRÉTATION FÉMININE DANS UN RÔLE DE SOUTIEN

ROXANA CONDURACHE - The Whistleblower
HÉLÈNE FLORENT - Café de Flore
JULIE LEBRETON - Starbuck
SOPHIE NÉLISSE - Monsieur Lazhar
CHARLOTTE SULLIVAN - Edwin Boyd: Citizen Gangster

ACHIEVEMENT IN OVERALL SOUND / MEILLEUR SON D'ENSEMBLE

STÉPHANE BERGERON, YANN CLEARY, LISE WEDLOCK - Marécages / Wetlands
PIERRE BERTRAND, SHAUN NICHOLAS GALLAGHER, BERNARD GARIÉPY STROBL - Monsieur Lazhar
JEAN MINONDO, JOCELYN CARON, GAVIN FERNANDES, LOUIS GIGNAC - Café de Flore
LOU SOLAKOFSKI, STEPHAN CARRIER, KIRK LYNDS - The Bang Bang Club
OREST SUSHKO, CHRISTIAN COOKE - A Dangerous Method

ACHIEVEMENT IN SOUND EDITING / MEILLEUR MONTAGE SONORE

FRED BRENNAN, JAMES BASTABLE, GABE KNOX, JOHN SIEVERT - You Are Here
CLAUDE BEAUGRAND, OLIVIER CALVERT, NATALIE FLEURANT, FRANCINE POIRIER - Marécages / Wetlands
WAYNE GRIFFIN, ROB BERTOLA, TONY CURRIE, ANDY MALCOLM, MICHAEL O'FARRELL - A Dangerous Method
MARTIN PINSONNAULT, BLAISE BLANCHIER, SIMON MEILLEUR, MIREILLE MORIN, LUC RAYMOND - Café de Flore
JEREMY MACLAVERTY, DANIEL PELLERIN, GEOFF RAFFAN, JAN RUDY, JOHN SIEVERT, JAMES MARK STEWART - In Darkness

ORIGINAL SCREENPLAY / MEILLEUR SCÉNARIO

ANNE ÉMOND - Nuit #1
EILIS KIRWAN, LARYSA KONDRACKI - The Whistleblower
KEN SCOTT, MARTIN PETIT - Starbuck
JEAN-MARC VALLÉE - Café de Flore
RYAN WARD, MATTHEW HEITI - Son of the Sunshine

ADAPTED SCREENPLAY / MEILLEURE ADAPTATION

PHILIPPE FALARDEAU - Monsieur Lazhar
RYAN REDFORD - Oliver Sherman
DAVID SHAMOON - In Darkness
STEVEN SILVER - The Bang Bang Club

ACHIEVEMENT IN VISUAL EFFECTS / MEILLEURS EFFETS VISUELS

DENNIS BERARDI, MATHEW BORNETT, MIKE BORRETT, WILSON CAMERON, OVI CINAZIN, JASON EDWARDH, OLIVER HEARSEY, JIM PRICE, MILAN SCHERE, WOLCIECH ZIELINSKI - A Dangerous Method
ÉVE BRUNET, JACQUES LÉVESQUE, PHILIPPE ROBERGE - Snow & Ashes
MARC CÔTÉ, STÉPHANIE BROUSSAUD, GARY CHUNTZ, VINCENT DUDOUET, CYNTHIA MOUROU, ERIC NORMANDIN, MARTIN PENSA, LUC SANFAÇON, SYLVAIN THÉROUX, NATHALIE TREMBLAY - Café de Flore
GEOFFROY LAUZON – BumRush
TOM TURNBULL, IAN BRITTON, ROBERT CROWTHER, TONY CYBULSKI - Edwin Boyd: Citizen Gangster

BEST FEATURE LENGTH DOCUMENTARY / MEILLEUR LONG MÉTRAGE DOCUMENTAIRE

BEAUTY DAY - Jay Cheel, Kristina McLaughlin, Kevin McMahon, Roman Pizzacalla
FAMILY PORTRAIT IN BLACK AND WHITE - Julia Ivanova, Boris Ivanov
THE GUANTANAMO TRAP - Thomas Wallner, Amit Breuer, Patrick Crowe
LA NUIT, ELLES DANSENT / AT NIGHT, THEY DANCE - Isabelle Lavigne, Stéphane Thibault, Lucie Lambert
WIEBO'S WAR - David York, Nick Hector, C.C.E., Bryn Hughes, Bonnie Thompson

BEST SHORT DOCUMENTARY / MEILLEUR COURT MÉTRAGE DOCUMENTAIRE

75 WATTS - John Cullen
DERAILMENTS - Chelsea McMullan
SIRMILIK - Zacharias Kunuk, Joel McConvey, Kristina McLaughlin, Kevin McMahon, Michael McMahon, Geoff Morrison, Ryan J. Noth

BEST LIVE ACTION SHORT DRAMA / MEILLEUR COURT MÉTRAGE DRAMATIQUE

DOUBLES WITH SLIGHT PEPPER - Ian Harnarine
HOPE - Pedro Pires, Phoebe Greenberg, Penny Mancuso
ORA - René Chénier, Philippe Baylaucq
LA RONDE - Élaine Hébert, Sophie Goyette

BEST ANIMATED SHORT / MEILLEUR COURT MÉTRAGE D'ANIMATION

CHOKE - Michelle Latimer
LA CITÉ ENTRE LES MURS / INNER CITY - Alain Fournier
MUYBRIDGE'S STRINGS - Koji Yamamura, Michael Fukushima, Shuzo John Shiota, Keisuke Tsuchihashi
ROMANCE - Georges Schwizgebel, René Chénier, Marc Bertrand
WILD LIFE - Amanda Forbis, Wendy Tilby, Marcy Page, Bonnie Thompson

La quinta temporada de 'Mad Men' ya tiene fecha de estreno

2012-01-15T01:46:00.000-08:00

Mad Men lleva más de año y medio sin estrenar nuevos capítulos pero la espera está a punto de terminar. Según Jon Hamm (Don Draper) la quinta temporada de Mad Men se estrenará en Estados Unidos el próximo 25 de marzo.

Los tortuosas negociaciones entre AMC y el creador de Mad Men, Matthew Weiner, mantuvieron el futuro de la serie en el aire durante algunos meses. La cadena de cable quería reducir el presupuesto de la serie (lo que incluía la salida de algunos personajes principales) y recortar la duración de los capítulos para permitir la entrada de más publicidad. Weiner se negó en redondo a ceder un ápice del control creativo y explicó que la batalla estaba centrada en los importantes beneficios que generaba la serie: "un producto muy lucrativo del que todos quieren el mejor trozo posible”.

Tras meses de tira y afloja, las dos partes llegaron a un acuerdo en marzo en el que se garantizó el futuro de la serie por tres años más, o lo que es lo mismo hasta la séptima temporada. El propio Weiner desveló hace unas semanas cómo le gustaría que fuera la última escena de la serie.

La duración de las negociaciones provocó el retraso del rodaje de la serie e impidió que los nuevos capítulos se estrenaran en EE UU, como era habitual, durante el mes de julio. De hecho el rodaje de la quinta temporada no empezó hasta agosto. Tanto se han hecho de rogar los nuevos capítulos, que la fecha exacta de su estreno ha cambiado varias veces de día en las últimas semanas. Primero se habló del 16 de marzo, pero ahora ha sido el propio Jon Hamm quien ha confirmado que el primer capítulo de la quinta temporada, que él mismo dirigirá, se estrenará en EE UU el 25 de marzo de 2012.

Guía de viajes: Midtown Manhattan con el NY CityPass

2012-01-12T21:30:00.000-08:00

Este paseo discurre por alguno de los sitios más emblemáticos del centro de Manhattan, y puede realizarse en una mañana si no te paras en demasiados sitios y en un día si te tomas las cosas con sosiego y te paras a ver los múltiples escenarios turísticos que vamos a visitar (Times Square, Grand Central Terminal, Empire State, Rockefeller Center,...)

Empezar en el hotel Plaza, metro 57th , e ir bajando por la 5th Av. A la derecha en la 53th está el Moma, con una buena colección de pintura contemporarea (el viernes por la tarde es gratis, y sobre todo conviene no perderse las señoritas de Avignon de Picasso, los nenufares de Monet, noche estrellada de Van Gogh, la sección dedicada a Andy Warhol y otros artistas americanos contemporaneos y la planta dedicada al diseño del siglo XX).

Si seguimos bajando por 5th. Av., en la 50th a la izquierda está St. Patrick Cathedral y a la derecha, pasando a la 6th Av., está el Radio City Music Hall. Volviendo a la 5th Av. en la 48th a la derecha está el Rockefeller Center con su célebre pista de patinaje (en verano cafetería). Se puede comer en Prime Burger, un clásico de Nueva York y donde van a comer en la serie Sexo en Nueva York, en la 51th entre la 5th Av. Y Madison Av, enfrente de St. Patrick y al lado de Jimmy Choo, otro sitio donde las chicas de Sexo en Nueva York compran zapatos en la serie. Al lado de St. Patricks está la tienda oficial de la NBA, por si les interesa comprar algun recuerdo de baloncesto.

En la 48th ir a la izquierda hasta Park Av. y entre la 49th y la 50th está el famoso hotel Waldorf Astoria. Ver la vista hacia el sur con el edificio de MetLife "bloqueando" Park Av. Ir a la derecha a Madison Av. y bajar hasta la 43th ; a la izquierda está el edificio de Metlife y bajo él está la Grand Central Terminal. Entrar y observar las famosas taquillas y escalinatas que aparecen en muchas películas.

Al fondo, cruzando la estación, está el edificio de la Chrysler, ir opcionalmente. Bajar hasta la 34th por la 5th Av. y alli está el Empire State Building. Por el camino está la famosa New York Public Library en la 5th Av. entre la 40th y 42th y Bryant Park, uno de los parques preferidos de Nueva York y donde se puede parar a comer si has comprado unos bocadillos o ensaladas previamente en alguno de los muchos puestos y delis cercanos.

Muy cerca del Empire Estate Building se encuentra el Madison Square Garden, templo del baloncesto y del boxeo, y B&H, una tienda de judios ortodoxos que tiene los mejores precios de cámaras de fotos de la ciudad. También se encuentra Macy’s, que es considerado el mayor centro comercial del mundo, y la calle de los Diamantes, llena de tiendas con los escaparates repletos de diamantes y piedras preciosas.

De aquí ir a la derecha hasta Broadway y subir hasta la 42th que es donde se encuentra el celebre Times Square. Admirando su impresionante derroche de luz y paneles publicitarios, damos por finalizado este paseo.

Por último, durante este paseo hemos pasado por dos de los mejores observatorios de Manhattan desde las alturas, y no podemos pasar la oportunidad de visitar alguno de ellos:

Observatorio del Empire State: Sin lugar a dudas, el más conocido de todos, en días despejados puedes tardar una hora o más en poder subir a él. Situado en la planta 86 del edificio, tiene la mejor vista posible de Downtown Manhattan y Financial District.

Observatorio 'Top of the Rock' en Rockefeller Center: Sin duda mucho menos conocido, pero no por ello menos atractivo es Top of the Rock, en el Rockefeller Center. Organizado bastante mejor que el anterior, permite reserva previa a través de internet o comprar el billete en las taquillas habilitadas para ello dandote una hora a la que tienes que realizar la visita, sin colas. Tiene una impresionante vista sobre Central Park y los edificios Empire State, Metlife y Chrysler. Aunque la elección es dificil, éste es el observatorio al que iria en el caso de que tuviera que elegir entre los dos disponibles.

En cualquier caso, está recomendado visitar estos observatorios a última hora de la tarde, una hora antes del anochecer para poder ver la vista de día y de noche de Nueva York.

Por último, les dejo un listado de algunos de los lugares de interés y rutas cercanas:
Museo de Arte Moderno (MoMA)
Radio City Music Hall.
Rockefeller Center
Top of the Rock, mirador situado en el Rockefeller Center.
St. Patrick's.
Grand Central Terminal
Edificio Chrysler
Empire State Building y su mirador
Madison Square Garden.
Bryant Park.
New York Public Library.
Times Square.
Primer Burger, para tomar unas buenas hamburguesas y sandwich muy cerquita de St.Patrick's.
Tienda de la NBA, para llevarse un recuerdo de baloncesto.
B&H, la mejor tienda para comprar cámaras de fotos y electrónica de la ciudad junto a J&R en City Hall Park.

More info at NYC & Company's: www.nycgo.com.

La piel que habito, candidata a mejor película de habla no inglesa en los Globos de Oro

2011-12-23T09:45:00.000-08:00

Los Globos de Oro, premios que cada año concede la Asociación de la prensa extranjera en Hollywood, anunciaron sus candidatos con un gusto por lo internacional y la nostalgia situando como principal favorita de sus galardones a The artist. El filme mudo y en blanco y negro, recordatorio de un cine que hace años dejó de existir, consiguió un total de seis candidaturas incluida la de mejor comedia o musical además de la nominación como mejores actores de comedia o musical para sus protagonistas, las estrellas francesas Jean Dujardin y Bérénice Bejo. España estará representada por La piel que habito de Pedro Almodóvar que compite en la categoría de mejor película de habla extranjera. El cineasta manchego ya había ganado dos Globos de Oro con Hable con ella y Todo sobre mi madre y ha sido candidato en otras cuatro ocasiones.

"Estoy muy contento con la nominación a los Golden Globes de mi última película, La piel que habito. La Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood ha sido siempre muy generosa conmigo y se lo agradezco de todo corazón. Compito con cuatro películas estupendas ante las que no me importa perder. Para mí el premio es estar de nuevo en el Beverly Hilton, compartiendo cena y agua mineral con tanta gente a la que admiro", ha dicho Pedro Almodóvar a través del perfil de Facebook de su productora, El Deseo.

En el mismo tono nostálgico y alejado de las grandes producciones de Hollywood estos galardones considerados un indicador de los gustos del Oscar por venir se decantaron en sus candidaturas por The Help y The Descendants. La primera, que transcurre en la América de los sesenta, consiguió nominaciones para tres de sus actrices, Viola Davis, Octavia Spencer y Jessica Chastain, mientras que el primer filme de Alexander Payne en siete años situó a George Clooney de nuevo en la lista de los candidatos a mejor actor dramático. Tanto The Help como The Descendants aspiran al premio a mejor drama en una categoría que este año cuenta con seis candidatos y que completan claros favoritos como el filme de Martin Scorsese Hugo, el épico de Steven Spielberg War horse, el filme protagonizado por Brad Pitt y centrado en el mundo del deporte (Moneyball) y el análisis político dirigido por Clooney bajo el título de The Ides of March. Este actor y cineasta es candidato en cuatro categorías: mejor actor, en The Descendants y como director, productor y guionista en The Ides of March.
A diferencia de los Oscar, los Globos separan sus favoritos entre drama y comedia y musical. En esta segunda categoría acompañan a The artist las películas 50/50 gracias a su visión cómica del cáncer; la comedia de humor burdo La boda de mi mejor amiga, el último estreno de Woody Allen, Midnight in Paris y esa romántica visión de la vida de Marilyn Monroe que ofrece My week with Marilyn. Michelle Williams, que encarna a la mujer más deseada del Hollywood dorado, es la favorita a mejor actriz en la categoría de mejor comedia o musical donde compite contra Jodie Foster y Kate Winslet por Carnage, Kristen Wiig por La boda de mi mejor amiga y Charlize Theron por Young adult.
En drama la pugna es más dura, con la eterna perdedora al Oscar, Meryl Streep, aspirante una vez más a este galardón por su impecable retrato de Margaret Thatcher en The Iron Lady; Davis con The Help, Tilda Swinton y su terrorífico We need to talk about Kevin, la debutante Rooney Mara con su impactante transformación para Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres y Glenn Close hecha hombre para Albert Nobbs, actriz con una larga tradición de perder frente a Streep. En el caso de los varones, la lista de candidatos a mejor actor dramático podría ser la cacareada lista de los más guapos de la revista People. Dado el amor de esta asociación por las estrellas, este año la 69 edición de los Globos de Oro ha invitado a su baile a Clooney, a su amigo Brad Pitt (Moneyball), a Ryan Gosling (Drive), a Leonardo DiCapro (J. Edgar) y al descubrimiento del año, Michael Fassbender con Shame.

Incluso la lista de películas extranjeras se decantó por las estrellas y junto a un Pedro Almodóvar que vuelve a los Globos de Oro gracias a La piel que habito compite Angelina Jolie, esta vez con su debut como realizadora en la película rodada en serbo-croata In the Land of Blood and Honey.

En televisión
Una lista de estrellas que no hace más que ampliarse con la presencia en estos galardones de premios dedicados al mundo de la televisión donde una vez más la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood va más lejos que los Emmy a la hora de apostar por el valor de las nuevas series.

Entre las candidatas de esta edición figuran tres nuevos estrenos de esta temporada, American horror story, Boss y Homeland que compiten junto a dos series ya reconocidas como Boardwalk Empire y Juego de tronos. Lo mismo ocurre en comedia donde las favoritas de Glee o Modern family tienen nueva competencia en New girl, Enlightened o Episodes. Los ganadores de estos galardones se darán a conocer el próximo 15 de enero en una ceremonia que tendrá lugar en el Beverly Hilton de Los Ángeles con el humor incómodo de Ricky Gervais como maestro de ceremonias.

Candidatos a los Globo de Oro en CINE

Mejor drama
The Descendants
Hugo
Hugo
The Ides of March
Moneyball
War Horse

Mejor musical o comedia
The artist
La boda de mi mejor amiga
50/50
Midnight in Paris
My week with Marilyn

Mejor actor en drama
George Clooney (The Descendants)
Leonardo DiCaprio (J. Edgar)
Michael Fassbender (Shame)
Ryan Gosling (The Ides of March)
Brad Pitt (Moneyball)

Mejor actriz en drama
Glenn Close (Albert Nobbs)
Viola Davis (The Help)
Rooney Mara (Millennium: los hombres que no amaban a las mujeres)
Meryl Streep (The Iron Lady)
Tilda Swinton (We need to talk about Kevin)

Mejor actor en comedia o musical
Jean Dujardin (The artist)
Brendan Gleeson (The guard)
Joseph Gordon-Levitt (50/50)
Ryan Gosling (Crazy, stupid, love)
Owen Wilson (Midnight in Paris)

Mejor actriz en comedia o musical
Jodie Foster (Carnage)
Charlize Theron (Young adult)
Kristen Wiig (La boda de mi mejor amiga)
Michelle Williams (My week with Marilyn)
Kate Winslet (Carnage)

Mejor actor secundario
Kenneth Branagh (My week with Marilyn)
Albert Brooks (Drive)
Jonah Hill (Moneyball)
Viggo Mortensen (A Dangerous Method)
Christopher Plummer (Beginners)

Mejor actriz secundaria
Bérénice Bejo (The artist)
Jessica Chastain (The Help)
Janet McTeer (Albert Nobbs)
Octavia Spencer (The Help)
Shailene Woodley (The Descendants)

Mejor dirección
Woody Allen (Midnight in Paris)
George Clooney (The Ides of March)
Michel Hazanavicius (The artist)
Alexander Payne (The Descendants)
Martin Scorsese (Hugo)

Mejor guion
George Clooney, Grant Heslov y Beau Willimon (The Ides of March)
Alexander Payne, Nat Faxon y Jim Rash (The Descendants)
Steven Zaillian, Aaron Sorkin y Stan Chervin (Moneyball)

Mejor canción
Lay your head down (Albert Nobbs)
Hello, hello (Gnomeo y Julieta)
The living proof (The Help)
The keeper (Machine gun preacher)
Masterpiece (W.E.)

Mejor banda sonora
The artist, de Ludovic Bource
Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres, de Trent Reznor, Atticus Ross
Hugo, de Howard Shore
War horse, de John Williams
W.E., de Abel Korzeniowski

Mejor filme de animación
Las aventuras de Tintín: el secreto del Unicornio
Arthur Christmas: operación regalo
Cars 2
El gato con botas
Rango

Mejor filme en lengua extranjera
Flores de guerra, de Zhang Yimou
In the land of blood and honey, de Angelina Jolie
El chico de la bicicleta, de Jean-Pierre y Luc Dardenne
Nader y Simin, una separación, de Asghar Farhadi
La piel que habito, de Pedro Almodóvar

Candidatos de los Globos de Oro en TELEVISIÓN
Mejor serie dramática
American horror story
Boardwalk Empire
Boss
Juego de tronos
Homeland

Mejor actriz de serie dramática
Julianna Margulies (The good wife)
Claire Danes (Homeland)
Mireille Enos (The killing)
Madeleine Stowe (Revenge)
Callie Thorne (Necessary roughness)

Mejor actor de serie dramática
Bryan Cranston (Breaking bad)
Kelsey Grammer (Boss)
Jeremy Irons (Los Borgia)
Damian Lewis (Homeland)
Steve Buscemi (Boardwalk empire)

Mejor serie cómica
New Girl
Modern family
Enlightened
Glee
Episodes

Mejor actor de serie cómica
Alec Baldwin (30 Rock)
David Duchovny (Californication)
Johnny Galecki (The big bang theory)
Thomas Jane (Hung)
Matt LeBlanc (Episodes)

Mejor actriz de serie cómica
Laura Dern (Enlightened)
Zooey Deschanel (New Girl)
Tina Fey (30 Rock)
Laura Linney (The Big C)
Amy Poehler (Parks and recreations)

Mejor miniserie o película hecha para televisión
The Hour
Downton Abbey
Cinema Verite
Mildred Pierce
Too big to fail

Mejor actor de miniserie o película hecha para televisión
Hugh Bonneville (Downtown Abbey)
Idris Elba (Luther)
William Hurt (Too big to fail)
Bill Nighy (Page eight)
Dominic West (The hour)

Mejor actriz de miniserie o película para televisión
Romola Garai (The hour)
Emily Watson (Appropiate adult)
Elizabeth McGovern (Downtown Abbey)
Kate Winslet (Mildred Pierce)
Diane Lane (Cinema verite)

Mejor actor secundario
Peter Dinklage (Juego de tronos)
Paul Giamatti (Too big to fail)
Guy Pearce (Mildred Pierce)
Tim Robbins (Cinema verite)
Eric Stonestreet (Modern family)

Mejor actriz secundaria en serie o miniserie
Jessica Lange (American Horror Story)
Kelly Macdonald (Boardwalk Empire)
Maggie Smith (Downton Abbey)
Sofia Vergara (Modern family)
Evan Rachel Wood (Mildred Pierce)

The Tree of Life encabeza el top 10 de Sight & Sound

2011-12-01T14:54:00.000-08:00

1. The Tree of Life (Terrence Malick)

2. A Separation (Asghar Farhadi)

3. The Kid with a Bike (Luc and Jean-Pierre Dardenne)

4. Melancholia (Lars von Trier)

5. The Artist (Michel Hazanavicius)

6. Once Upon a Time in Anatolia (Nuri Bilge Ceylan)

6. The Turin Horse (Béla Tarr)

8. We Need to Talk About Kevin (Lynne Ramsay)

9. Le Quattro Volte (Michelangelo Frammartino)

10. This Is Not a Film (Jafar Panahi and Mojtaba Mirtahmash)

10. Tinker Tailor Soldier Spy (Tomas Alfredson)

A los 84 años, murió el gran director británico Ken Russell

2011-11-29T01:34:00.000-08:00

Extravagante tanto en su vida como en su cine, un amante de la polémica por su extrema (y explícita) exploración de los temas sexuales y religiosos, un enfant-terrible, un “animal” de televisión que revolucionó al cine, un cultor de la baja y la alta cultura. Así podría definirse a Ken Russell, quien murió el domingo 27/11. Sus biopics, sus óperas-rock, sus transposiciones literarias, quedarán para siempre como un legado invalorable.

Además de Mujeres enamoradas (o apasionadas), que le valió una nominación al Oscar y una estatuilla a la mejor actriz a Glenda Jackson, dirigió la controvertida Los demonios (1971), la versión cinematográfica de la ópera rock Tommy (1975) y la producción de ciencia ficción Estados alterados (1980).

Nacido en la ciudad inglesa de Southampton el 3 de julio de 1927, Henry Kenneth Alfred Russell sirvió en el Royal Air Force (RAF) y en la marina mercante antes de iniciar una carrera como bailarín y fotógrafo de moda luego de la Segunda Guerra Mundial.

Sus primeras películas en blanco y negro lo llevaron a la BBC, donde se hizo un nombre al realizar unos 30 documentales (sobre compositores como Prokofiev y Debussy, la bailarina Isadora Duncan o el pintor Henri Rousseau), entre los que destaca uno sobre el arte pop titulado Pop Goes the Easel (1962), que influyó a Stanley Kubrick para La naranja mecánica (1961).

Aunque rodó su primera película de ficción, French Dressing, en 1963, el éxito masivo no le llegó hasta que adaptó la novela de D.H. Lawrence Mujeres enamoradas (1969), película que rompió el tabú sobre la desnudez frontal masculina con una controvertida escena de lucha entre sus dos principales actores, Alan Bates y Oliver Reed. "Antes de esto Ken era un director de televisión cuerdo y simpático. Ahora es un director de cine loco y simpático", dijo en aquel momento Reed, uno de sus actores-fetiche.

Poco después filmó el drama religioso Los demonios, inspirado en un libro de Aldous Huxley, que fue censurada por su distribuidora, Warner Bros., para su estreno en el Reino Unido y aún más en los Estados Unidos (para 2012 se prevé el reestreno de la versión completa y en copia restaurada). "Lo que los censores cortaron de Los demonios fue casi tan largo como el resto de la película", recordó este lunes el director y productor británico Michael Winner, al rendir homenaje a la "excepcional contribución" de Russell a la televisión y el cine británicos. "Lo llevó a áreas en las que nunca se había adentrado", agregó. Las escenas de posesión demoníaca en un convento francés, con rituales de exorcismo y orgías blasfemas sacudieron a la época, al punto que la Iglesia Católica condenó la película cuando fue proyectada en la Mostra de Venecia.

Otra película innovadora fue Tommy, su adaptación cinematográfica de la ópera rock de The Who protagonizada por el líder de la banda, Roger Daltrey, y en cuyo reparto figuraban desde Elton John hasta Tina Turner, pasando por Eric Clapton o Jack Nicholson. La película fue otro gran éxito de taquilla.

Su audaz filmografía de los años ’70 (en la que tuvo cinco films en lo más alto de la taquilla británica) incluye también a Los amantes de la música (1970); El mesías salvaje (1972), sobre el escultor francés Henri Gaudier-Brzeska; Mahler (1974); y Lisztomania (1975), que imaginaba a Franz Liszt (Roger Daltrey), como una superestrella del pop y con un cameo de Ringo Starr como el Papa.

Sus posteriores trabajos fueron más modestos e incluyen films de ciencia ficción como Estados alterados (1980) y parodias de terror como The Lair of the White Worm (1988), en la que aparece un jovencísimo Hugh Grant.

En los últimos años, Russell redujo su actividad cinematográfica, aunque dirigió el vídeo del tema Nikita para Elton John e hizo una de sus primeras actuaciones junto con Sean Connery y Michelle Pfeiffer en La casa Rusia, dirigida por Fred Schepisi.

Casado cuatro veces, en los últimos años realizó otros cameos y llegó incluso a participar en 2007 en el reality show británico Celebrity Big Brother (Gran Hermano Famosos), aunque se retiró rápidamente por un enfrentamiento con otra concursante llamada Jane Goody.

LA CRISIS ECONÓMICA EN EL CINE

2011-11-21T01:52:00.001-08:00

El personaje de Gordon Gekko en el filme "Wall Street" (1987) pronunció la famosa frase "la codicia es buena". En su continuación trece años después en "Wall Street: el dinero nunca duerme", Gekko la matizó adecuadamente para los tiempos que corren: "la codicia ya no es sólo buena, es legal". Esta parece haber sido una de las causas importantes a modo abstracto que han originado a una de las mayores crisis económicas mundiales jamás conocidas aunque la explicación e implicaciones pueden ser un poco más compleja que esta famosa frase de nueve palabras.

El cine no se ha mantenido excesivamente alejado de la realidad económica actual y han aparecido un buen puñado de títulos que se adentran dentro de la crisis económica. Cierto es que en el campo de la ficción la lista de títulos importantes es relativamente corta aunque el género documental ha dado verdaderas obras de envergadura.

Lo primero que ve una persona ajena al mundo financiero es que con la caída de grandes nombres de Wall Street como Lehman Brothers y Merrill Lynch, ha visto que de pronto bancos y cajas que llevaban décadas funcionando han tenido que ser nacionalizados, países como Islandia, Irlanda o Grecia han sido declarados en quiebra o rescatados y que lo que domina ahora los mercados no son el precio de las acciones sino los bonos de deuda y las primas de riesgo. Dentro de esta convulsión financiera constante se conocen como mínimo las causas inmediatas que originó la crisis arrastrada por la debacle de ilustres empresas de inversión, ampliando el nivel de tecnicismos a hipotecas sub-prime, derivados, capital hipotecario, intereses preferenciales, fondos de cobertura y demás.

Uno de los primeros documentales en llamar la atención fue realizado por Michael Moore, siguiendo en su misión de incomodar al sistema estadounidense aunque con una forma de expresarse parecida a la de Gekko, resumiendo su mensaje y parafraseando al personaje de Oliver Stone, "el capitalismo es malo y además es legal". Si bien su película puede funcionar más desde un punto de vista emocional, lo cierto es que se queda excesivamente corta en cuanto a contenido. Para cubrir este hueco apareció "Inside Job", seguramente la mejor película sobre la crisis económica aparecida hasta la fecha y que además ganó un Óscar en su categoría de documental. La narración con voz de Matt Damon de "Inside Job" no tiene miedo en emplear los términos pero no olvida nunca su función explicatoria y lo hace de una forma inteligente, ajustada y sabiendo explicar los tecnicismos de forma clara y sin perder profundidad.

"La doctrina del shock" de Michael Winterbottom y basado en el libro de Naomi Klein, es un complemento que amplía el contexto histórico de "Inside Job". No es técnicamente una explicación pero si una visión teórica del trabajo de una escuela económica que ha dominado las políticas financieras de los últimos 50 años, las cuales han creado el modelo actual. Pero sin duda el documental que mejor crea el marco histórico de la crisis es "The Ascent of Money", producido por la BBC y que cuenta con seis capítulos. Sus explicaciones de los orígenes de las prácticas económicas en tiempos de los Medici o en la guerra civil norteamericana son apasionantes, incluye también una parte en referencia a la doctrina del shock y su contextualización con la crisis económica actual es simplemente magnífica, aunque el trato en sí de la crisis propiamente dicha sigue estando a la sombra de "Inside Job".

Uno de los momentos claves que se relatan en todos los recuentos de los hechos de 2008 son la caída de Lehman Brothers, la actuación del gobierno estadounidense y la situación en Wall Street. Ello fue el desencadenante visible y el cual se muestra de forma notable en el telefilme de ficción producido por la cadena HBO "Too Big to Fail". En él William Hurt, James Woods, John Heard, Bill Pullman y Paul Giamatti entre otros dan vida a las figuras clave reales del mundo financiero del momento, desde marzo a octubre de 2008.

Mucho más concreto en el tiempo se muestra el último filme en aparecer sobre el tema, "Margin Call", con Kevin Spacey, Jeremy Irons, Paul Bettany entre muchos otros, tratando las 24h de la primera empresa desde que se da cuenta del peligro que esconde sus libros contables. Será más una ficcionalización completa pero su tratamiento no deja un atisbo de duda sobre el realismo de la situación y el ambiente interno de estas empresas.

Existen otros títulos sobre la crisis tanto de ficción, como "The company men" y su mensaje de que los ricos también lloran, o los menos conocidos documentales como "I.O.U.S.A" o "American Casino", al igual que otras películas de otras épocas como "Los lunes al sol" vuelven a recobrar una validez completa. Muchos otros títulos aparecerán en el futuro ya que ésta es una realidad que va a perdurar durante los años siguientes pero, como mínimo, no habrá que esperar para poder mirar a los orígenes , las raíces y los mecanismos de esta crisis hasta que finalmente la tormenta haya pasado. Las consecuencias reales todavía estar por ver pero en mitad de la zozobra, el cine ha ofrecido como mínimo su ventana hacia el epicentro.

Vanessa Redgrave, homenaje a medio siglo de cine

2011-11-13T17:12:00.000-08:00

La Academia de Hollywood celebra en Londres los 50 años de carrera de la actriz británica

La veterana actriz británica Vanessa Redgrave, de 74 años, fue homenajeada hoy en Londres por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood, en el primer acto de este tipo que celebra la institución en Europa.

La Academia quiso reconocer así los 50 años de carrera de la artista, que ha sido nominada al Óscar en seis ocasiones y que recibió la estatuilla como mejor secundaria en 1978 por su papel en Julia, además de contar en su haber con otros muchos galardones del mundo del espectáculo.

'Estoy simplemente atónita con este maravilloso homenaje', declaró la actriz -que tiene en su currículum más de 70 películas- en una ceremonia en la sala Curzon Soho del centro de Londres. Perteneciente a una de las familias teatrales con más solera del Reino Unido, Redgrave saltó a la fama con sus interpretaciones para la Royal Shakespeare Company, tras lo cual combinó las obras de teatro con películas de cine.

La ceremonia celebrada hoy, en la que no se entregaron estatuillas, fue presentada por el director y guionista británico David Hare y contó con la presencia de actores como Meryl Streep, Ralph Fiennes, Joely Richardson, James Earl Jones o Eileen Atkins.

'Adonde quieras que vayas, la gente conoce y admira a Vanessa Redgrave. No hay muchas carreras de cinco décadas consistentes en la historia del cine, pero la suya es una de ellas', afirmó Hare.

Ralph Fiennes, quien dirigió a Redgrave en su debut como director, 'Coriolanus', dijo que la actriz es 'única' y fuente de inspiración de muchas generaciones de actores.

Se viene Cosmopolis, la nueva cinta de David Cronenberg

2011-11-10T22:29:00.000-08:00

El notable director canadiense acaba de terminar el rodaje de Cosmopolis, transposición de la novela de Don DeLillo.

La efervescencia mediática ha acompañado desde el inicio del rodaje, en mayo último en Toronto, a Cosmopolis, adaptación dirigida por David Cronenberg de la novela homónima del popular escritor estadounidense Don DeLillo.

Este proyecto franco-canadiense tiene un reparto de lujo que encabezan la estrella londinense Robert Pattinson (Crepúsculo), la parisina Juliette Binoche, su compatriota Mathieu Amalric, el estadounidense Paul Giamatti y la británica Samantha Morton, sin olvidar a los canadienses Sarah Gadon, Jay Baruchel y Kevin Durand.

El guión escrito por el propio Cronenberg (que este año presentó A Dangerous Method en Venecia y Toronto) está protagonizado por Eric Packer (Robert Pattinson), un golden boy de 28 años de edad que atraviesa Nueva York con su chofer y su guardaespaldas en una limusina que hace las veces de oficina en su trayecto hacia el establecimiento del peluquero de la familia. Sin embargo, el tráfico se encuentra paralizado por una amenaza de atentado contra el presidente de los Estados Unidos. Packer multiplica sus citas y encuentros: su nueva esposa, su médico, sus amantes y sus colaboradores, quienes le ponen sobre aviso del riesgo de apostar a una posible caída del yen. El valor de esta moneda sube como la espuma, lo que presupone el derrumbe del imperio financiero del joven millonario, que no da crédito a lo que ocurre. Mientras tanto, la ciudad se encuentra sumergida en un caos indescriptible: los antisistema hacen un llamamiento a la revolución, el funeral de un rapero sufí provoca una congregación popular, un agresor vuelve a golpear... En mitad del desorden de los indicadores bursátiles, los recuerdos y las manifestaciones urbanas, Packer, abrumado y obsesionado por la amenaza de un asesino, yerra por un sendero que le conduce directamente a un final sabido. Son 24 horas en el Infierno.

Cosmopolis es una producción del portugués Paolo Branco para Alfama Films y de la canadiense Propspero Pictures, France 2 Cinéma, Talandracas, Telefilm Canada y Leopardo Films, con el apoyo, en especial, de Canal +, RAI Cinema y la RTP. El rodaje tuvo lugar en Toronto y Nueva York. La fotografía corre a cargo de Peter Suschitzky, mientras que el oscarizado Howard Shore compondrá la banda sonora.

BEGINNERS

2011-10-30T21:55:00.000-07:00

BEGINNERS (Alliance Films)
Explora el humor, la confusión y el amor a través de la creciente madurez de Oliver Fields (Ewan McGregor), que conoce a la irreverente e impredecible Anna (Mélanie Laurent) pocos meses después del fallecimiento de su padre, Hal Fields (Christopher Plummer).   Gracias a esta relación, Oliver se acuerda cada vez más de su padre, que tras la muerte de su esposa con la que vivió 45 años, salió del armario para disfrutar de una vida plena y llena de energía con Andy (Goran Visnjic), un hombre mucho más joven. La tremenda honradez de Hal hizo que padre e hijo se sintieran mucho más unidos que antes. Ahora, Oliver se esfuerza en amar a Anna con el valor, el humor y la esperanza que su padre le legó.

HOW TO MAKE IT IN AMERICA THE COMPLETE FIRST SEASON

2011-10-30T21:54:00.000-07:00

HOW TO MAKE IT IN AMERICA THE COMPLETE FIRST SEASON (Warner Home Video)
Sigue la historia de Ben (Bryan Greenberg) y Cam (Victor Rasuk), dos amigos dispuestos a cumplir la “máxima” del sueño americano, ya que se disponen a triunfar en América. Estos dos emprendedores veinteañeros buscan hacerse un hueco en el mundo de la moda de Nueva York diseñando vaqueros, decididos a tener éxito con su propia empresa de moda. Tratando de abrirse camino en una ciudad tan competitiva, Ben Epstein y su amigo y compañero de negocios Cam Calderon utilizarán toda clase de artimañas y contactos para conseguir lo que quieren. Con la ayuda del primo de Cam, Rene, que está intentando comercializar una nueva bebida energética llamada Rasta-Monsta, y de su amigo Domingo, los jóvenes empresarios tendrán que enfrentarse a toda clase de obstáculos.

La generación que aterró a Hollywood: De Polanski a Craven, un libro narra la revolución del 'Nuevo Terror' en los años setenta

2011-10-13T23:06:00.000-07:00

¿Qué pasó para que en poco más de una década el terror saltara de películas de segunda categoría con actores como los decadentes Vincent Price o Boris Karloff a que los grandes estudios estuvieran produciendo filmes con casquería varia y asesinos en serie como protagonistas? Pues que eclosionó el Nuevo Terror, con cabezas visibles como John Carpenter, Wes Craven, Tobe Hooper o un infravalorado Dan O'Bannon. Que gente como George Romero o Dario Argento coincidieran en sus películas de bajo presupuesto y que artistas como Roman Polanski o William Friedkin llegaran a Hollywood. Que se relajaran las calificaciones otorgadas a las películas. Y que Estados Unidos viviera diversos y brutales hechos políticos (muerte de Luther King, guerra de Vietnam, el Watergate) y confusos tiempos sociales. A ese Nuevo Terror, que acabó devorado por su éxito a inicios de los ochenta, Jason Zinoman, crítico teatral en The New York Times y amante de pasar miedo en el cine, le ha dedicado un libro, Sesión sangrienta, que ha sido un fenómeno en EE UU.

Zinoman usa el esquema que tan hábilmente manejó Peter Biskind en Moteros tranquilos, toros salvajes. Ha hablado con los protagonistas, recreado sus charlas, encuentros y rupturas (aunque no sea tan cotilla como Biskind), ha buceado en las hemerotecas y ha logrado un libro muy ameno.

Ese Nuevo Terror, a pesar de nombres ilustres como los ya mencionados Craven, Hooper, Romero o Carpenter, no nace de esfuerzos artísticos de individuos aislados, sino de la colaboración de innumerables técnicos y actores, que en muchos casos intercambiaban sus roles. Con el tiempo, los más listos se agarraron a la noción europea de auteur para prosperar en la industria cinematográfica, pero, por ejemplo La noche de los muertos vivientes es un rodaje en comuna en el que acaba poniéndose detrás de la cámara Romero, aunque tengan igual importancia los actores, técnicos y guionistas, todos amigos con ganas de hacer una película.

Más aún, casi ninguno volverá a tener la misma repercusión en las siguientes décadas, excepto Craven, adelantado a su tiempo. Muchos de ellos tampoco son grandes amantes de la casquería, y menos aún del torture porn, imperante en la actualidad con sagas como Saw: al final del libro Craven cuenta cómo en un pase en un festival en España se sale en la secuencia del rebanamiento de oreja de Reservoir Dogs, asqueado porque ese acto se realice con esa música, y a su lado un tipo exclama en alto: "No me lo puedo creer, he asustado a Wes Craven". Era Quentin Tarantino. Y el libro no lo dice, pero ese certamen fue el de Sitges, donde esta semana se reúnen los nietos de aquellos pioneros del Nuevo Terror para disfrutar del género.

"El mal existe y no podemos hacer nada. Cultiva el terror al propio terror, el terror a que el terror te conduzca a la locura", defiende Zinoman. Asustarse tiene algo de irresistible, ese placer que tienen los niños de regocijarse en sus pesadillas, y que quieren volver a experimentar los espectadores en las salas.

A lo largo de Sesión sangrienta vemos cómo Polanski deja a esa generación con la boca abierta con La semilla del diablo en 1968. O cómo el rodaje de La matanza de Texas, de Tobe Hooper, en pleno y tórrido agosto, tuvo mucho que ver con la atmósfera pestilente de la película; cómo los italianos Mario Bava y Dario Argento eran primos hermanos de ese Nuevo Terror; cómo sin querer La noche de los muertos vivientes esparce un mensaje social al tener un protagonista negro. Y finalmente, cómo toda esa espontaneidad nacida de la inocencia y esa libertad son deglutidas con su triunfo en taquilla y Hollywood exprime el género. Se habla de El exorcista, de Kubrick, de Tiburón, de las influencias de dramaturgos como Albee y Pinter o de H. P. Lovecraft, de cómo el FBI se apoyó en ellos para expandir el concepto del asesino en serie...

Hoy, como dice el autor, "al público no le importan las víctimas y por ello al director le resulta más difícil manipular las reacciones de los espectadores". De ahí los caminos nuevos del miedo basados en películas encontradas (El proyecto de la bruja de Blair) o el tirón del cine asiático. "El gran reto del terror es: ¿cómo asustar a los adultos para que vuelvan a sentirse niños?".
GREGORIO BELINCHÓN El Pais.

Bernardo Bertolucci arrancó el rodaje de su nueva película

2011-10-11T23:33:00.000-07:00

El mítico director de Novecento, Ultimo tango en París y El último emperador comenzó la filmación de Io e te, la historia de un chico de 14 años que se encierra en el sótano de su casa. Está inspirada en el exitoso libro de Niccolò Ammaniti.

“Después de tantos años uno empieza desde cero”. Si quien lo dice es el maestro que ha filmado clásicos como Último tango en París, Novecento, El último emperador o Los soñadores, habrá que creerle; porque sin duda Bernardo Bertolucci, que este lunes 10/10 empezó a rodar Io e te, es capaz, a pesar de sus lauros y de sus 71 años, de renovarse.

Para ello, Bertolucci -que tras el León de Oro a la carrera obtenido en Venecia en 2007 recogió el pasado mes de mayo en Cannes la Palma de Oro en reconocimiento a toda su trayectoria– ha decidido ponerse a prueba con la adaptación cinematográfica de la novela homónima de Niccolò Ammaniti.

Ambos, director y novelista, son autores del guión junto con Umberto Contarello y Francesca Marciano. En Io e te, Lorenzo es un adolescente solitario de 14 años de edad que tiene problemas con su familia y con el mundo que lo rodea. Un día no puede más y decide pasar una semana de vacaciones en invierno encerrado en el sótano de casa.

“Es la primera vez que hago una película a partir de una historia que medio millón de personas acaban de leer o están leyendo ahora mismo. Me pregunto si entre los misterios de ese sótano hay alguno que Ammaniti nos haya ocultado”, declara Bertolucci.

Los jóvenes protagonistas seleccionados por el director parmesano a partir de unas pruebas de casting a las que se presentaron cientos de candidatos son Jacopo Olmo Antinori, que encarnará a Lorenzo, y Tea Falco, que interpretará a Olivia, la hermanastra, frágil y rebelde, que aparece en el refugio de Lorenzo para turbar la quietud.

TIFF Bell Lightbox: The Wages of Fear: The Films of Henri-Georges Clouzot

2011-10-10T15:31:00.000-07:00

Esta retrospectiva completa de la obra del realizador francés es un grato acontecimiento que se presentará en el Tiff Bell Lightbox del 13 de Octubre hasta el 29 de Noviembre.
Comparado y apodado como el Hitchcock francés, Georges-Clouzot es el autor de clásicos como Le Corbeau, Le Salaire de la Peur, Diabolique, Quai des Orfèvres o La Vérité.
Nacido en Francia en 1907, Clouzot, después de terminar sus estudios, trabajó en la década de 1930 en Berlín como supervisor de doblajes. De regreso en Francia, comenzó en el cine escribiendo guiones, para sí mismo y para otros directores. En 1942, durante la ocupación alemana, el Ministerio de propaganda de Goebbels, fundó la productora Continental-Films, creada para reemplazar la producción de Hollywood, en la cual Clouzot debutó como director en L’assassin habite au 21 (1942), para luego al año siguiente filmar Le Corbeau(1943), película que causó polémica, recibiendo Clouzot críticas por el tema que trata de la miseria moral de los habitantes de un pueblo francés. La película fue tachada de colaboracionista, y le costó al director cierta marginación en el ambiente del cine francés.

Sin embargo pronto retomó su actividad, y algunas de sus siguientes películas fueron premiadas en varios festivales internacionales. En esa década fundó una productora propia, Vera Films (por su esposa la actriz Véra Clouzot).
Históricamente Clouzot esta situado entre el primer cine francés y la nouvelle vague. No fue un revolucionario del lenguaje cinematográfico, pero sí creó atmósferas opresivas y sórdidas, y personajes de instintos primarios y ambivalencia moral. Había leído muchas novelas de detectives (especialmente porque la tuberculosis lo postró en cama durante algunos años) y éstas forjaron su perspectiva negativa de la sociedad.

En la década de 1950, dirigió lo que vino a ser su obra cumbre Le Salaire de la Peur. Clouzot, con la ayuda de los inmensos actores Ives Montand y Charles Vanel narra la peripecia de un grupo de hombres encargados de transportar un camión cargado de dinamita a través de un agreste país latinoamericano. El riesgo de que el cargamento explote con la menor sacudida da a la misión -y por ende a la película- no sólo un grado de suspense memorable, sino también un tono existencial -nihilista en ocasiones- realmente emotivo. Un soberbio "tour de force".

Tamién en la misma década realiza la celebrada Diabolique (1954), con una Simone Signoret en estado de gracia, el documental Le Mystère Picasso (1956) donde puso al alcance de los espectadores la posibilidad de contemplar la técnica y el modo de trabajar de uno de los mayores genios del siglo XX, Pablo Picasso. Filmado en el estudio del pintor malagueño mediante novedosas técnicas cinematográficas, el filme muestra a los hipnotizados espectadores, pincelada a pincelada, el nacimiento de una obra de arte. Una de esas películas únicas en las que un cineasta se introduce en la vida de un pintor para ser testigo de la génesis de una de sus obras...
Esta maravillosa retrospectiva viene acompañada de un imperdible documental firmado por Serge Bromberg y Ruxandra Medre L’Enfer d’Henri-Georges Clouzot (2009), un estudio fascinante de un filme que Clouzot dejó inacabado, presentando un retrato penetrante del director mientras explora las circunstancias acerca del rodaje y el abandono del proyecto que comenzo apasionadamente y se convirtió en su caida total.

HOW TO MAKE IT IN AMERICA SEASON 1

2011-10-10T00:03:00.001-07:00

HOW TO MAKE IT IN AMERICA SEASON 1 (Warner Home Video)
Sigue la historia de Ben (Bryan Greenberg) y Cam (Victor Rasuk), dos amigos dispuestos a cumplir la “máxima” del sueño americano, ya que se disponen a triunfar en América. Esto dos emprendedores veinteañeros buscan hacerse un hueco en el mundo de la moda de Nueva York diseñando vaqueros, decididos a tener éxito con su propia empresa de moda. Tratando de abrirse camino en una ciudad tan competitiva, Ben Epstein y su amigo y compañero de negocios Cam Calderon utilizarán toda clase de artimañas y contactos para conseguir lo que quieren. Con la ayuda del primo de Cam, Rene, que está intentando comercializar una nueva bebida energética llamada Rasta-Monsta, y de su amigo Domingo, los jóvenes empresarios tendrán que enfrentarse a toda clase de obstáculos.

SUPERNATURAL SEASON 6

2011-10-10T00:01:00.000-07:00

SUPERNATURAL SEASON 6 (Warner Home Video)
Un misterioso mensaje de teléfono de su padre, que ha desaparecido del hogar familiar, llevará a los hermanos Dean y Sam Winchester a California. Aunque no encuentran a su padre, Dean y Sam descubren su diario personal y tratarán de descifrar, a través de sus escritos, las pistas que les ayuden a destruir al espíritu maligno que, según éste, se encuentra tras la muerte de la madre de los chicos, ocurrida tiempo atrás en extrañas circunstancias...

TIFF Bell Lightbox: Jackie Chan’s 100th film opens October 7th

2011-10-04T14:01:00.000-07:00

1911
Género: Drama. Bélico 
Año: 2011 
Nacionalidad: China-Hong Kong
Director: Jackie Chan, Li Zhang
 Reparto: Jackie Chan, Bingbing Li, Winston Chao, Joan Chen.
Jackie Chan ejerce de actor y co-director en este filme cuya historia se centra en el nacimiento en 1911 de la República China, cuando las fuerzas nacionalistas comandadas por Sun Yat-sen expulsaron a la Dinastia Quing.
1911, también conocida como Revolución de Xinhai y la revolución de 1911, es un drama histórico de inmensas proporciones. La película es un homenaje al 100 aniversario de la Revolución de Xinhai. También es la película número 100 de Jackie Chan en su extensa carrera.
La realización de esta película tuvo un coste de 30 millones de dólares

FRINGE SEASON 3

2011-10-02T22:26:00.000-07:00

FRINGE SEASON 3 (Warner Home Video)
Serie de ciencia ficción sigue a la agente del FBI Olivia Dunham (Anna Torv), encargada de esclarecer fenómenos inexplicables. En sus investigaciones para encontrar el hilo conductor de estos acontecimientos y la mano que los mueve, Olivia y su jefe -el agente Broyles- contarán con la ayuda del doctor Bishop -un científico loco y desmemoriado que sabe más de lo que parece- y de su hijo Peter... Nueva serie del creador de "Lost" (J.J. Abrams). ha recibido ya grandes elogios por parte de crítica y público. Mezcla de drama, terror, misterio y ciencia ficción, Fringe se ha consolidado ya como una de las series de televisión de mayor calidad de los últimos años.

THE MENTALIST SEASON 3

2011-10-02T22:24:00.000-07:00

THE MENTALIST SEASON 3 (Warner Home Video)
El mentalista es Patrick Jane (Simon Baker), un célebre médium cuya esposa e hijo son brutalmente asesinados por un escurridizo asesino en serie llamado Red John. Destrozado, Patrick confiesa que su actuación paranormal es una farsa y emplea sus sorprendentes habilidades de observación y análisis, talentos que le hicieron parecer dotado psíquicamente, para llevar asesinos ante la justicia. Ahora Patrick acompaña a un equipo de élite de detectives a escenas de crimen por toda California para ayudarles a resolver los casos más complicados. Pero independientemente del número de criminales que consigue atrapar, Patrick jamás olvida su metra central: encontrar a Red John. Y derribarlo.
Material adicional (extras): Encuentro con los protagonistas y creadores para descubrir las pruebas de una serie de éxito.

Apoyo a cineastas iraníes prisioneros

2011-10-01T00:41:00.000-07:00

La Cinemateca Francesa está haciendo circular el sigueiente texto de apoyo a cineastas presos por el régimen iraní. Los que deseen firmar pueden hacerlo entrando al siguiente enlace:

http://www.ipetitions.com/petition/soutien-cineastes-iraniens/utm_medium=email&utm_source=system&utm_campaign=Send%2Bto%2BFriend

Petition in support of the imprisoned Iranian filmmakersWe, the undersigned, are most worried about the recent arrests of five Iranian filmmakers, Mojtaba Mirtahmasb, Nasser Saffarian, Hadi Afarideh, Mohsen Shahrnazdar and the film producer and distributor, Katayoune Shahabi on 18 September 2011.

The families and the lawyers of the filmmakers have been banned from visiting them, and the families have been forced to remain silent about the situation of their loved ones. Many other Iranian filmmakers have been warned that they would suffer the same fate in the future. Filmmaker and actress Marzieh Vafamehr was imprisoned in July for acting in a movie and director of photography, Tooraj Aslani, was banned from leaving Iran because of working on film outside of Iran.The independent association House of Cinema in Iran, a body composed of a number of trade guilds, issued a press release in defense of the arrested filmmakers and questioned the government's approach to the filmmakers.

House of Cinema's action was immediately condemned by the government media who accused the institution of working with "foreign enemies of the state." Certain members of Iranian government have accused the filmmakers of espionage and treason. The charges made by pro-government media, certain members of the parliament, three pro-government filmmakers, twelve Islamic student associations and the website of Islamic Republic of Iran's Broadcasting (IRIB) can result in long prison sentences in Iran.

A number of Iranian artists and filmmaker in Europe, Canada, the United States and different countries around the world have created the Committee in Defense of Imprisoned Filmmakers: cinemairan@ymail.com

We the undersigned support the actions of the Committee in Defense of Imprisoned Filmmakers. We urge the Iranian government to release the imprisoned filmmakers and stop the intimidation and harassment of filmmakers in the future.

Hollywood Classics: The Cinema Is Nicholas Ray (Part 1)

2011-10-01T00:03:00.001-07:00

Godard made the famous pronouncement, “Le cinéma, c’est Nicholas Ray,” in his 1957 review of Bitter Victory, claiming that Ray alone was capable of remaking the cinema. This full-scale centenary retrospective, scheduled over two seasons and centred on the recent restoration of We Can’t Go Home Again, features many rare, restored, studio and archival prints of Ray’s films, providing the ideal opportunity to put Godard’s assertion to the test.

In some of the most beautiful, personal and distinctive films ever made in Hollywood, and then in a series of increasingly difficult independent productions, Ray redefined commercial cinema. Even when constrained by studio edicts and economics, the restive Ray produced films that were daringly impulsive and sometimes rawly autobiographical, reflecting his profound understanding of and estrangement from the ethos of postwar America. From the brooding romanticism of his directorial debut They Live by Night and the emotional violence of In a Lonely Place and On Dangerous Ground, through the CinemaScope expressionism of Rebel Without a Cause and Bigger Than Life and the epic spectacle of 55 Days at Peking and King of Kings, Ray transformed his love of the forlorn, the vulnerable and the misfit, his identification with the abject innocent and angry outsider into a vision adverse to the coercive optimism and desperate conformity of the fifties. Poetic, pessimistic, high-strung and humanist, Ray’s films are set in a lonely place and on dangerous ground—the wounded psyches of often solitary nomads, strangers who keep looking for a home in a world to which they “have not been properly introduced.”

On October 30, Susan Ray will appear at TIFF Bell Lightbox to present a restored version of their groundbreaking collective feature We Can’t Go Home Again (1973-79), in addition to introducing the full-length restoration of Ray’s classic Bitter Victory (1957). The Cinemas Is Nicholas Ray is programmed by TIFF Cinematheque Senior Programmer James Quandt. Hollywood Classics is a deluxe year-round series of American films, both canonical and cult, celebrated or unjustly obscure, presented as often as possible in new, restored or rare prints. Hollywood Classics screens every Tuesday and Saturday beginning October 2.

DID YOU KNOW THAT..●

About Nicholas Ray:

Ray studied architecture under Frank Lloyd Wright, where he learned the importance of space and geography, and his later love for CinemaScope. (MUBI)
● Alan Lomax and Ray traveled around the south and recorded folk musicians for the Library of Congress. They were eventually hired by CBS to produce a regular evening slot headed by Woody Guthrie. (IMDB)
● Elia Kazan was called to Hollywood to make his feature film debut A Tree Grows in Brooklyn (1945), and hired Ray to be his assistant, where Ray was first introduced to film making. (MUBI)
● Ray met actress Gloria Grahame, who became his second wife, during the shooting of his film A Woman’s Secret (1949) (MUBI)
● In the 70s, Ray became a teacher at New York University where one of his students was Jim Jarmusch. They developed a friendship and together made We Can’t Go Home Again (1976), half documentary and half fiction. (MUBI)
● Jim Jarmusch says that he often looked to Ray for script advice, and misses him to this day. (Wikipedia)
About Nicholas Ray Films:
● They Live by Night (1949) is remembered today for Ray’s unique use of the camera. It was one of the first times a helicopter was used to shoot action. (MUBI)
● Humphrey Bogart was so impressed with Ray’s film debut he invited Ray to direct his first independent production, Knock on Any Door (1949), for a loan-out at Columbia. (MUBI)
● During his years at RKO, Ray did uncredited touch-up work to film such as Roseanna McCoy (1949), The Racket (1951), Androcles and the Lion (1952), and Macao (1952). (MUBI)
● Bogart and Ray collaborated again on In a Lonely Place (1950) and the result is considered one of Bogart’s best and most complex performances. The film has gained a reputation over the decades as a classic example of both film noir and existential, heartbreaking romance. (MUBI)
● Lauren Bacall and Ginger Rogers were considered for the role of Laurel Gray in In a Lonely Place (1950). Bogart naturally wanted his wife to play opposite him, but Warner Bros. refused to release her from her contract. Rogers was reportedly the producers' first choice, but Nicholas Ray convinced them that his own wife, Gloria Grahame, would be the right choice for the role. At the time, Gloria Grahame was estranged from her husband as she was having an affair with Ray’s son from a previous marriage. She would later go on to marry Ray’s son. (IMDB)
● Johnny Guitar (1954), which Ray hated making, mostly because of Joan Crawford, was a box-office success. Today the film has gathered a cult status. Martin Scorsese is a big fan of the film claiming: “There’s really no other film quite like it.” (MUBI)
● During the filming of Rebel Without a Cause (1955) Ray and James Dean formed a very close bond, with Ray allowing Dean to improvise and even direct to his liking. (MUBI)
● James Dean, Sal Mineo, and Natalie Wood, the three lead actors of Rebel Without a Cause (1955), all died young under tragic circumstances: Dean died in a car accident, Mineo was stabbed, and Wood drowned. In addition, Edward Platt committed suicide in 1974. (IMDB)● Natalie Wood was first considered too naive and wholesome for the role of Judy in Rebel Without a Cause (1955). Both Ray and Wood later claimed that he changed his mind after she was in a car accident with Dennis Hopper and someone in the hospital called her a "goddamn juvenile delinquent". (IMDB)
● The opening scene of Rebel Without a Cause (1955) with Jim Stark and the toy monkey was improvised by James Dean after the production had been shooting for nearly 24 hours straight. He asked Nicholas Ray to roll the camera because he wanted to do something. Ray obliged and the improvisation went on to become the famous opening scene. (IMDB)
● The French magazine Cahiers du Cinema named Bigger Than Life (1956) one of the 10 best films of the 50s. (MUBI) ● Average shot length in Bigger Than Life (1956) is 11 seconds long. (IMDB) ● Ida Lupino directed On Dangerous Ground (1952) for several days when Ray fell ill. (IMDB)

Cultural Influence:
• Martin Scorsese is a fan of Ray's, particularly his expressionistic use of color in Johnny Guitar (1954), Rebel Without a Cause (1955) and Bigger Than Life (1956). He used clips from two of these films in his documentary A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (1995). (IMDB)
• Director Curtis Hanson states In A Lonely Place (1950) as an important influence on his direction of L.A. Confidential (1997). (IMDB)

• François Truffaut wrote essays about Ray (who is featured prominently in his book The Films in My Life). He asserts that They Live by Night (1949) is Ray's best movie, and gives special attention to his films Bigger Than Life (1956) and Johnny Guitar (1954). (IMDB)
• Wim Wenders is another European admirer of Ray's work and has paid homage to him in many movies. He even gave Ray a cameo in his film The American Friend (1977). He co-directed Ray's final film, the experimental documentary Lightning Over Water (1980), and edited it after Ray's death. The film is a touching portrait of the final days of Nicholas Ray's life. (IMDB)
• In This Is It (2009), Michael Jackson is edited into a scene of In a Lonely Place (1950), where he speaks to Dixon Steele (Humphrey Bogart) before being shot at by him. (IMDB)
• In 2007, James Dean’s famous line "You're tearing me apart" from Rebel Without a Cause (1955) was voted as the #97 of "The 100 Greatest Movie Lines" by Premiere Magazine. (IMDB)
• Jim Jarmusch “unofficially” dedicated his first film, Permanent Vacation (1980), to Ray, acknowledging his great debt to his tutelage. (James Quandt)

Quotes by/about Nicholas Ray: ●

“I’m a stranger here myself.” Nicholas Ray ●
François Truffaut once noted: “There are no Ray films that do not have a scene at the close of day; he is the poet of nightfall, and of course everything is permitted in Hollywood except poetry.” (David Thompson, The Guardian) ●

Ray once said of script writers: “‘It was all in the script’ a disillusioned writer will tell you. But it was never all in the script. If it were, why make the movie?” (V. F. Perkins, The Cinema of Nicholas Ray).

● Ray called himself "the best damn filmmaker in the world who has never made one entirely good, entirely satisfactory film." (Steve Ryfle, Los Angeles Time) ●

Robin Wood noted: “If there is a single recurrent image that seems to express the whole spirit of Ray’s art, it is probably that of hands reaching out to touch.” (James Quandt) ●

“A boy needs his father at certain times of his life,” Ray wrote in his autobiography, “so he can kick him in the shins, so he can fight for the love of his mother.” (James Quandt).

BURN NOTICE THE FALL OF SAM AXE

2011-09-28T23:33:00.001-07:00

BURN NOTICE THE FALL OF SAM AXE (FOX Home Video)
Spin-off de la serie de TV Burn Notice. Mientras asesora a un pelotón de militares locales en una misión en América Latina, el teniente comandante Sam Axe (Bruce Campbell) comienza a sospechar que hay secretos dentro de sus filas y, finalmente, llega a la conclusión de que debe empezar a actuar.

UNITED STATES OF TARA THE THIRD SEASON

2011-09-28T23:32:00.001-07:00

UNITED STATES OF TARA THE THIRD SEASON (Paramount Home Video)
Tara Gregson (Toni Collette) es una ama de casa de Overland Park (Kansas), con un desorden disociativo de personalidad, que decide dejar la medicación para descubrir la causa de su enfermedad. Este hecho hace que sus tres personalidades alternativas emerjan: T; una adolescente coqueta y salvaje, Alice; una ama de casa perfecta, y Buck; un veterano de la guerra de Vietnam, ordinario y bebedor de cerveza. Su familia intentará apoyarla pero ésta no será una tarea fácil. Escrita por Diablo Cody (ganadora del Oscar por "Juno") y producida por Steven Spielberg.

ENTOURAGE THE COMPLETE SEVENTH SEASON

2011-09-28T23:31:00.000-07:00

ENTOURAGE THE COMPLETE SEVENTH SEASON (Warner Home Video)
Teleserie que narra el día a día de Vincent (Vince) Chase, un joven, atractivo y exitoso actor de Hollywood, y su séquito de amigos. La carrera de Vince está en pleno auge. Para compartir la diversión de su nueva posición social y, a la vez, mantener los pies en el suelo, Vince no pierde contacto con Eric, Drama y Turtle, sus amigos de la infancia de Queens, en Nueva York, de donde procede. Juntos, navegarán por lo mejor y lo peor de la vida en Hollywood, donde el juego y las apuestas son grandes, y el dinero y las tentaciones son aún mucho más grandes...

THE GOOD WIFE THE SECOND SEASON

2011-09-28T23:30:00.000-07:00

THE GOOD WIFE THE SECOND SEASON (Paramount Home Video)
Peter (Chris North) es un popular político que acaba en la cárcel por malversación de fondos y escándalo sexual. A partir de entonces, la vida de Alicia Florrick (Julianna Margulies), su esposa durante 13 años, se desmorona. Deberá rehacer su vida, tras sufrir la humillación de comparecer en público a su lado. Para ello, reanuda su trabajo de abogada en un prestigioso bufete, sin descuidar por ello la vida familiar. De hecho, procurará por todos los medios que sus hijos adolescentes se mantengan al margen del escándalo. La serie se inspira en un caso real: el del Gobernador de Nueva York Eliot Spitzer, que perdió su cargo por un escándalo sexual con una prostituta de lujo.

COMMUNITY THE COMPLETE SECOND SEASON

2011-09-28T23:29:00.000-07:00

COMMUNITY THE COMPLETE SECOND SEASON (Sony Home Video)Comedia sobre un grupo de inadaptados que asisten a la Universidad Comunitaria de Greendale. En el centro del grupo se encuentra Jeff Winger, un abogado carismático y sin escrúpulos cuyo título universitario ha sido revocado. Con la ayuda de sus pintorescos compañeros de clase, Winger forma un grupo de estudio donde las discusiones, el patetismo y la camaradería están a la orden del día.

THE 5TH QUARTER

2011-09-28T23:28:00.000-07:00

THE 5TH QUARTER (FOX Home Video)
En febrero de 2006, Luke Abbate aceptó dar un paseo en coche con un compañero de clase después del entrenamiento del equipo de fútbol del instituto. A pesar de las advertencias de todos los chicos que iban en el coche, el conductor se pasó de velocidad y perdió el control del vehículo, provocando un terrible accidente. Luke sufrió una lesión cerebral irreparable y murió en el hospital dos días más tarde, cuatro días antes de su decimosexto cumpleaños. A partir de entonces, su familia y sus amigos decidieron rendirle homenaje levantando los cinco dedos de una mano a modo de señal en todos los partidos, ya que ése era el número de la camiseta que vestía Luke cuando jugaba.

BLUE BLOODS THE FIRST SEASON

2011-09-28T23:27:00.000-07:00

BLUE BLOODS THE FIRST SEASON (Paramount Home Video)
Drama multigeneracional, escrita por dos de los guionistas de "Los Soprano", sobre una familia de policías dedicados a defender la ley en la ciudad de Nueva York. Frank Reagan (Tom Selleck) es el jefe de policía y patriarca de la familia Reagan. Frank dirige el departamento con la misma diplomacia con la que gobierna su familia, incluso cuando debe enfrentarse a la política aplicada por su padre, Henry (Len Cariou), cuando era Jefe. Los hijos mayores de Frank son Danny (Donnie Wahlberg), un experimentado detective, hombre de familia y veterano de guerra dispuesto a utilizar tácticas sospechosas para cerrar casos; y Erin (Bridget Moynahan), una fiscal que sirve como equilibrio para su padre y hermano. Finalmente tenemos a Jamie (Will Estes), el hermano menor que se graduó en derecho en Harvard pero decidió rechazar un importante puesto en una firma para seguir una carrera en la fuerza policial, apoyado por su novia Sydney Davenport (Dylan Moore), también abogada. La vida de Jamie da un giro inesperado cuando es invitado a convertirse en parte de equipo clandestino de la policía del que su padre no sabe nada, y que podría afectar el legado de su familia.

CRIMINAL MINDS: SUSPECT BEHAVIOR

2011-09-28T23:26:00.000-07:00

CRIMINAL MINDS: SUSPECT BEHAVIOR (Paramount Home Video)
La serie se centra en un grupo de investigadores del FBI, en concreto en la Unidad de Análisis de Conducta. Esta Unidad está formada por un grupo de especialistas, cada uno con un pasado distinto e interesante que utiliza métodos poco convencionales y tácticas a veces muy agresivas para capturar a los criminales más escurridizos de la nación. El equipo está liderado por el agente Sam Cooper (Forest Whitaker), el jefe de la Unidad, un agente despierto tanto mental como físicamente que no dudará en poner en peligro su carrera si lo considera necesario para no perder sus convicciones. Cooper cuenta con un equipo cuidadosamente seleccionado: Beth Griffith, el último miembro en incorporarse al equipo, procedente del equipo de Evaluación de Amenazas; Mick Rawon, un tirador con un buen ojo para detectar el mal; John 'Profeta' Sims, un antiguo profeta con una presencia casi zen, dispuesto a todo con tal de enmendar sus errores del pasado; Gina LaSalle, una atractiva e inteligente agente dotada de un extraordinario sentido de la percepción; y Penelope Garcia, una experta en ordenadores que ha pasado años asesorando a la Unidad de Análisis de Conducta en los casos más duros.

NCIS: LOS ANGELES

2011-09-28T23:25:00.000-07:00

NCIS: LOS ANGELES (Paramount Home Video)
Spin-off de 'NCIS' -previamente presentada en la serie- protagonizada por los agentes especiales "G" Callen (Chris O'Donnell), un misterioso y camaleónico agente con una gran capacidad de transformación, y Sam Hanna (LL Cool J), un antiguo marine SEAL con experiencia en las guerras de Afghanistan e Iraq. La serie se centra en una rama de los NCIS llamada OPS que opera en Los Ángeles, utilizando su alta tecnología para detener a los enemigos de los Estados Unidos.

STARGATE ATLANTIS THE COMPLETE SERIES

2011-09-28T23:24:00.000-07:00

STARGATE ATLANTIS THE COMPLETE SERIES (MGM/FOX Home Video)
La historia de la serie parte del final de la séptima temporada y el inicio de la octava de Stargate SG-1. Un grupo de científicos, entre los que se encuentran el Dr. Daniel Jackson, la Doctora Elizabeth Weir y el Dr. Rodney McKay, están estudiando el puesto avanzado de los Antiguos que O'Neill descubrió al final de la séptima temporada. El Dr. Jackson consigue averiguar que pasó con Atlantis: los Antiguos se la llevaron a otra galaxia, Pegaso, y tiene la dirección de donde fueron. El problema es que abrir el Stargate a otra galaxia gasta mucha energía, por lo que es posible que sea un viaje sin retorno. Sin embargo, una expedición científico-militar, la Expedición Atlantis, capitaneada por la propia Weir, decide embancarse en la aventura y parte hacia la ciudad perdida de los Antiguos, Atlantis.

Una vez allí, se encontrarán con un enemigo mucho peor que los Goaul'd; los Wraith (Espectros), una raza que se alimenta de la energía vital de los seres humanos y que, 10.000 años atrás, obligaron a los Antiguos a abandonar Pegaso y volver a la Tierra.

BLOOD SIMPLE

2011-09-21T11:55:00.001-07:00

BLOOD SIMPLE (MGM Home Video)
En una zona rural del estado de Texas, Julian Marty (Dan Hedaya) regenta un bar que le proporciona las suficientes ganancias como para disfrutar de una solvente situación económica. Pero los problemas de Marty se circunscriben al ámbito familiar, ya que su esposa Abby (Frances McDormand ) mantiene relaciones con uno de los empleados del bar, Ray (John Getz).   Conocedor de la noticia, Marty decide contratar a Visser (M. Emmet Walsh), un detective privado, para acabar de una forma drástica con el adulterio de su mujer: asesinar a Ray y Abby cuando se encuentren a solas en una habitación de un motel del pueblo o en la casa del camarero.   Pero Visser trata de sacar una mayor partida económica a esta situación y en lugar de asesinarlos truca una instantánea de ambos haciendo creer a Marty de que han fallecido.

Blood Simple es el legendario debut de los hermanos Coen. Un trabajo visual, a la par preciosista y espeso, que reinventa los códigos del cine negro en un relato con pasiones desatadas, traiciones y mentiras, personajes deseperados y un ineludible destino que los alcanzará a todos. En un más difícil todavía, los Coen crean una trampa emponzoñada, que se desliza incluso hacia el terror, aderezada sorprendentes insertos de humor negro. Este filme lleva un desbordante ejercicio de imaginación.

X-MEN FIRST CLASS

2011-09-21T11:54:00.001-07:00

X-MEN FIRST CLASS (Fox Home Video)
Comienzo de la saga de los X-Men, esta es una historia secreta que alude a conocidos acontecimientos mundiales. Antes de que los mutantes se mostraran al mundo, y antes de que cambiaran sus nombres por los de Profesor X y Magneto, Charles Xavier (James McAvoy) y Erik Lehnsherr (Michael Fassbender) eran dos jóvenes que descubrían sus poderes. No había animadversión alguna entre ellos, sino que les unía una sincera amistad y la decisión de acabar con el trabajar juntos y entrenar a un grupo de jóvenes mutantes para evitar el Armagedón nuclear. Su enemigo común: el malvado Sebastian Shaw (Kevin Bacon), un humano con poderes con el que Erik tiene una cuenta pendiente.
Una producción de primera clase que de forma excitante revitaliza la decaída franquicia. La primera parte es probablemente la mejor hora de cine proveniente de un cómic de la Marvel.

THE NAME OF THE ROSE

2011-09-21T11:52:00.000-07:00

THE NAME OF THE ROSE (Warner Home Video)
Todo comienza una hermosa mañana de finales de noviembre del año del señor 1327 cuando Fray Guillermo de Baskerville (Sean Connery), un monje franciscano y antiguo inquisidor, y su inseparable discípulo el novicio Adso de Melk (Christian Slater) acuden a una abadía benedictina situada en el norte de la península italiana para intentar esclarecer la muerte del joven miniaturista Adelmo da Otranto. Durante su estancia en la abadía van desapareciendo misteriosamente más monjes. El móvil de los crímenes parecen ser unos antiguos tratados que se encuentran en la biblioteca de la abadía.
Material adicional (extras)
· Comentarios del Director Jean-Jacques Annaud
· Documental del making of La Abadía del Crimen: El Nombre de la Rosa de Umberto Eco
· Viaje a través de las fotografías de la película
· Tráiler Cinematográfico

GLEE THE COMPLETE SECOND SEASON

2011-09-21T11:50:00.000-07:00

GLEE THE COMPLETE SECOND SEASON (Fox Home Video)
En un instituto norteamericano, un profesor de español llamado Will Schuester, frustrado por el sueño no cumplido de convertirse en una estrella de éxito, decide recuperar el viejo Glee Club, una pequeña asociación de alumnos que disfrutan cantando y bailando, y llevarles al éxito en las competiciones estatales. Llegarán a él, de esta forma, personajes tan diferentes como el capitán del equipo de futbol, Finn, su novia Quinn, una joven muy ambiciosa llamada Rachel o un chico muy afeminado, Kurt Hummel. Juntos superarán las burlas de sus compañeros, que no entienden el propósito del club y lo asocian con los marginados sociales, y del poco apoyo del colegio, representado al máximo por la directora de las animadoras, la malvada Sue Sylvester.

  Estrenada en Estados Unidos en 2009, la serie se ha convertido rápidamente en un fenómeno de masas mundial, consiguiendo en su primera temporada un Globo de Oro a la Mejor Comedia o Musical y el prestigioso premio del Sindicato de Actores el Mejor Reparto de Televisión-Comedia. Creada por Ryan Murphy y concebida inicialmente como una película, el episodio piloto se estrenó en mayo de 2009 y el resto de la primera temporada tardaría aún cinco meses en llegar. En cuanto a los actores, algunos de ellos (Matthew Morrison, Lea Miochele y Jenna Ushkowitz) han desarrollado toda su carrera hasta el momento en los teatros de Broadway.

  Uno de los argumentos de peso de Glee es el uso del cancionero popular, algo que el creador selecciona para cada episodio y que ha permitido, gracias a las concesiones otorgadas por las grandes discográficas, que se hagan versiones de canciones de rabiosa actualidad como lo son los temas de Lady Gaga, Britney Spears y otros míticos del pop como Queen. A pesar de las inevitables comparaciones con la saga de éxito High School Musical, Murphy asegura no haberse inspirado en ello sino en su propia infancia, ya que él mismo formó parte de un grupo similar en el colegio.  

Además del éxito mundial de la serie, sus actores han alcanzado un nivel de fama considerable y se han ganado también un lugar en el mundo de la música, llegando a publicar discos oficiales bajo el amparo del prestigioso sello de Columbia. Entre las claves del éxito de la serie, además del uso de canciones ya populares, se encuentra sin duda el talento de todo el elenco de actores y bailarines. Y es que, al contrario de lo que sucede con otros formatos similares, en Glee son los propios protagonistas los que cantan y bailan en todos los temas de la serie.

BREAKFAST AT TIFFANY’S 50th ANNIVERSARY EDITION

2011-09-21T11:49:00.001-07:00

BREAKFAST AT TIFFANY’S 50th ANNIVERSARY EDITION (Paramount Home Video)
Holly Golightly (Audrey Hepburn) es una bella joven de la alta sociedad neoyorquina que bajo su vida alegre esconde una gran tristeza. Holly tiene un comportamiento algo alocado, y alguna manía, como por ejemplo desayunar contemplando el escaparate de la lujosa joyería Tiffanys. Un día se muda a su mismo edificio Paul Varjak (George Peppard), un escritor en ciernes que mientras espera alcanzar un éxito que nunca llega vive de la relación con una mujer madura que le mantiene. Holly y Paul enseguida entablarán una bonita amistad.
Material adicional (extras):
– Película en DVD
– Carta de Blake Edwards
– Guión original
– Banda sonora original
– Postales con imágenes inéditas
– Comentarios del productor Richard Shepherd
– La creación de un clásico
– Es tan Audrey... Un icono de la elegancia
– Brillo en una caja azul
– Tráiler original de cine
– Una reunión Golightly (Exclusiva Blu-ray)
– Henry Mancini: Más que música (Exclusiva Blu-ray)
– Sr. Yuinoshi: Una perspectiva asiática (Exclusiva Blu-ray)
– Tras las puertas: el tour
– Carta de Audrey a Tiffany
– Galerías fotográficas

PRIEST

2011-09-21T11:47:00.000-07:00

PRIEST (Sony Home Video)
En un mundo asolado por siglos de guerra entre el hombre y los vampiros, Paul Bettany es un legendario guerrero que destacó durante la última Guerra del Vampiro, pero ahora es sólo un sacerdote que vive en compañía de otros hombres en las amuralladas ciudades distópicas controladas por la Iglesia. Sin embargo, cuando su joven sobrina es secuestrada por un grupo de vampiros asesinos que viven en los páramos desolados del exterior, el sacerdote rompe sus sagrados votos y emprende su búsqueda decidido a vengarse de los secuestradores, especialmente de su brutal líder (Karl Urban). En esta aventura le acompaña Hicks (Gigandet), el novio de la chica, un sheriff y una sacerdotisa (Maggie Q), miembro de la legión de asesinos de vampiros y poseedora de habilidades de combate sobrenaturales.

TIFF 2011:Drama sobre guerra en Líbano gana premio del público

2011-09-18T22:40:00.000-07:00

"Where Do We Go Now?", una comedia dramática ambientada en un Líbano destrozado por la guerra, ganó el domingo el premio del público en el Festival Internacional de Cine de Toronto.
El Premio del Público, votado por la audiencia del festival, ha sido un heraldo de éxito rumbo a los premios Oscar. El ganador del año pasado, "El discurso del rey", ganó cuatro Oscares, incluyendo el de mejor película. Y el de 2008, "Slumdog Millionaire", también ganó el de mejor película y otras siete estatuillas.

La película de la directora libanesa-canadiense Nadine Labaki sobre mujeres de pueblo empeñadas en mantener a sus impetuosos hombres lejos de una guerra religiosa fue elegida a principios de este mes como la candidata libanesa de este año en la categoría de mejor película extranjera para los Premios de la Academia.
Labaki, quien también actúa en el filme, estaba de viaje en Europa cuando se enteró de la noticia, que se anunció el domingo, en un almuerzo de clausura del festival de 11 días.

La programadora del festival, Rasha Salti, aceptó el premio en nombre de la cineasta y leyó un comunicado enviado por Labaki desde un aeropuerto en Alemania.
"Estoy muy contenta, estoy feliz, estoy extasiada, estoy emocionada; mi día que había empezado con mal pie debido a la cancelación de un vuelo acaba de dar la vuelta", dijo Labaki, de 37 años, en su declaración.
"Estoy corriendo y saltando por el aeropuerto de Fráncfort. Mañana proyectaremos 'Where Do We Go Now?' por primera vez en Líbano y me sentiré orgullosa y feliz de anunciar la noticia a mi equipo, mi familia y el público libanés".

"Monsieur Lazhar", de Philippe Falardeau, ganó el premio a la mejor película canadiense, mientras que "Edwin Boyd", de Nathan Morlando, fue elegida en la categoría de mejor debut de una película canadiense.

La XXXVI edición de TIFF, uno de los tres festivales de cine más importantes del mundo y considerado el inicio de la carrera de los Óscar de esta temporada, terminó oficialmente hoy tras once días en los que se han proyectado 336 películas (268 largometrajes y 68 cortos) procedentes de 65 países.
De los largometrajes, 123 han sido estrenos mundiales.

Premios:

-Cadillac People’s Choice Award (Premio del Público - Ficción): Where Do We Go Now?, de Nadine Labaki.

-Cadillac People’s Choice Award For Documentary (Premio del Público - Documental: The Island President, de Jon Shenk.

-Cadillac People’s Choice Award For Midnight Madness (sección de terror y fantástico: The Raid, de Gareth Huw Evans.

-City of Toronto and Astral Media’s The Movie Network Award For Best Canadian Feature Film (Mejor película canadiense): Monsieur Lazhar, de Philippe Falardeau.

-SKYY Vodka Award For Best Canadian First Feature Film (Mejor ópera prima canadiense): Edwin Boyd, de Nathan Morlando.

-Award For Best Canadian Short Film (Mejor corto canadiense: Doubles With Slight Pepper, de Ian Harnarine

-Premio FIPRESCI de la crítica internacional - Sección Discovery: Avalon, opera prima del sueco Axel Petersén.

-Premio FIPRESCI de la crítica internacional - Sección Special Presentations: The First Man, de Gianni Amelio (Francia-Italia), basada en una novela incompleta de Albert Camus.

TIFF 2011: "Avalon" y "Le premier homme", premios de Fipresci

2011-09-18T22:25:00.000-07:00

La Federación Internacional de Críticos de Cine (Fipresci) otorgó hoy sus premios correspondientes al Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) a los filmes "Avalon" (Suecia) y "Le premier homme" (Francia-Argelia).

El jurado de Fipresci, presidido por el argentino Diego Batllé, dijo que el film sueco "Avalon", "un oscuro retrato divertido de la clase acomodada en un estado de negación hedonística, marca la llegada de una nueva voz en la cinematografía sueca".
El film, que se presentó en el programa Descubrimiento de TIFF, está dirigido por Axel Petersén.

El segundo premio de Fipresci fue a parar a Gianni Amelio por "Le premier homme".
El jurado señaló que "la realización de Gianni Amelio de una novela incompleta de Albert Camus explora el legado del colonialismo con la sensibilidad de una memoria y la mirada inmutable de un reportero de guerra".

TIFF, que no tiene carácter competitivo, sí permite al público que asiste al festival votar tras cada proyección para elegir la película más popular de la muestra.

TIFF 2011: SOLID FILM SALES AT 2011 TORONTO INTERNATIONAL FILM FESTIVAL

2011-09-17T06:04:00.000-07:00

The Toronto International Film Festival is pleased to announce significant sales have been negotiated during the Festival. To date, more than 31 films have been sold to territories in North America, Europe, The Middle East, Asia, South America, and Australia, with more sales expected to be announced in the coming days. Key acquisitions include: Shame (photo), Trishna, Wuthering Heights, Killer Joe, The Lady, Goon, God Bless America, Elles, Your Sister's Sister and Into the Abyss.

Nearly 4,000 industry delegates attended the Festival this year – a 20% growth over 2010 – and worked closely with the Festival’s Sales & Industry Office, which facilitates information sharing and fosters relationships between accredited buyers, sales agents, producers and filmmakers.

“It's good to see that the Festival has once again provided a solid foundation to facilitate film sales,” said Cameron Bailey, Co-Director of the Toronto International Film Festival. “Our organization exists to bring films to audiences around the world and we could not be more delighted to report that these outstanding films will reach film lovers in all corners of the globe.”

Film sales confirmed to date include: Beauty, Beloved, Elles, Free Men, Generation P, God Bless America, Goon, Hysteria, The Hunter, Into the Abyss, Killer Joe, Last Days in Jerusalem, Life Without Principle, Your Sister's Sister, Sarah Palin –You Betcha!, Shame, Terraferma, The Awakening, The Incident, The Lady, The Raid, This is not a Film, Wuthering Heights and You're Next.

The 2011 Toronto International Film Festival runs until September 18 and wraps up with an Awards Reception at noon that day.

TIFF 2011: Excente factura del cine latinoamericano

2011-09-13T06:12:00.001-07:00

Con casi 300 películas en su programación, los organizadores del TIFF han incluido una nutrida e interesante participación del cine latinoamericano.

El director mexicano Matias Meyer ha presentado LOS ULTIMOS CRISTEROS, un drama histórico que narra los últimos días de una pequeña banda de cristeros, "soldados de Cristo", que deciden continuar su lucha contra el estado mexicano en defensa de sus creencias religiosas.

Otra película mexicana que ha sonado mucho es MISS BALA, de Gerardo Naranjo, y en la que se mezclan el mundo de las competiciones de belleza y la guerra entre organizaciones criminales en el México moderno. El filme es una parábola sobre el desconcierto creado por la violencia y ha sido muy bién recibida por el público.

Como parte del ciclo City to City que este año TIFF ha dedicado a la capital argentina, se encuentra la notable película EL ESTUDIANTE, dirigido por Santiago Mitre. Roque Espinosa (Esteban Lamothe), es un joven del interior que llega a Buenos aires para retomar sus estudios universitarios. No pasa mucho tiempo hasta que se da cuenta de que no está ahí para estudiar. Sin vocación y sin rumbo se dedica a deambular por la facultad, a hacerse amigos, a conocer chicas. Una de ellas, Paula (Romina Paula), una profesora adjunta de la facultad, es quien lo introduce en la militancia política. Roque empieza a asistir a las reuniones de su agrupación, a relacionarse con los otros miembros. Conoce a Alberto Acevedo, un viejo político retirado que se dedica a formar cuadros desde su cátedra en la Universidad. Junto a él, Roque aprende los códigos de la política y a manejarse como un dirigente estudiantil, y siente que por fin ha encontrado su vocación. Santiago Mitre ejecuta de manera eficaz, con gran profundidad e inteligencia, las relaciones humanas y expone todo el cinismo, la hipocresía de estos profesionales del poder para quienes la ideología y la lealtad valen muy poco.

LAS ACACIAS de Pablo Giorgelli es una co-producción hispano-argentina que obtuvo la Camera d’Or (mejor ópera prima) en la última edición del Festival de Cannes. La cinta narra la relación que se va estableciendo en el largo viaje de Asunción a Buenos Aires entre un camionero y una mujer y su bebé, a quienes tiene que llevar en la cabina de su camión como una parte más de la carga. El film supone el debut en el largometraje de Pablo Giorgelli, que se inició en el cine como montador.

ABRIR PUERTAS Y VENTANAS es la ópera prima de la directora argentina Milagros Mumenthaler, un sutil retrato de la vida cotidiana de tres hermanas que viven en casa de su abuela después de que esta haya fallecido.

BONSÁI del director chileno Christian Jiménez, es una tragicómica historia de amor entre dos jóvenes que discurre entre libros, citas literarias, encuentros y desencuentros.

El film colombiano "PORFIRIO", del realizador Alejandro Landes, cuenta la historia real de Porfirio Ramírez Aldana, un ranchero que está paralizado de cintura para abajo desde que una bala disparada por la policía se incrustó en su columna vertebral. Porfirió saltó a la fama en 2005 cuando intentó secuestrar, en su silla de ruedas, un avión en Colombia.

Finalmente, también se han estrenado dos filmes brasileños, HISTORIAS QUE SÓ EXISTEM QUANDO LEMBRADAS dirigido por Julia Murat, la historia de una joven que intenta desentrañar los misterios de un pueblo fantasma cuyos habitantes viven atados a eternas rutinas y O ABISMO PRATEADO, de Karim Aïnouz, un drama romántico situado en la noche de la ciudad de Río de Janeiro.

TIFF 2011:OSLO, AUGUST 31st de Joachim Trier, una de las más esperadas...

2011-09-08T05:28:00.000-07:00

Una sombra de tragedia acompaña a un joven toxicómano. Sobrecogedor retrato de la soledad firmado por el director noruego Joachim Trier.

Gracias a la vacía mirada del actor Anders Danielsen Lie, los espectadores no encuentran problemas a la hora de identificarse con su personaje, Anders, aunque se trate de un hombre de 34 años en su primer día de permiso de la clínica de rehabilitación donde está intentando combatir su drogodependencia. Un planteamiento que recuerda a la obra de Pierre Drieu La Rochelle “El fuego fatuo”, que ya fue llevada a la gran pantalla por Louis Malle en 1963, aunque convirtiendo al protagonista en alcohólico.

La película comienza con un intento de suicidio, dejándonos con la inquietante sensación de que sucederá de nuevo, algo que también el mejor amigo de Anders cree, como le confiesa en una de sus profundas conversaciones. A pesar de los esfuerzos de ambos jóvenes, no consiguen conectar realmente antes de que sus destinos se separen.

Este fracaso se repite a lo largo del día, mientras Anders pasea melancólicamente por las calles de Oslo, va a una entrevista de trabajo, observa a la gente en una cafetería, intenta ver a viejos amigos en una fiesta... Por otro lado, le resulta literalmente imposible volver a ver a una ex novia que es, quizás, su única esperanza de salvación, a la cual intenta llamar sin éxito en varias ocasiones.

La idea, que él mismo confirma en una sesión con el psicólogo, es que es incapaz de sentir dolor o felicidad, perfectamente representada por su expresión desgarradora, donde se mezcla el deseo de conectar y sentir algo con el vacío con que realmente choca este deseo. Su tristeza, sin embargo, consigue emocionar al espectador, el único que no abandona al protagonista, que siente aún más la tragedia, ya que, como dice Anders, lo único que quiere el protagonista es que alguien se emocione con él.

Desde luego, no es difícil identificarse con Anders. Su dolor existencial y soledad van más allá de la lucha de un drogadicto por abandonar su dependencia. De hecho, no es más que una versión amplificada del vacío de las vidas de todos, tanto del resto de personajes como de los espectadores. Que se consiga introducir tamaña tragedia, la más triste de todas, en un par de ojos es un logro inmenso.

TIFF 2011: LES NEIGES DU KILIMANDJARO de Robert Guédiguian, una de las más esperadas...

2011-09-08T05:25:00.000-07:00

El realizador francés Robert Guédiguian, regresa a sus orígenes, a su barrio popular del Estaque, a su luminosa Marsella, a la amistad y al compromiso sociopolítico.

La película, inspirada en un poema de Victor Hugo, "Les pauvres gens", difunde una alegre nostalgia alimentada por emociones simples y un idealismo reconsiderado en la dificultad de la confrontación generacional. Guédiguian, al agitar un espejo (al reflejo más complejo de lo que parece) sobre la pérdida hoy en día del espíritu de solidaridad y de conciencia de clase, continúa resistiendo como un indio cercado por un mundo nuevo donde los pobres luchan entre ellos.

Las primeras imágenes de Les neiges du Kilimandjaro muestran una lotería muy particular. En una empresa del puerto, los sindicalistas sortean veinte nombres, veinte personas que perderán su trabajo, incluido Michel (Jean-Pierre Darroussin), un pilar de la CGT que habría podido salvarse fácilmente, como lo subraya su cuñado, amigo y colega Raoul (Gérard Meylan). Pero Michel el soldador, que cita con facilidad a Jean Jaurès, tiene sus principios: "Algunos días es duro vivir con un héroe" declara con dulzura su mujer Marie-Claire (Ariane Ascaride) al enterarse de la noticia.

Michel, desempleado a los cincuenta años, no tiene razones para quejarse. Es propietario, va a recibir prestaciones por desempleo suficientes, se divierte en la playa con sus nietos en el seno de una familia omnipresente, y está muy enamorado de Marie-Claire que trabaja como empleada domestica. Una felicidad concretada por una fiesta y un regalo colectivo para la pareja: un viaje de una semana en el Kilimanjaro. Pero una noche, esta felicidad estallará en pedazos: dos delincuentes armados, enmascarados y violentos se introducen por la fuerza en casa de Michel y Marie-Claire que estaban jugando a las cartas con Raoul y su mujer Denise (Maryline Canto). El dinero y los billetes del viaje desaparecen.

Este acontecimiento traumatizante será revelador. Michel descubre que uno de los dos jóvenes ladrones (Gregorio Leprince-Ringuet) formaba parte de los 20 despedidos al principio de la historia. Lo entrega a la policía antes de darse cuenta, poco a poco, que sus agresores actuaron por necesidad y que sus ideales de juventud han sido olvidados, por él mismo, por sus allegados y por la juventud actual. Remando a contracorriente, hará todo lo posible junto a Marie-Claire para recobrar la estima de sí mismo y reavivar la llama de la solidaridad.

El encanto mediterráneo, representado maravillosamente por amplios planos abiertos sobre el puerto surcado por grandes buques y la calidad del reparto (que incluye también a Anaïs Demoustier, Adrien Jolivet et Karole Rocher) constituyen los mejores atributos de Les Neiges du Kilimandjaro. La humanidad del director hace el resto, y no importa si el guión toma algunos atajos o si algunos pasajes son forzadamente emotivos. Un estilo en armonía con el temperamento marsellés y el espirito combativo de Guédiguian, resumido en una banderola que aparece en la película: “La lucha tiene mucha clase”.

TIFF 2011: TERRAFERMA de Emanuele Crialese, una de las más esperadas...

2011-09-06T19:35:00.000-07:00

El realizador de origen siciliano Emanuele Crialese, que en 1991 “emigró” a los EE.UU. para estudiar en la New York University, ha basado su filmografía en la poesía de la frontera, desde la ópera prima Once We Were Strangers (1997) a Respiro (2002), pasando por Nuovomondo (2006). Los temas del otro lado, la isla como frontera y como destino y la contaminación como forma de desarrollo se reúnen en Terraferma.

Terraferma, rodada íntegramente en la isla de Linosa, donde Crialese había ambientado con anterioridad Respiro, narra la historia de una familia de pescadores que ve cómo su vida cambia repentinamente por el desembarco de un grupo de inmigrantes. A pesar de la evidente referencia a la actualidad, Crialese ha intentado construir una metáfora y hacer una película sobre la libertad de moverse de un lugar a otro como forma de expresión del desarrollo de nuestra civilización.

Como la mujer que escapó del hambre en Etiopía y de las prisiones libias (encarnada por Timnit T., una refugiada real que vive en los Países Bajos), la joven viuda Giulietta (Donatella Finocchiaro) desea abandonar la isla en busca de una vida mejor, llevando consigo a su hijo de 20 años Filippo (Filippo Pucillo).

A través de la dominante azul y el bronceado de la piel de los isleños y los inmigrantes, Crialese disemina a lo largo de la película imágenes paradigmáticas que rozan con el manierismo pero demuestran gran fuerza y emotividad. Las redes de pesca en las profundidades de ese mar constelado de cadáveres de hombres y mujeres que se lanzaron a la búsqueda de un futuro mejor, los grandes ojos de dos mujeres que se retan, la comunidad de pescadores que se une contra un Estado que les prohibe salvar a la gente del mar, en contradicción con el código del mar, el pesquero a merced de las aguas, a la espera de la tierra firme.

SCARFACE

2011-09-06T18:07:00.000-07:00

SCARFACE LIMITED EDITION STEELBOOK (Universal Home Video)
Instalado a veces en el mismísimo borde del efectismo, Brian de Palma ya está en las enciclopedias del cine por su extrema capacidad visual, por su desbordada mirada que, desde el clasicismo, propone profundas y sorprendentes renovaciones. De Palma es el mejor transitador de géneros de nuestros tiempos, un cineasta lleno de referentes, un maestro de la relectura que lo mismo toma el clásico "El fantasma de la Ópera" y lo somete a certera revisión en clave de desmesurada opera-pop, que partiendo del "Vértigo" de Hitchcock construye una historia complementaria a esta, como hizo en "Obsesión". Precisamente, este "Scarface", con un guión firmado por Oliver Stone, no es sino, una vez más, una revisitación de un clásico, en esta ocasión del inolvidable "Scarface", dirigido por Howard Hawks, transpuesto en el tiempo y reconvertido aquí en un traficante de drogas cubano para quien todo en la vida es exceso. Instalado en una obsesiva fijación por su hermana (un personaje interpretado por Mary Elizabeth Mastrantonio), Tony Montana, un cubano exilado (aquí un como casi siempre sensacional Al Pacino) entra de lleno en el mundo de la droga, en el que logrará escalar las más altas cotas.

"Scarface" es una película que cuenta con un excelente reparto encabezado por, además de los ya citados, un espléndido Robert Loggia y una magnífica Michelle Pfeiffer en el papel más inusual de su estimulante carrera.

La edición en Blu-ray —con el negativo original restaurado para una mayor resolución visual en alta definición y sonido digital a través de siete canales— contiene numerosos extras que ofrecen una mirada única a ‘Scarface’: además de un disco adicional DVD y una copia digital para ver el filme en la computadora, el disco Blu-ray presenta, entre otro material adicional, un documental que analiza la evolución de la cinta de filme despreciado a clásico, escenas eliminadas, entrevistas con el director Brian De Palma, el guionista Oliver Stone, el productor Martin Bregman y los actores Al Pacino y Steven Bauer, y una comparación hilarante entre la versión original vista en cines y la censurada para su emisión por televisión, que eliminó la violencia y palabras malsonantes. Doblado y subtitulado en español.

TOP GUN

2011-09-06T18:04:00.000-07:00

TOP GUN (Paramount Home Video)
La Marina de los Estados Unidos ha creado una escuela de élite para pilotos con el fin de sacar una promoción de expertos en técnicas de combate. En la academia, más conocida como Top Gun, a los mejores se les entrena para ser intrépidos y fríos al mismo tiempo, capaces de no perder los nervios en situaciones extremas y de no inmutarse al romper la barrera del sonido a los mandos de un F-14. A la escuela llega el joven Maverick (Tom Cruise), famoso por su temeraria aunque brillante forma de pilotar.
Extras del Blu-ray
: -Comentarios de Jerry Bruckheimer, Tony Scott, Jack Epps Jr., y expertos navales. 
-Danger Zone: The Making of Top Gun
-6 Part featurette 
-Best of the Best: Inside the Real Top Gun featurette
 -Videos musicales 
-Survival Training featurette
 -Entrevista con Tom Cruise

PAUL

2011-09-06T18:02:00.000-07:00

PAUL (Universal Home Video)
Paul (voz de Seth Rogen), un marciano que ha vivido en la Tierra por 60 años, escapa del Area 51 en búsqua de la nave nodriza que lo lleve a casa. Graeme Willy (Simon Pegg) y Clive Collins (Nick Frost), mejores amigos en rumbo a la famosa conferencia de historietas Comic-con, conocen a Paul cuando un accidente inesperado les cruza los caminos. Las aventuras surgen cuando un agente del FBI, Agent Zoil, (Jason Bateman), empieza a seguir al trío. Al secuestrar a la hija ciega de un fanático religioso, los planes del rescate de Paul se complican aún más.
Extras del Blu-ray: 
-Comentarios del director Greg Mottola, la productora Nira Park, y los actores Simon Pegg, Nick Frost, y Bill Hadler.
 -El making of Paul 
-BTS Featurettes -La evolución de Paul 
-¿Quién diablos es Adam Shadowchild? 
-11 minutos de bloopers 
-Galería de fotos 
-Tráiler
 -Mis escenas favoritas

TIFF 2011: CAFÉ DE FLORE, dirigida por Jean-Marc Vallée, una de las más esperadas...

2011-09-04T23:19:00.000-07:00

Vanessa Paradis encarna a la madre de un niño con síndrome de Down en Café de Flore, dirigida por Jean-Marc Vallée.

El nuevo largometraje del director de C.R.A.Z.Y. es una película inusual, ligera, conmovedora, más allá del tiempo y de la lógica, interpretada, además por el cantante canadiense Kevin Parent, por primera vez en la gran pantalla, y por las hermosas y etéreas Hélène Florent y Evelyne Brochu.

La extraordinaria banda sonora, con música de grupos como Sigur Ros, Cure, Led Zeppelin o Pink Floyd, es uno de los elementos más llamativos de esta coproducción franco-canadiense ambientada a caballo entre París y Montreal en la cual dos épocas y dos destinos distintos están relacionados de un modo misterioso y, durante una buena parte del metraje, indescifrable.
El único indicio es un disco que los protagonistas ―la hiperprotectora madre Jacqueline (Paradis) en la París de los años 60 y el exitoso dj Antoine (Parent), recién divorciado, en la Montreal de hoy día― tienen con mucha frecuencia en sus manos y que es reproducido repetidamente, en todas las esferas temporales de la cinta. “La idea de la película nace precisamente de una canción: 'Café de Flore', de Matthew Herbert", explica el director. “Me he imaginado un hombre que adora esta canción y la escucha sin parar, y, a partir de ahí, una loca historia de amor y de reconciliación”.

El montaje, obra del propio realizador durante 22 semanas, no sigue una lógica precisa, sino que salta de una época a otra sin ningún nexo aparente, guiándose por las emociones. Se trata de una obra no lineal, carente de estructura, lo cual podría dificultar la conexión con el espectador, pero lo atrapa, precisament,e gracias al flujo de emociones contrarias, donde el amor (tanto el de pareja como el materno) muestra sus lados maravilloso y cruel, la felicidad de una persona que genera dolor en otra, la tristeza de una separación que es el reverso del alborozo por una pasión naciente.

La elección de las actrices era muy delicada. “Ha sido el aspecto más complicado”, reconoce Vallée, "porque tenían que ser mujeres de talento y muy hermosas, pero que supiesen hacerse querer”.

En el 75º cumpleaños de Robert Redford... ¿Qué queda del grupo con el que revolucionó la industria en los 60?

2011-09-04T18:29:00.000-07:00

No lo habrá celebrado con muchos festejos. En casa, con algunos amigos y sus hijos, entre ellos Amy y James, actriz y directora ella, guionista él, con su actual esposa, Sibylle Szaggars, que puso fin a los años locos en materia sentimental del cineasta, y sus nietos. Robert Redford ha cumplido 75 años, 15 lustros para una de las figuras de aquel Nuevo Hollywood, aquella explosión creativa que solo duró ocho años, pero qué años: se llevó por delante una década de cine mojigato, cambió todo el escalafón de poder en la meca del cine, arrasó con todos los actores guapitos que fueron sustituidos por intérpretes conocedores de su oficio, derribó a los viejos prebostes de los grandes estudios, convirtió en filmes taquilleros películas que tenían poso, que querían seguir la línea europea del auteur. Ir al cine y hablar de cine se convirtió en una pasión que infectó a millones de personas en Estados Unidos.

En esa ola, que empezó en 1967 con Bonnie y Clyde y El graduado, creció a talla tsunami con Easy rider (Buscando mi destino) y que acabó en 1975 con el estreno de Tiburón -aunque algunos la alargan hasta 1980, con el desastre económico de La puerta del cielo-, Redford supo surfear: nunca fue uno de los cabecillas, pero entendió las inmensas posibilidades que se le abrían. "Visto desde hoy día", comenta el actor, "nunca me hubiera imaginado una carrera así. No en mis inicios, desde luego. He tenido suerte, he trabajado mucho y he colaborado con grandes tipos". A Redford, sus amigos le definen como un tipo absoluta e irremediablemente encantador. "Es muy, muy inteligente, tiene buenas intenciones y sabe escuchar. Pero, fatalmente, también tiene mucho encanto y vive en el presente. Cuando fija su mirada en ti, te sientes como si hubieras ganado la medalla de oro. Pero cuando deja de mirarte, considérate olvidado: ha pasado al siguiente", explica Barbara Malrby, una productora que trabajó con el cineasta de forma intermitente durante dos décadas.

Lo dice en Sexo, mentiras y Hollywood, el libro en el que Peter Biskind indaga en las vidas de Redford y Harvey Weinstein, y en el que reparte estopa a ambos. Claro que Biskind venía de escribir otra biblia para cualquier cinéfilo, Moteros tranquilos, toros salvajes, un repaso al sexo, las drogas, el rock & roll y las películas de la generación del Nuevo Hollywood, en la que también contaba todas las maldades y cotorreos posibles de aquellos míticos setenta.

Redford, al que le gusta definirse como artista-deportista, nació a dos pasos de Hollywood, en Santa Mónica, aunque profesionalmente creció en Nueva York. Cuando estalló el Nuevo Holly-wood, él ya había tenido papeles con peso en La rebelde, La jauría humana, Situación desesperada y Propiedad condenada. El estallido del aquella generación le pilló en un sitio extraño para un actor que estaba empezando: en España. "Me mudé a España porque quería llevar una vida bohemia con mi esposa y mis hijos. Me encantó, era una época muy interesante para un estadounidense como yo en España. Pero había hecho en el teatro Descalzos por el parque y me llamaron para su versión cinematográfica. Adiós a mi sueño bohemio", confiesa entre risas el actor.
Warren Beatty encabezaba la vanguardia del Nuevo Hollywood como el cineasta más poderoso del momento, y Redford se vio arrastrado por la marea. Por edad pertenecía desde luego a esa generación: su íntimo amigo Sydney Pollack nació en 1934 y William Friedkin en 1935, pero el resto era más joven que Redford, nacido en 1936 y solo unos meses menor que el fallecido Dennis Hopper: Peter Bogdanovich (1940), Michael Cimino (1939), Jack Nicholson (1937), el mismo Beatty (1937), Dustin Hoffman (1937), Francis Ford Coppola (1939), Martin Scorsese (1942), Paul Schrader (1946), George Lucas (1944), Brian de Palma (1940), Al Pacino (1940), Robert de Niro (1943), Peter Fonda (1940) y tantos otros.
"En aquella época yo no tenía tantos ideales políticos como algunos de ellos. Estaba más interesado en la preservación de la naturaleza", aduce el director, que en esos inicios ya se planteaba su futuro salto a la dirección, "pero con el tiempo he entendido que la política es necesaria para articular un cambio social y para la lucha por el medio ambiente".

En 1975 se estrenó Tiburón, y con su megataquillazo, la salida de Robert Evans, productor y mandamás de Paramount, de la industria del cine, y el advenimiento de la época de los representantes -justo ese año Mike Ovitz fundó Creative Artists Agency (CAA), la primera de las grandes agencias- el sueño de un Hollywood encabezado por los cineastas creadores se desmoronó.

En 1980 el desastre de La puerta del cielo y la deriva del gusto del público hacia productos como Star Trek, La guerra de las galaxias, Superdetective en Hollywood o las pelis de superhéroes -los títulos de serie B echaron de su puesto de A a los dramas- empujaron a directores como Robert Altman, Alan J. Pakula, Arthur Penn, Hal Ashby, Bob Rafelson o Mike Nichols, además de los antes mencionados, a convertirse en outsiders.

Todo eso no gustó a Redford, que en noviembre de 1979 inauguró un congreso de tres días para directores de cine y otros artistas en su albergue para esquiadores en las laderas de los Timpanogos, en el North Fork de Provo Canyon (Utah). Así nació el Instituto Sundance, y así Redford se convirtió en el padrino de los indies: si no fue un líder del Nuevo Hollywod, su presencia desde luego protegió a los jóvenes creadores de las dos siguientes décadas. En cambio, Coppola no logró su sueño de ayudar a otros creadores y solo Terrence Malick, Lucas y el más joven de la camada, Steven Spielberg, hacen en el siglo XXI lo que quieren.

TIFF 2011: HABEMUS PAPAM de Nanni Moretti, una de las más esperadas...

2011-09-04T10:01:00.000-07:00

Los cardenales reunidos para elegir al nuevo Papa chocan entre sí y suspiran nerviosos cuando se va accidentalmente la luz en la capilla Sixtina. Un ambiente poco solemne, más bien todo lo contrario. Mientras fuera, en la plaza de San Pedro, fieles y periodistas de todo el mundo esperan la ansiada fumata blanca, entre los cardenales reina un sentimiento de terror. “Señor, te ruego, que no sea yo”, es la última invocación que se propaga por la habitación, entre caras preocupadas y ojeadas al voto del vecino.

Nadie quiere ser el nuevo Pontífice. Demasiada responsabilidad, ninguna competición entre los prelados. Con esta escena, grotesca y sugerente a un tiempo, en la cual los cardenales “rebeldes” recitan sus plegarias y sus “que no sea yo” en todas las lenguas del mundo, comienza la nueva y esperadísima película de Nanni Moretti, Habemus papam : el drama de un hombre de la Iglesia que, una vez elegido Papa, se deja dominar por el pánico, incapaz de soportar sobre sus hombros la carga de millones de creyentes.

La película describe el sentimiento de desasosiego y desconcierto ante el poder. Sus protagonistas son Michel Piccoli en el papel del cansado y afligido Papa y el propio Moretti, que interpreta al psicoanalista que se ocupa del Pontífice. “Es difícil decir con quien me he identificado”, ha afirmado el realizador, “posiblemente tanto con el psicoanalista como con el Papa deprimido. Un Papa que no por casualidad he querido que deambulase de paisano por Roma, en autobús, en el teatro”.

Ambos actores están acompañados por un nutrido grupo de pintorescos cardenales llegados de todo el mundo. Un melting pot que será útil a la hora de organizar un torneo de voleibol en un patio del Vaticano, con Moretti de árbitro. La cinta muestra el lado más humano de los cardenales: uno fuma, otro juega a las cartas, mientras hay quien suspira por un pastel de crema, en una sucesión de diálogos afilados que los aficionados al cine del director italiano sabrán apreciar.

TIFF 2011: SHAME de Steve McQueen, una de las más esperadas...

2011-09-04T09:59:00.000-07:00

Con un nombre como Steve McQueen, estaba claro que el futuro de este artista visual británico tenía que pasar antes o después por el séptimo arte. Su segundo largometraje lleva un título sencillo, de una sola palabra, Shame.

Escrita por el proprio McQueen junto con la dramaturga Abi Morgan, la película está protagonizada por Brandon (Michael Fassbender), un irlandés crecido en Nueva Jersey y con un trabajo prestigioso en Nueva York. Cuando su hermana (Carey Mulligan), una cantante, se muda a su casa de modo permanente, se hace cada vez más difícil para Brandon esconder el hecho de que es un adicto al sexo.

Como en Hunger (su opera prima), que relataba la huelga de hambre de Bobby Sands por el reconocimiento del estatus de prisioneros políticos a los presos del IRA, Shame es una inmersión visualmente potente en un tema difícil y extremadamente complejo, que es tratado por McQueen con un brío casi espontáneo. Escena tras escena, McQueen construye un apasionante aunque nunca fácil retrato de los incontrolables impulsos de Brandon, las contrastadas emociones que causan y el efecto castrante que tienen en sus relaciones con el sexo opuesto e incluso su visión sobre las relaciones en general.

Uno de los elementos más interesantes del guión reside en el hecho de que todo sale a la luz por la irrupción de una mujer que no podrá poseer pero de la cual tiene que cuidar, su hermana Sissy.

Como ya demostró en Hunger, McQueen posee un sentido innato del cine, valiéndose de los encuadres, los movimientos de cámara, la profundidad de campo y los diálogos para sacar el máximo rendimiento de cada escena. Y tanto Fassbender como el resto del pequeño reparto rinden a un nivel impresionante. Una inquietante banda sonora pone la guinda al conjunto.

TIFF 2011: LA PIEL QUE HABITO de Almodóvar, una de las más esperadas...

2011-09-04T09:31:00.000-07:00

Pedro Almodóvar nos brinda una experiencia de laboratorio siniestra, alocada y extraña en su última película, que es una de las más esperadas del Festival de Cine de Toronto.

El doctor Ledgard (Antonio Banderas) trata de sobreponerse a la trágica pérdida de su esposa trabajando sin descanso en su obsesión: la creación de una piel perfecta que posteriormente podría injertarse en un paciente humano. Sus experimentos son contrarios a la bioética y el cirujano los lleva a cabo en secreto, en su laboratorio personal, con una joven (Elena Anaya) cuyo cautiverio obedece a una razón totalmente distinta.

La piel que habito es un ejercicio de géneros. No pertenece a una categoría determinada, sino que amalgama varios estilos diferentes aplicados en torno a la adaptación de la novela del francés Thierry Jonquet.

De la gloriosa época de los estudios Hammer Almodóvar ha elegido entre su elenco de monstruos la compleja figura del doctor Frankenstein como inspiración principal. Este papel catalizador de las obsesiones del director manchego sirve también para que el malagueño Antonio Banderas se reencuentre con un cineasta con quien trabajó por última vez en 1989 en Átame. Banderas refleja perfectamente la elegancia y la negrura de este hombre que disimula hábilmente su naturaleza salvaje bajo un manto de virilidad de pacotilla. Almodóvar, a su vez, refrena su estilo: su puesta en escena glacial recuerda el cine de Alfred Hitchcock y Dario Argento. La mezcla de géneros no es sencilla, especialmente teniendo en cuenta que el director no renuncia a su sentido del humor, oscuro y repleto de connotaciones sexuales. En La piel que habito los momentos más graves también son los más graciosos y la película luce un giro tan retorcido como hilarante que sirve para relanzar la historia en una dirección más descabellada.

Hacía ya tiempo que Pedro Almodóvar miraba de reojo el thriller fantástico o de ciencia ficción, pero hasta ahora se había conformado con producir los trabajos de Guillermo del Toro y de Álex de la Iglesia. El guión no es siempre fácil de seguir debido a los giros temporales y a alambicados vínculos de parentesco, pero a su favor cuenta con la personalísima interpretación de una idea de cine maravillosa que impulsa una vez más todas las pasiones de su autor en la gran pantalla: identidad sexual, muerte, venganza, impulsos contra natura...

Tan siniestra como alocada, tan extraña como palpitante, La piel que habito es una experiencia de laboratorio que podría revelarse altamente inestable, pero, como el doctor Frankenstein, Almodóvar cocina un enredo fascinante del que extrae la gota de emoción que utiliza en la conclusión de su película. Esta lágrima es el elemento vital necesario para terminar de dar forma a su criatura: un corazón que late. 

DEXTER: THE FIFTH SEASON

2011-08-30T18:21:00.000-07:00

DEXTER: THE FIFTH SEASON (Paramount Home Video)
Basada en la novela de Jeff Lindsay, "Darkly Dreaming Dexter", Dexter es una serie de suspense que narra la historia de un hombre extraño llamado Dexter Morgan. Cuando era niño, Dexter (Michael C. Hall), fue maltratado y abandonado por sus padres. Ahora es un exitoso e importante forense patológico... pero bajo su carismática personalidad, se esconde una terrible verdad. Dexter ha canalizado sus innatas necesidades homicidas en una segunda profesión que guarda celosamente en secreto: buscar, dar caza y asesinar brutalmente a despiadados criminales que han conseguido evitar caer en las garras de la ley.

Huérfano desde los cuatros años y albergando un traumático secreto, Dexter es adoptado por Harry Morgan (James Remar), un oficial de policía de Miami que conoce las tendencias homicidas de Dexter, y enseña a su hijo a canalizar su horripilante pasión por la vivisección humana, y dedicarla a un objetivo mucho más constructivo, así como a saber cubrir su rastro y no dejar pruebas de sus actos.

Debido a su perfil de miembro respetado de la fuerza policial, perfecto caballero y amable con los niños, Dexter es una persona a la que es difícil no querer. Y es que aunque su tendencia a matar es inquebrantable, se esfuerza mucho por simular emociones normales y guardar las apariencias de ser humano socialmente responsable y comunicativo, a lo que le ayuda su relación con Rita Bennett (Julie Benz), una mujer que se recupera poco a poco de la brutal violación que sufrió por parte de su ex-marido, y que trata de comenzar una relación sentimental con Dexter, pero no conoce las aficiones que tiene en su tiempo libre.

Por su parte, sus compañeros de trabajo tienen diferentes perspectivas y opiones personales sobre Dexter y su extraña personalidad. Debra Morgan (Jennifer Carpenter) es la hermana adoptiva de Dexter, una policía desesperada por ser transferida al departamento de Homicidios. Es muy inteligente, pero muy insegura de su capacidad, por lo que suele confiar ciegamente en la "experiencia" de Dexter para resolver sus casos más difíciles. Angel Batista (David Zayas) es un detective de homicios que trabaja codo con codo con Dexter durante el día y, aunque no comparte su fascinación por la sangre, sí aprecia el arte de la muerte en sí mismo. La teniente Maria Laguerta (Lauren Velez) es una sensata mujer que disfruta haciendo quedar mal a sus subordinados. No oculta, sin embargo, su atracción por Dexter, con quien flirtea constantemente, para desgracia de él. Por último, el sargento Doakes (Erik King) es el único hombre de la policía al que no le gusta Dexter. El aparentemente inocente forense le pone de los nervios, y su pasión por la sangre le horripila, aunque lo que realmente le molesta es que Dexter suele estar en lo cierto cuando se trata de resolver los casos que caen en sus manos.

JOHN CARPENTER’S THE WARD

2011-08-29T20:34:00.001-07:00

JOHN CARPENTER’S THE WARD (Alliance Films)
The Ward es un intenso thriller psicológico dirigido por el maestro John Carpenter. El filme se desarrolla en una institución mental donde una mujer joven, Kristen (Amber Heard), es perseguida por un fantasma mortal. Kristen, despierta sin entender el por qué es golpeada, cortada, drogada y retenida contra su voluntad en una institución mental llamada Hospital Chamberlain. Completamente desorientada, sin saber por qué se encuentra en ese lugar y sin recuerdos pasados, convive con otras pacientes, cuatro niñas que como ella están en serios problemas. Nada es lo que parece, el aire está cargado de oscuros secretos y por la noche, cuando el hospital está durmiendo, escucha sonidos extraños y perturbadores. Parece ser que no están solas. Una por una, las chicas desaparecerán y Kristen deberá encontrar una manera de salir de este lugar infernal antes de que el fantasma venga por ella. A medida que lucha por escapar, va a descubrir una verdad mucho más peligrosa y horrible, y que nadie podría haber imaginado

RIO

2011-08-29T20:32:00.001-07:00

RIO (Fox Home Video)
La acción transcurre en la espectacular ciudad de Río de Janeiro y en la exuberante selva tropical durante la fiesta más importante del año para los brasileños: el Carnaval. Los protagonistas son Blu, un ingenuo guacamayo que no sabe volar y que cree que es el último de su especie, y Jewel, una guacamaya salvaje y de espíritu libre. Ambos emprenderán una inesperada aventura en búsqueda de la libertad, acompañados por excéntricos amigos de los que aprenderán qué es la amistad, el amor y el coraje...

THE BUTCHER’S SON

2011-08-29T20:26:00.000-07:00

THE BUTCHER’S SON (Alliance Films)
A disgraced Dominican cop fights to clear his name and avenge his father's death in this gritty revenge thriller from director Joshua Crook. Luisito's father was an honest butcher who valued hard work. He was a positive role model for a kid from the slums, and Luisito's life was forever changed when notorious drug dealer Rafa (Paul Calderon) shot him down in cold blood. Flash-forward two decades, and Luisito is doing his part to keep the Dominican Republic safe from the criminal element. He's been carefully molded into the perfect crime fighter thanks to the charismatic General Colon (Juan Fernández), who exploited Luisito's childhood trauma before inducting him into the secret police. As a young boy, Luisito fell deeply in love with Jenny. But when Jenny's family moved to New York shortly after Luisito's father was killed, they lost touch. Now, Jenny (Denise Quiñones) is back in the Dominican Republic, and her feelings for Luisito are stronger than ever. If only Luisito could find a way to tell her about his work, perhaps they could find a way to make love work. Unfortunately for Luisito and Jenny, an investigation into General Colon's recent activities reveals an epic betrayal, and sets the stage for a tragic confrontation.

“PEARL JAM TWENTY” TO HAVE WORLD PREMIERE AT THE 2011 TORONTO INTERNATIONAL FILM FESTIVAL

2011-08-29T18:54:00.000-07:00

In celebration of their 20th Anniversary, Pearl Jam will debut Pearl Jam Twenty, a definitive portrait of the band as told by the filmmaker and music journalist Cameron Crowe, at the 2011 Toronto International Film Festival (TIFF).

On Tuesday, September 20th following the TIFF premiere, FilmsWeLike and Cineplex Entertainment’s (“Cineplex”) Front Row Centre Events will present this highly anticipated documentary at participating Cineplex theatres across Canada for one night only.

Told in big themes and bold colours with blistering sound, Pearl Jam Twenty chronicles the years leading up to the band’s formation, the chaos that ensued soon-after being catapulted into superstardom, their step back from the spotlight with the instinct of self-preservation, and the creation of a trusted circle that would surround them—giving way to a work culture that would sustain them. The film celebrates the freedom that allows the band to make music without losing themselves, their fans, or the music lovers they’d always been.

“We put so much into the film – moments, pieces of footage shot by band members, audio snippets, visual bursts, new and old interviews – many different formats, all meant to show the emotional scrapbook of what it felt like to be a member of the band on this twenty-year journey,” said Cameron Crowe. “The richness of the footage made our path very clear – just tell the story of the band and let the music guide us. It was a joy to make this film, and we’re thrilled to share it with the fans.”

The captivating documentary gives fans and audiences an intimate first glimpse into Pearl Jam’s journey culled from more than 1,200 hours of rarely and never-before-seen footage, over 24 hours of recent interviews with the band, as well as live footage of their spellbinding concert performances.

TIFF 2011: Fuerte presencia de Buenos Aires

2011-08-23T20:25:00.000-07:00

En la sección “City to City” creada en 2009 por el Toronto InternationalFilm Festival (TIFF) para destacar la relación que los cineastas tienen por sus ciudades de origen y también como fuente de inspiración cinematográfica, este año ha sido seleccionada Buenos Aires.

Estos son los diez filmes argentinos que han sido elegidos para el ciclo.

Caprichosos de San Telmo de Alison Murray, constituye un retrato de músicos y bailarines trabajadores del vecindario de San Telmo, quienes llevan a las calles de la ciudad las influencias multiculturales de la
ciudad en la llamada “Murga”.

El estudiante. El realizador Santiago Mitre enfoca a los estudiantes con conciencia política y social, a través de uno de ellos que
al entrar a la Universidad de Buenos Aires llega a descubrir su talento político.

El gato desaparece (foto). En el último film realizado por el realizador Carlos Sorín, la desaparición de un gato causa perturbación y tensión en la vida de un matrimonio porteño interpretado por Luis Luque y Beatriz Spelzini.

Las piedras. El realizador, guionista y actor, Román Cárdenas presenta la historia de una pareja –él un escritor con bloque creativo y ella una problematizada empleada de una empresa fumigadora- que convive sin que exista comunicación entre ellos.

Pompeya. La directora y guionista Tamae Garateguy relata la historia de un joven guionista de cine que es contratado por un conocido director para escribir su nuevo filme; el mismo gira en torno a gangsters y se desarrolla en Buenos Aires, en el imaginario vecindario de Pompeya plagado de secretos, delitos y disputas políticas.

Tierra de los padres, de Nicolás Prividera, enfoca la historia contemporánea de Argentina a través de las palabras de escritores -sus padres fundadores y las voces de oposición- que se encuentran enterrados en el cementerio de La Recoleta

Un mundo misterioso. El realizador Rodrigo Moreno analiza los efectos causados en un joven cuando su novia le anuncia el final de la relación sentimental.

Vaquero. El director Juan Minujin ofrece una comedia negra narrando los esfuerzos de un joven actor que desea impulsar su carrera participando en un western que va a ser filmado en Argentina por un director de Hollywood.

La lista se completa con dos clásicos; Invasión, filme de Hugo Santiago escrito por Jorge Luis Borges en base a una historia de Adolfo Bioy Casares, que fué realizado en 1969; el otro título es Mundo Grúa (1999),que fué la primera película de Pablo Trapero y desencadeno un interés sin precedente por lo que se llamó el nuevo cine argentino..

Hollywood se reconcilia con Nicholas Ray

2011-08-19T22:10:00.000-07:00

Se completa su filme inacabado y Al Pacino lo encarnará en la pantalla

Si algo caracteriza a la juventud es su ansiosa búsqueda de una identidad. Y si existió un cineasta que supo entrever que en cualquier joven se esconde un héroe trágico ese fue Nicholas Ray. Se cumple el centenario del nacimiento del director de En un lugar solitario, Johnny Guitar o Rebelde sin causa (murió en 1979 a los 77 años de un cáncer de pulmón) y el Festival de Venecia será el primero en rendirle homenaje con el estreno mundial de su última película, We can't go home again (Nunca volveremos a casa), completada y restaurada.

Rodada a principios de los años setenta con sus alumnos del Harpur College de Binghampton y eternamente inacabada, la nueva versión incluye gran parte del metraje original gracias al trabajo de su viuda, Susan Ray. Ella también ha dirigido el documental Don't expect too much (No esperes demasiado), una indagación en aquel último trabajo a través de sus protagonistas y de documentos desconocidos del archivo del cineasta. Todo el material viajará después a festivales de todo el mundo (de Nueva York a Río de Janeiro y Tokio) para recuperar la provocadora aventura final de uno de los grandes rebeldes de Hollywood (quizá el más desarraigado y radical de todos) que por fin vuelve al lugar del que jamás debió ser desterrado: el cine. Por si fuera poco, Al Pacino interpretará en una película de Philip Kauffman, al anciano y errante director.

"Nick entró en la recta final de su alcoholismo cuando rodó We can't go home again y quizá por eso yo siempre vi la magia y el amor que puso en ella, la enorme vitalidad que emana", explica desde su casa de Nueva York Susan Ray. "Muchas veces me he preguntado cuánto había en la película del poso de su adicción, pero lo que he aprendido haciendo el documental es que él tenía muy claro lo que quería". We can't go home again es una película experimental, rodada en todo tipo de formatos, en la que el propio cineasta es un personaje: Nick, un viejo y famoso director de Hollywood que imparte clases de cine en una universidad. En permanente caza de sí mismo, el viejo director reclutará a sus discípulos, en los que ve reflejados su propia búsqueda y sus anhelos, pero a los que finalmente, como en la fábula del escorpión y la rana, traicionará. En una entrevista de 1974, Ray explicaba así su papel en el filme: "Interpreto a un traidor, típico de mi generación. Ello procede de un sentimiento de culpa. Mi generación ha sido la de mayores traidores entre todas las generaciones que he conocido. Traiciones como pedirle a tu hijo que salte a tus brazos y, luego, retirárselos".

La película arranca en el juicio de los Ocho de Chicago y los tumultos de la Convención Demócrata de 1968. Ray usó varios formatos (super-8, 16 milímetros y los primeros de vídeo) para luego proyectarlos en una sola pantalla que grababa con una cámara de 35 milímetros. El resultado es un mosaico de imágenes múltiples en los que la acción central aparece rodeada de contrapuntos. "Se basa en la idea de que una cinta de celuloide no reconoce los límites del tiempo y el espacio sino solo las limitaciones de la imaginación del hombre", decía él.

"Conectó de manera muy honda con sus alumnos, le gustaba de verdad la relación maestro-discípulo. No les imponía su autoridad", cuenta Susan Ray. "Uno de sus estudiantes me dijo una vez que había comido un día con él, cuando ya estaba bien y sobrio, y que le había dicho que la enseñanza le hacía feliz. Y yo lo creo. Creo que siempre conectó muy bien con los jóvenes porque, como ellos, era alguien que no tenía respuestas. Sentía amor por los conflictos de la gente joven".

La unión entre We can't go home again y Rebelde sin causa -en sus palabras, la historia de un chico que desea vivir durante 24 horas sin estar confuso- resulta evidente. Ray incluso llegó a decir que se trataba del Rebelde sin causa de la generación del 68. Rodaban improvisando, confesándose ante la cámara. Las clases de cine incluían la lectura de El mito de Sísifo, de Camus, y los ensayos sobre la risa de Henri Bergson. Probablemente, Ray llevó a sus alumnos sus propias vivencias en el teatro marginal de izquierdas neoyorquino y, sobre todo, su experiencia comunitaria en la casa Taliesin de Frank Lloyd Wright. Aquella comuna creativa del padre de los arquitectos americanos -que ejercía de guía espiritual e intelectual de sus alumnos- fue fundamental en el aprendizaje artístico del futuro cineasta.

"Nick creó una familia con el equipo de la película, igual que había hecho con Rebelde años antes", explica Susan Ray. El cineasta conoció a su cuarta y última mujer, mucho más joven que él, precisamente en el lugar donde arranca el filme. "Él estaba rodando el juicio de los Ocho de Chicago y yo iba cada día allí porque trabajaba como documentalista y tenía que transcribir las sesiones. Estuvimos 10 años juntos, aunque nos separamos por temporadas, y eso nos vino bien. Él era difícil pero yo tampoco era fácil".

Al preguntarle por la etapa española de Ray (en Madrid rodó su último filme para Hollywood, 55 días en Pekín, una película que le enfrentó una vez más al abuso de poder de los estudios) su viuda asegura que guardaba un grato recuerdo de la ciudad: "Estuvimos juntos en España, de paso al Festival de San Sebastián, y quiso que pasáramos por Madrid para mostrarme con orgullo sus lugares favoritos. La manera en la que me enseñó el Prado marcó uno de los momentos más hermosos de nuestra relación". "Fue un hombre adelantado a su tiempo. Reconozco sus faltas como humano pero su visión era extraordinaria", añade. "Lo que pasa es que la suya es una manera dolorosa de vivir. Ver la vida por delante, ver dónde está fallando todo esto es solitario, frustrante y debe ser muy doloroso".

El fracaso acompañó hasta la muerte a Nicholas Ray. Codirigió con Wim Wenders su propia agonía en Relámpago sobre el agua, pero el exhibicionismo (esta vez, de su cáncer terminal) aunque no era nuevo, resultó moralmente impúdico. Con Ray reducido a cenizas, el equipo salió dividido de todo aquello, algunos llamaban a Wenders artista. Otros, carnicero. Al menos, el errante director por fin descansaba.

Muere el notable realizador chileno Raúl Ruiz

2011-08-19T09:32:00.000-07:00

El gran creador de Tres tristes tigres, El tiempo recobrado y Misterios de Lisboa falleció este viernes en París, después de batallar durante mucho tiempo contra el cáncer.
Prolífico, experimental, riguroso, provocativo, estaba a punto de iniciar el rodaje de un nuevo film.

París, La ciudad donde vivió su exilio se convirtió en el hogar de Raúl Ruiz desde 1974. Allí falleció el cineasta chileno más importante de la historia, según confirmó esta mañana el ministro de Cultura, Luciano Cruz-Coke.

Conocido como Raoul Ruiz en Francia, este país lo acogió como uno de los suyos y varias de sus películas compitieron en el Festival de Cannes con otros grandes directores. Es el único realizador chileno al que la prestigiosa revista Cahiers du Cinémá le ha dedicado un número especial (en 1983). Era considerado en el séptimo arte como un maestro.

Ruiz nació en Puerto Montt el 25 de julio de 1941. Aunque fue parte de una generación de cineastas políticamente comprometidos, como Helvio Soto y Miguel Littin, lo suyo fue mucho más trascendente que la contingencia política.

Su independencia de toda ideología y compromiso profundo con el arte cinematográfico lo representó su film Diálogos de exiliados, el cual desnudó las contradicciones del exilio chileno de forma tan “políticamente incorrecta” que le valió la condena de la izquierda más dogmática.

En 1997 el gobierno chileno le entregó el Premio Nacional de Artes de la Representación y Audiovisual. El mismo año ganó un Oso de Plata en el Festival de Berlín por una "extraordinaria contribución artística" con su film Genealogías de un crimen.

En los últimos años se había reencontrado con Chile realizando películas y series televisivas con el apoyo de TVN. Según Radio Cooperativa, su viuda, la también directora Valeria Sarmiento, confirmó desde Francia que Ruiz será enterrado en su país natal.

TIFF 2011: Se anuncian más títulos.....

2011-08-17T15:00:00.000-07:00

Los organizadores del Toronto International Film Festival (TIFF) agregaron más de 100 films a las secciones Galas, Visions, Contemporary World Cinema, Future Projections, Wavelenghts y Presentaciones Especiales de la 36ª edición del festival.

Todos los títulos anunciados para la 36ª edición:

Contemporary World Cinema

Always Brando, Ridha Béhi, Tunisia World Premiere After meeting Anis Raache, a young Tunisian actor who bears a stunning resemblance to young Marlon Brando, Tunisian master Ridha Béhi decided to write a film casting the two. Marlon Brando was interested, the two met and reworked the script. Brando died before shooting started. Always Brando chronicles Béhis saga with Marlon Brando and meditates on the lure and cruelty of the art, system and its industry.

Azhagarsamy’s Horse, Suseendran, India International Premiere
In a small Tamil village, a ceremonial wooden-horse statue goes missing. With a crucial holy symbol suddenly gone, the village falls into recriminations and comic chaos. At the same time, Azhagarsami, a young man who earns his livelihood by ferrying loads on his horse, puts his marriage on hold when his horse also disappears.

Beauty, Oliver Hermanus, South Africa/France North American Premiere
François, a white, Afrikaans-speaking 40-year-old family man, no longer cares about his happiness. Convinced of his ill-fated existence, he is wholly unprepared when a chance encounter unravels his controlled life.

Blood of my Blood, João Canijo, Portugal World Premiere
Set in inner city Lisbon, this family saga about unconditional love – a mothers love for her daughter and an aunts love for her nephew – chronicles the sacrifices these two women are willing to make to save their family.

Bonsái, Cristián Jiménez, Chile/France/Argentina/Portugal North American Premiere
Jiménez’ debut celebrates love, literature and botany in this portrayal of a struggling writer, Julio, who finds himself writing a book about his very first experience with love in order to keep up a lie that he has told his current lover. In need of a plot, Julio turns to the romance he had eight years earlier with Emilia when both were studying literature in Valdivia.

Colour of the Ocean, Maggie Peren, Germany World Premiere
A Spanish border patrolman of Grand Canary Island, José, decides the fate of hundreds of African boat people. When Nathalie, a German tourist, gets involved, the refugee crisis threatens to spin out of control. Its up to José to decide what to do, but he must learn to free himself first before he can help free others.

Death for Sale, Faouzi Bensaidi, Belgium/France/Morocco World Premiere
In Tetouan, at the northern edge of Morocco, three young men decide to rob a jewelry store. The heist goes awry, and their destinies part drastically. In Death for Sale, Faouzi Bensaidi draws a captivating noir portrait of a city abandoned to corrupt officials, smugglers and extremists.

Elena, Andrey Zvyagintsev, Russia North American Premiere
Vladmir, an affluent man, drives his second wife Elena to desperation after he patches things up with his estranged daughter and decides to leave her all his money in the event of his death. Elenas son is unemployed, unable to support his own family and is constantly asking Elena for money. Elenas hope to financially rescue her son suddenly vanishes. The shy and submissive housewife then comes up with a plan to give her son and grandchildren a real chance in life.

Extraterrestrial, Nacho Vigalondo, Spain World Premiere
Julio and Julia don’t know each other, but they wake up in the same bed horribly hungover and with no memory of the night before. He falls in love with her almost immediately – she does not. The last thing they expect to discover is that an alien invasion has taken place. Vigalondo melds science fiction, romance and black comedy in his latest feature about the darkly fascinating aspects of the human psyche.

Footnote, Joseph Cedar, Israel North American Premiere
This story chronicles the outcome of a great rivalry between a father and son, both professors in the Talmud department of Hebrew University in Jerusalem.

The Forgiveness of Blood, Joshua Marston, USA/Albania/Denmark/Italy North American Premiere
The lives of a teenage boy and his younger sister are thrown into turmoil when a fatal dispute over land pulls their northern-Albanian family into a bloody feud.

Free Men, Ismaël Ferroukhi, France International Premiere
Set in German-occupied Paris in 1942, Younes, an Algerian black marketer, is arrested by the police and agrees to spy on a Parisian mosque suspected of helping resistance fighters and Jews. Witnessing the horrors of the Nazi regime, Younes stops collaborating to become a freedom fighter.

From Up on Poppy Hill, Goro Miyazaki, Japan International Premiere
Anime director Goro Miyazaki follows a group of Yokohama teens in their quest against a wrecking ball that threatens to destroy their school’s clubhouse in preparation for the 1964 Tokyo Olympics.

A Funny Man, Martin P. Zandvliet, Denmark International Premiere
Opening in the seductive style of the 1960s, A Funny Man uncovers the perennial loneliness that comedian Dirch Passer (Nikolaj Lie Kaas) has found himself in after a fast-track rise to fame, despite being surrounded by a mélange of wealth, women, alcohol and infamy.

Future Lasts Forever, Ozcan Alper, Turkey/France/Germany World Premiere
A young ethnomusicologist leaves Istanbul and heads to the southeast of Turkey to work on her masters thesis, gathering a collection of Anatolian elegies and stories. During her stay in Diyarbakir, she finds herself having to confront an agony from her own past in the middle of the ongoing ‘unnamed war.’

Good Bye Mohammad Rasoulof, Iran North American Premiere
This is a story of a young lawyer in Tehran and her pursuit of a visa to leave the country.

Goodbye First Love, Mia Hansen-Løve, France/Germany Canadian Premiere
It’s Spring 1999 and Camille, 15, and Sullivan, 19, love each other passionately. Following the progression of this young, first love, the affair evolves from initial rapture to heartbreak as Sullivan decides he wants to travel the world before settling down. Driven to despair, Camille suffers deep emotional turmoil and must learn to deal with his absence.

Guilty, Vincent Garenq, France North American Premiere
This true story documents the Outreau case. In 2011, Alain Marécaux and his wife were arrested, along with twelve other people, for horrible acts of paedophilia they never committed.

Gypsy, Martin ulík, Slovakia North American Premiere
Gypsy tells the story of Adam, a 14-year-old Roma boy, who is forced into a life of crime following his fathers mysterious death. He encounters racial, social and cultural prejudices and comes into conflict with the unwritten laws of his own community.

Heleno, José Henrique Fonseca, Brazil World Premiere
This film is a non-chronological and in-depth account of the life of Heleno de Freitas (1920 to 1959), a controversial and mythological Brazilian football player. Also known as „Gilda due to his wild temper with teammates and referees, Heleno was the prince of the 1940s golden age in Rio de Janeiro when the city was a dream setting, steeped in glamour and promise. Handsome and charming, Heleno had no doubt he was going to be the biggest Brazilian footballer of all time, but the war, syphilis and a turbulent life would steer him from that destiny, down a road of glory and tragedy.

Himizu, Sion Sono, Japan North American Premiere
The story is about a teenager who aspires to be „ordinary within a world of chaos. Following an incident that can never be erased from his life, his wish becomes something impossible to achieve, turning him into a person obsessed to sanction evil people in society.

Hotel Swooni, Kaat Beels, Belgium International Premiere
Six lives, 24 hours, and a hotel in the middle of a heat wave. Anna and Hendrik have it all: a great son, a good job, a lovely house – but the wedding they witness in the hotel forces them to reflect on the choices they have made. Violette wants to reconcile with her daughter Vicky before she dies, but Vicky struggles to let go of a hurtful past. Meanwhile, a young African refugee hides out in the hotel from the police. The lives of all these people become irrevocably intertwined until the heat breaks and the rain offers some relief.

Islands, Stefano Chiantini, Italy World Premiere
This story takes shape under the roof of a parsonage on the Tremiti islands. An eastern European bricklayer looking for work is befriended by a young woman who has retreated into silence and lives with a middle-aged priest. The priest is at war with his sister, the young woman is running from her past and the bricklayer is simply trying to survive. As their lives intermingle, emotions bubble to the surface.

Juan of the Dead, Alejandro Brugués, Spain/Cuba World Premiere
The zombie world has yet to witness one last stand – Cuba. An outbreak hits the island on the anniversary of the revolution, so Juan and his friends set out to conquer the undead who, according to government reports, are unruly Americans continuing their quest of undermining the regime.

Land of Oblivion, Michale Boganim, France/Germany/Poland/Ukraine North American Premiere
April 26, 1986: Anya and Piotr are celebrating their marriage when an accident occurs at the Chernobyl power station. As a fireman, Piotr leaves to extinguish the flames – but he never returns. Ten years later, after Chernobyl has become a no mans land and a tourist attraction, Anya is still there, working as a guide. Split between two lovers, she tries to accept the hope of a new life.

Last Days in Jerusalem, Tawfik Abu Wael, France/Israel/Palestine/Germany North American Premiere
A lens into the emotional upheaval of a Palestinian couples last moments before leaving their native city, Jerusalem, to forge a brighter future in Paris. Iyad is a surgeon at the top of his game; Nour is a young actress with an intellectual bourgeois background –attractive, independent and whimsical. On the way to the airport, a news report of a terrible accident means Iyad must return to work, delaying their departure. Abandoned by her husband once again, Nour starts to question the move and their marriage.

Last Winter, John Shank, Belgium/France North American Premiere
Somewhere on an isolated mountainous plain, Johann has taken over his fathers farm, devoting all his time and energy to his work. Surrounded by a struggling community and a natural landscape that has taught him all he knows, his heritage is his entire life. As autumn goes and winter comes, a barn burns to the ground and jeopardizes the fragile balance of the farms survival. This is a story of a man trying to love the world he belongs to one last time, as hard as he can, before it sinks into darkness.

Lena, Christophe Van Rompaey, The Netherlands/Belgium World Premiere
Seventeen-year-old Lena is overweight, shy and allows others to take advantage of her. She puts up with an overbearing mother, an egotistical best friend and belittling mates. When she meets Daan, a charming, good-looking young lad, it could either be too good to be true or the well-deserved beginning of a happier life. To find out, she must find the inner strength and beauty she didnt know she had.

Lipstikka, Jonathan Sagall, Israel/United Kingdom North American Premiere
Lara is a Palestinian woman who came to London to begin a new life. She got married and now lives a comfortable, but somewhat loveless, life with her husband and 7-year-old son James. One morning, Inam, her childhood friend from Ramallah, shows up on her doorstep. Triggered by her sudden appearance, Laras orderly life begins to crack.

Lucky, Avie Luthra, South Africa/United Kingdom World Premiere
Lucky, an AIDS orphan, is forced to leave his native village to live with his uncle in Durban. He learns about life the hard way, but forges an unlikely bond with an elderly Indian neighbour in spite of racial prejudice and language barriers. Together they go on a journey to find him a new life and family.

Man on Ground, Akin Omotoso, South Africa World Premiere
This portrayal of rising xenophobia in South Africa tells the story of a young Nigerian man living in the African refugee tenements of Johannesburg, who disappears against the background of animosity against immigrants flaring into violent rioting. In the span of a single night, his brother, on a short visit from London, tries to uncover the mystery.

Michael, Ribhu Dasgupta, India World Premiere
Michael, an ex-cop, lives with his 11-year-old son and works in a theatre as a projectionist pirating DVDs for a living. When he starts receiving death threats for his son from someone in his past, he gets caught up in a complex web of his own impending blindness comprised of his insecurities. First-time director Ribhu Dasgupta teams up with Indias guru of independent cinema, producer Anurag Kashyap, and veteran actor Naseeruddin Shah for this character-driven, psychological drama.

Michael, Markus Schleinzer, Austria North American Premiere
A mousy insurance salesman keeps an under-aged boy locked in his basement, while doing his best to appear ordinary to the outside world.

Miss Bala, Gerardo Naranjo, Mexico North American Premiere
Laura, a young aspiring beauty queen, finds her dream turned against her when she unwillingly gets involved with a criminal group at war. This film explores the many extremes of modern Mexican society when the world of beauty pageants and current drug war collide.

Mr. Tree, Han Jie, China North American Premiere
Shu (Wang Baoqiang) – whose name translates “tree” in Mandarin – is a clownish mechanic who resides in a small mining village in Northern China. Shu has a reputation as a slacker, a drunk and a danger to himself and others. He is haunted by dreams and hallucinations, yet when one of his visions manifests as real, his fellow villagers come to regard him as a prophet. Set against the backdrop of sweeping social changes, the film is a subtle commentary on rampant urbanization in China and the relocation of entire villages. Produced by master filmmaker Jia Zhang-ke.

Omar Killed Me, Roschdy Zem, France North American Premiere
February 2, 1994: Omar Raddad, a Moroccan gardener, is sentenced to 18 years for the murder of a wealthy widow in Marseille, France. Convinced of Raddads innocence, a journalist sets out to defend his case.

Restoration, Yossi Madmony, Israel Canadian Premiere
Yaakov Fidelman (Sasson Gabai, The Band’s Visit) hangs on with all his might to the antique restoration workshop that has been his life’s work. After his partner passes away, Fidelman rejects his sons idea to close the business and build on the site. Will he understand that his only hope for redemption is to learn to let go?

Rose, Wojciech Smarzowski, Poland International Premiere
Summertime 1945: the end of the war brings continued chaos and violence for Polish inhabitants of the former East Prussia. Rose is Polish and her German husband has been killed in the war, leaving her alone on their farm. A Polish army officer tries to conceal his identity as he helps protect her from suspicious Soviet soldiers and foraging people circling the farm.

Rough Hands, Mohamed Asli, Morocco World Premiere
Mustafa is an illiterate hairdresser who lives with his blind mother. He runs an underground trade as a middleman facilitating favours in exchange for money – among them is Zakia who wants to immigrate to Spain. Unable to realize her Spanish dream, she remains in her country and marries Mustafa.

A Separation, Asghar Farhadi, Iran North American Premiere
When Simin’s husband Nader refuses to grant her a divorce, she returns to her parents home. Nader hires a young woman to assist in his wife’s absence, hoping his life will return to normal. However, after discovering that the new maid has been lying, he realizes there is more on the line than just his marriage.

The Silver Cliff, Karim Aïnouz, Brazil North American Premiere
A phone message from her husband propels Violeta into the streets of Rio until sunrise. Telling their teenage son that a last minute trip has come up, she sets out to find her husband. Rio at night is her sole companion as she struggles to face his abrupt and sudden change of heart, but the beach also provides renewal, unexpected meetings and a window to a whole other world.

Sons of Norway, Jens Lien, Norway International Premiere
Nikolaj moves to Rykkin where his father has helped design the new satellite town. His father is a playful, self-declared free spirit, who firmly believes that a new community soul will flourish the Norwegian town. Nikolaj tries to make sense of life under the thumb of his optimistic and energetic father. Theyre a happy little alternative family – until his mother is suddenly killed in a traffic accident.

Superclásico, Ole Christian Madsen, Denmark North American Premiere
Christian (Anders W. Berthelsen) owns a wine store approaching bankruptcy – and he is just as unsuccessful in about every other aspect of life. His wife Anna (Paprika Steen) leaves him and finds work as a successful football agent in Buenos Aires, living a life of luxury with Juan Diaz, a star football player. One day, Christian arrives under the false pretence of finalizing divorce papers, but his real motives involve winning his wife back.

Think of Me, Bryan Wizemann, USA World Premiere
Angela, a single mother, struggles to make ends meet for her daughter. Beneath the Las Vegas neon glow, her life hits a breaking point, presenting her with an impossible choice: keep trying to make things work, or let it all go for the promise of something better.

UFO in her Eyes, Xiaolu Guo, Germany World Premiere
Kwok Yun leads a simple peasant’s life in the peaceful village mountains. She lives with her grandfather and works as a labourer. Following a countryside tryst with a married man, she spots a UFO – a giant glowing object in the shape of a dumpling. Later that same day, she helps a snake-bitten American businessman who disappears as mysteriously as the UFO. Using the unexpected events for political gain, the ambitious village leader, Chief Chang, stimulates tourism with UFO tours and gets the local economy roaring, despite the dangers such radical change can bring, especially to the environment.

Union Square, Nancy Savoca, USA World Premiere
Union Square chronicles the reluctant reunion of two estranged sisters: one on the verge of marriage, the other on the brink of a nervous breakdown.

Your Sister’s Sister, Lynn Shelton, USA World Premiere
Still mourning the recent death of his brother, a bereft and confused man finds love and direction in a most unexpected place.

Contemporary World Cinema

388 Arletta Avenue
Randall Cole, Canada World Premiere
Seen entirely from the point-of-view of hand-held and surveillance cameras, 388 Arletta Avenue tells the story of a couple, Nick Stahl and Mia Kurshner, who do not realize they are being watched. The watching becomes subtle manipulation which ultimately escalates into a deadly cat-and-mouse game.

Billy Bishop Goes to War
Barbara Willis-Sweete, Canada World Premiere
In Billy Bishop Goes to War acting legend Eric Peterson and award-winning writer/composer John Gray reprise their iconic two-man play that has captivated audiences for three decades. Through raucous stories, haunting memories, and vibrant song, an aged Bishop (Peterson) recounts the triumphs and horrors of „the war to end all wars.‟

I’m Yours
Leonard Farlinger, Canada World Premiere
I’m Yours, a sexy and irreverent two-hander, sees disillusioned Wall Street broker, Robert, kidnapped and blackmailed into taking a road trip with hot and free-spirited Daphne. A thought-provoking romantic comedy about two lost souls who learn what love ultimately means as the world around them comes undone. Starring Rossif Sutherland, Karine Vanasse.

Sisters&Brothers
Carl Bessai, Canada World Premiere
A comedic exploration of the lives of four intersecting sister and brother relationships. A hard-done-by “entrepreneur” corrals a young girl and her sister into a trip to Los Angeles to chase the acting dream. A schizophrenic man and his pro-bono lawyer who lives in the woods cause problems with his sister. Starring Dustin Milligan, Amanda Crew, Cory Monteith, Gabrielle Miller and Kacey Rohl.

Galas

Closing Night Film: Page Eight, David Hare, United Kingdom
Johnny Worricker (Bill Nighy) is a long-serving M15 officer. His boss and best friend Benedict Baron (Michael Gambon) dies suddenly, leaving behind him an inexplicable file, threatening the stability of the organization. Meanwhile, a seemingly chance encounter with Johnny’s striking next-door neighbour and political activist Nancy Pierpan (Rachel Weisz) seems too good to be true. Set in London and Cambridge, Page Eight is a contemporary spy film which addresses intelligence issues and moral dilemmas peculiar to the new century. Also stars Ralph Fiennes and Judy Davis.

The Awakening, Nick Murphy, United Kingdom World Premiere
Haunted by the death of her fiancé, Florence Cathcart is on a mission to expose all séances as exploitative shams. However, when she is called to a boys’ boarding school to investigate a case of the uncanny, she is gradually forced to confront her skepticism in the most terrifying way, shaking her scientific convictions and her sense of self to the very core. Haunting and moving in equal measure, The Awakening is a sophisticated psychological/supernatural thriller in the tradition of The Others and The Orphanage, but with its own unique and thrilling twist. Starring Rebecca Hall, Dominic West and Imelda Staunton.

Beloved, Christophe Honoré, France International Premiere
From Paris in the 1960s to London’s modern days, Madeleine and her daughter Vera waltz in and out of the lives of the men they love. But love can be light and painful, cheerful and bitter. An elegy to femininity and passion with musical outbursts. Starring Chiara Mastroianni and Catherine Deneuve.

Hysteria, Tanya Wexler, USA/United Kingdom World Premiere
A romantic comedy based on the surprising truth of how Mortimer Granville came up with the world’s first electro-mechanical vibrator in the name of medical science. Academy Award® nominee Maggie Gyllenhaal and Hugh Dancy headline in this untold tale of a young Victorian doctor’s quest to figure out the key to women’s happiness. Also starring Jonathan Pryce, Rupert Everett and Felicity Jones.

Killer Elite, Gary McKendry, USA/Australia World Premiere
Based on a true story, Killer Elite races across the globe from Australia to Paris, London and the Middle East in the action-packed account of an ex-special ops agent (Jason Statham) who is lured out of retirement to rescue his mentor (Robert De Niro). To make the rescue, he must complete a near-impossible mission of killing three tough-as-nails assassins with a cunning leader (Clive Owen).

Machine Gun Preacher, Marc Forster, USA World Premiere
Machine Gun Preacher is an inspirational true story, about Sam Childers, a former drug-dealing criminal who undergoes an astonishing transformation and finds an unexpected calling as the saviour of hundreds of kidnapped and orphaned children. Gerard Butler (300) delivers a searing performance as Childers in Golden Globe®-nominated director Marc Forster’s (Monster’s Ball, Finding Neverland) moving story of violence and redemption. Machine Gun Preacher was previously announced as a Special Presentation.

Trespass, Joel Schumacher, USA World Premiere
What happens when a man with everything – a beautiful wife, a teenage daughter and a wealthy estate – is confronted with the reality of losing it all? That is what Kyle Miller must come to terms with as he and his family become the victims of a vicious home invasion. Stars Nicolas Cage and Nicole Kidman.

Winnie, Darrell J. Roodt, South Africa / Canada World Premiere
This film reveals the enigma that is Winnie Mandela. A sensitive depiction, Winnie portrays her life’s journey amidst the unwavering love between her and Nelson Mandela, and their unfaltering commitment to the struggle for democracy in South Africa. Winnie takes the audience on an epic voyage of understanding – painting a vivid portrait of one of the world’s most remarkable women. StarringJennifer Hudson, Terrence Howard, Elias Koteas and Wendy Crewson.

Special Presentations:

The Cardboard Village, Ermanno Olmi, Italy International Premiere
An old priest and his church are about to be demolished. A group of clandestine immigrants seeking protection find refuge in that church. In a circumstance of crisis and discouragement, together these people will be able to find the real meaning of the word “solidarity” and realize that the church is much more than a place for liturgical ceremonies and golden altars. Starring Michael Lonsdale and Rutger Hauer.

Damsels in Distress, Whit Stillman, USA North American Premiere
Damsels in Distress is a comedy about a trio of beautiful girls as they set out to revolutionize life at a grungy American university – the dynamic leader Violet Wister (Greta Gerwig), principled Rose (Megalyn Echikunwoke) and sexy Heather (Carrie MacLemore). They welcome transfer student Lily (Analeigh Tipton) into their group which seeks to help severely depressed students with a program of good hygiene and musical dance numbers. The girls become romantically entangled with a series of men – including smooth Charlie (Adam Brody), dreamboat Xavier (Hugo Becker), the mad frat pack of Frank (Ryan Metcalf) and Thor (Billy Magnussen) – who threaten the girls’ friendship and sanity.

Death of a Superhero, Ian FitzGibbon, Germany/Ireland World Premiere
Donald is 15 and dreams of girls, sex and crazy adventures. In his fantasy world, he creates an immortal superhero who fights against all evil. And in reality? Donald is falling in love with the school rebel while fighting against a terminal illness. Starring Andy Serkis, Thomas Brodie-Sangster, Aisling Loftus, Michael McElhatton, Sharon Horgan and Jessica Schwarz

The First Man, Gianni Amelio, France/Algeria/Italy World Premiere
An adaptation of Albert Camus’ autobiographical last novel. Part childhood memoir, part epic narrative of Camus’ beloved Algeria and its struggle for independence from France, The First Man was left unfinished by the Nobel Prize-winner who died at age 46.

In Darkness, Agnieszka Holland, Canada/Germany/Poland World Premiere
In Darkness tells the true story of Leopold Socha, a sewer worker and petty thief in Nazi-occupied Lvov, Poland. Stumbling upon a group of Jews in the sewers, he agrees to hide them for a price. What starts out as a straightforward business arrangement becomes something unexpected, as they all try to outwit certain death during 14 months of intense danger. Starring Robert Wieçkiewicz and Benno Fürmann.

Intruders, Juan Carlos Fresnadillo, Spain World Premiere
Juan and Mia, two children who live in different countries, are visited every night by a faceless intruder – a terrifying being that wants to get hold of them. These presence becomes more powerful and start ruling their lives as well as their families’. Anxiety and tension increase when their parents also witness these apparitions. Starring Clive Owen.

Life Without Principle, Johnnie To, Hong Kong North American Premiere
What do a bank teller, a small-time thug and a police inspector have in common? Nothing. Not until a bag of stolen money worth $10 million crosses their paths and forces them to make soul-searching decisions about right and wrong and everything in between on the morality scale.

Low Life, Nicolas Klotz, Elisabeth Perceval, France North American Premiere
After making love, the youngsters slipped happily into dreamland… but when they opened their eyes the world appeared joyless, and stomach-wrenchingly old. And so they quickly sank back into their happy world, where all sleepers are equal. This is the place they called Low Life.

Mausam (Seasons of Love), Pankaj Kapur, India World Premiere
Mausam is a story of timeless love in the face of political hostilities and religious conflict, between a proud Punjabi Air Force Officer and an innocent Kashmiri refugee. Set against a landscape that transcends decades and spans continents, Mausam is a classic journey that transports one into a world of indestructible bonds of love enveloped by the roulette of destiny. Starring Shahid Kapur, Sonam A Kapoor and Anupam Kher.

My Worst Nightmare, Anne Fontaine, France/Belgium World Premiere
Agathe doesn’t realize to what extent her life is going to be turned upside down when she takes in Tony, the best friend of her son Adrien. Tony’s father, Patrick, leads Agathe down a merry path of existential chaos, which just may deliver her from herself… Starring Isabelle Huppert.

Rebellion, Mathieu Kassovitz, France World Premiere
April 1988, Ouvea island, New Caledonia, a French colony. Thirty policemen are kidnapped by locals fighting for their independence. Three hundred members of the French Army Special Forces Unit are immediately sent on a mission to fix the situation. An encounter of two cultures: Philippe Legorjus, head of the unit, versus Alphonse Dianou, head of the rebels. Together, they’ll fight to resolve the situation through mutual trust and dialogue over violence. Except that they’re at the heart of the most tense presidential elections in French History, when issues at stake are purely political, rules of law and order are not exactly moral…

A Simple Life, Ann Hui, Hong Kong/China North American Premiere
Ah Tao, was born in Taishan, China. She works as a servant for sixty years and has been serving four generations of the Leung family. For the past decade, Ah Tao lived with Roger, the only family member left in Hong Kong. Based on real people and events.

Sleeping Beauty, Julia Leigh, Australia North American Premiere
“You will go to sleep: you will wake up. It will be as if those hours never existed.” Death-haunted, quietly reckless, Lucy is a young university student who takes a job as a Sleeping Beauty. In the Sleeping Beauty Chamber old men seek an erotic experience that requires Lucy’s absolute submission. This unsettling task starts to bleed into Lucy’s daily life and she develops an increasing need to know what happens to her when she is asleep. Starring Emily Browning and Rachael Blake.

Terraferma, Emanuele Crialese, Italy International Premiere
Terraferma is the story of an uncontaminated Sicilian island inhabited by fisherman. Still barely touched by tourism, the islanders have begun to alter their mentality and behaviour as they realize the economic potential of this new industry. At the same time, they deal with illegal aliens flooding the island and a new law requiring them to turn back undocumented peoples seeking aid.

That Summer, Philippe Garrel, France/Italy/Switzerland North American Premiere
A couple living together in Paris – he’s a painter, she’s a film actress – befriend a couple of film extras who fall in love with each other. All four go to Rome where their relationships undergo profound changes as emotions shift and change.

Violet & Daisy, Geoffrey Fletcher, USA World Premiere
Two girls. Some guns. A dress. A guy. A mess. Starring Saoirse Ronan, Alexis Bledel and James Gandolfini.

Warriors of the Rainbow: Seediq Bale, Wei Te-Sheng, Taiwan North American Premiere
Wei Te-Sheng’s epic film Warriors of the Rainbow: Seediq Bale reclaims an extraordinary episode from 20th-century history which is little-known even in Taiwan. It’s a story of the encounter between a people who believe in rainbows and a nation which believes in the sun. It takes the form of a heroic battle in defence of faith and dignity.

Wuthering Heights, Andrea Arnold, United Kingdom North American Premiere
A Yorkshire hill farmer on a visit to Liverpool finds a homeless boy on the streets. He takes him home to live as part of his family on the isolated Yorkshire moors where the boy forges an obsessive relationship with the farmer’s daughter. Starring James Howson and Kaya Scodelario.

Visions:

ALPS, Yorgos Lanthimos, Greece/France North American Premiere
A nurse, a paramedic, a gymnast, and her coach have formed a secret, illegal company. The service they provide is to act as stand-ins for the recently deceased, for the benefit of grieving relatives and friends. The company is called “ALPS” and the ALPS members, taking inspiration from the life of the deceased, adopt their behaviours and habits, memorizing favourite songs, actors, foods, familiar expressions. Although the members of ALPS operate under a disciplined regime demanded by the paramedic, their leader, the nurse doesnt.

Century of Birthing, Lav Diaz, The Philippines North American Premiere A grand meditation on the roles of the artist, Filipino director Lav Diazs Century of Birthing tells two seemingly unrelated tales: one focusing on a filmmaker who has spent years working on his latest opus; the other about a Christian cult leader in a rural region.

Cut, Amir Naderi, Japan North American Premiere
An obsessive young filmmaker becomes a human punching bag to pay off the yakuza loans that financed his films. A love poem to cinema classics from the acclaimed director of The Runner, Vegas: Based on a True Story, and A,B,C…Manhattan.

Dreileben (Three Lives), Christian Petzold, Dominik Graf and Christoph Hochhäusler , Germany North American Premiere
A thrilling trio of interlocking films, Dreileben explores the story of an escaped murderer from three different angles, in three different styles, by three of Germany’s leading filmmakers.

Fable of the Fish, Adolfo Borinaga Alix Jr., The Philippines International Premiere
A couple, Lina and Miguel, move into a dumpsite in Catmon, Malabon. As they adjust to their new abode and surroundings, Linas longing to have a child intensifies. One day, Lina learns that she is pregnant. She gives birth in the middle of a storm, and those who witness the birth are shocked – her son is a fish. While Miguel cannot accept it, Lina embraces what has happened and treats the fish as her son. What unfolds is a fable that questions the needs and compromises of a real family.
House of Tolerance, Bertrand Bonello, France North American Premiere
The dawn of the XXth century: A brothel in Paris is living its last days. The women live in a state of collective intimacy and fear, baited and beloved by the nightly visits of intimate strangers, and bathed in the light of French Romantic and Impressionist painting.

KOTOKO, Shinya Tsukamoto, Japan North American Premiere
The story of a single mother who suffers from double vision; caring for her baby is a nerve-wrecking task that eventually leads her to a nervous breakdown. She is suspected of being a child abuser when things get out of control and her baby is taken away.

The Last Christeros, Matias Meyer, Mexico/The Netherlands World Premiere
At the end of the 1930s, in the arid mountains of Mexico, a Christero colonel and his last men resist surrender. The men are peasants, poor but proud people. They require their governments support and need ammunition in order to fight. The support does not arrive and life in the sierra turns more difficult every day; the war is almost over. The men, in their suffering, illness and solitude, begin to feeling abandoned. They are almost the last ones.

The Loneliest Planet, Julia Loktev, USA/Germany North American Premiere
Alex and Nica are a young couple backpacking in the Caucasus Mountains in Georgia. They hire a local guide to lead them on a camping trek, and the three set off into a stunning wilderness. Walking for hours, they trade anecdotes and play games to pass the time. And then, a momentary misstep threatens to undo everything the couple believed about each other and about themselves. The film is a tale about betrayal, both accidental and deliberate, about love, commitment and the ambiguities of forgiveness.

Monsters Club, Toshiaki Toyoda, Japan World Premiere
Having abandoned modern civilization, Ryoichi lives an isolated, self-sufficient life on a snow-covered mountain and passes the time by sending mail bombs to corporate CEOs. But one day, a mysterious creature appears before him.

The Mountain, Ghassan Salhab, Lebanon/Qatar North American Premiere
As night falls over Beirut, Fadi, a 40-year-old man, packs his bags and sets out for the airport with a friend. Although he has said that he will be leaving the country for a month, when he arrives at the airport, he rents a car, gets on the highway and takes the mountainous route north .

Mushrooms, Vimukthi Jayasundara, India/France North American Premiere
Rahul, a Bengali architect who had gone off to build a career in Dubai, returns to Kolkata to launch a huge construction site. He is reunited with his girlfriend, Paoli, who had long awaited his homecoming. Together, they try to find Rahuls brother, who is said to have gone mad, living in the forest and sleeping in the trees. Despite appearances, the two brothers might have a lot in common.

Play, Ruben Östlund, Sweden/France/Denmark North American Premiere
Play is an astute observation based on real cases of bullying. In central Gothenburg, Sweden, a group of boys, aged 12-14, robbed other children on about 40 occasions between 2006 and 2008. The thieves used an elaborate manipulation scheme called the „brother trick, involving advanced role-play and gang rhetoric rather than physical violence.

Porfirio, Alejandro Landes Colombia/Spain/Uruguay/Argentina/France North American Premiere
A man disabled by a stray police bullet lives in a world that stretches only from bed to wheelchair in a faraway city on the outskirts of the Colombian Amazon. There, he sells call time on his cellular phone to get by as he waits in vain for a government cheque and takes calls that are never for him. Determined to make himself heard, he hatches a desperately violent plan to take back the reins of his life – only to find himself back where he began.

Random, Debbie Tucker Green, United Kingdom International Premiere
Set over the course of one day in London, Random tells the story of an ordinary family on an ordinary day whose lives are shattered by the impact of one random event. It is a lively and beautifully observed portrait of family dynamics which draws us into a moving story.

The River Used to be A Man, Jan Zabeil, Germany International Premiere
A young German man travels through an African country. He meets an old fisherman who takes him deep into the wilderness. The next morning, he finds himself alone in the middle of an endless delta. His continuous loss of control leads him into a world far beyond his own comprehension.

Swirl, Helvecio Marins Jr. and Clarissa Campolina, Brazil North American Premiere
At 81, Bastu still loves a good party and dancing until dawn with her friends. When her husband dies, she is suddenly forced to rethink her life and her routine. She spends time telling stories to her grandchildren and reminiscing with friends. Magical and moving, this delicate debut is a wonderful depiction of life in the small village of São Romão, in the arid region of Brazils north.

This Side of Resurrection, Joaquim Sapinho, Portugal World Premiere
Questions of religious belief do not concern young Inês, who is more interested in surfing and boyfriends than in God. When her brother Rafael returns, she discovers that he had never left Portugal for Australia as she had originally thought, but had been living nearby in a monastery. As Rafael wrestles with his faith and future, Inês tries to connect with him. Exquisitely shot, Joaquim Sapinho delicately approaches themes of family, sibling love and faith in his latest feature film.

Wavelengths:

Wavelengths 1: Analogue Arcadia

As celluloid threatens to disappear altogether, Wavelengths launches with a celebratory and elegiac programme comprised of doomed desire, vanishing worlds and a love of analogue.
Wavelengths launches with a rare screening of Tacita Dean’s Edwin Parker (USA/United Kingdom – courtesy of the Marion Goodman Gallery), an intimate portrait of Cy Twombly, one of the great artistic geniuses of the past century. The film’s inclusion in the Festival has been exclusively made possible in honour of Twombly, who died on July 5. Dean is a vociferous defender of the threatened medium of 16mm. Her latest subject was a notoriously private titan whose work of deep emotional beauty, doomed desire and Arcadian abstraction remained impervious to shifting tastes. Edwin Parker (Twombly’s birth name) builds textures from the man himself and his crammed storefront studio in Lexington, Virginia. As a prelude, we offer Nick Collins’ Loutra/Baths (United Kingdom), a painterly study of an ancient Roman bath surrounded by a lush olive grove in Loutra, Arcadia. Emptiness is wistfully transformed in Sophie Michael’s 99 Clerkenwell Road (United Kingdom) as the remnants of an empty shop provide the makings of an abstract light film-cum-toy solar system.

Similarly beguiling is Apichatpong Weerasethakul’s Empire (Thailand/Austria), whose bobbing underwater creature leads us down a tawny, mysterious path. Sack Barrow (United Kingdom), the latest sulphurous short by Ben Rivers and winner of the prestigious Baloise Art Prize, is a portrait of a London suburb plating factory established in 1931 for limbless and disabled war veterans. Documenting a vanished world, the film’s decelerated rhythm and focus on surface – from chemical aggregate to nostalgia-era pin-up girls – lends a portentous feel. A conquistador counts his blessings in Raya Martin’s Ars Colonia (The Philippines/The Netherlands), a hand-coloured effigy shot on hi-8 analogue video, transferred to 35mm. Lastly, Joshua Bonnetta’s American Colour (USA/ Canada), was shot on old rolls of 16mm Kodachrome during a pilgrimage from the stock’s birthplace in upstate New York to Houston, where its final rolls were processed earlier this year. Like a postscript to Dean’s Kodak, American Colour explores Kodachrome’s historic use and singular hues, doing so with digital means in the wake of its obsolescence.

Wavelengths 2: Twenty Cigarettes
In James Benning’s Twenty Cigarettes (USA), a pack of twenty cigarettes is consumed by twenty different smokers – friends and acquaintances from Montreal to Seoul. Ostensibly a film about duration, Twenty Cigarettes is structured around the time it takes to smoke a cigarette, and we observe the subjects from the moment they light up until they butt out, with a few surprises along the way. These living, smoking people offer glimpses into their lives as Benning records them amid familiar surroundings. While each background offers clues to their respective stories, it is their distinct relationships with the camera, their faces and their gazes, that make this film so compelling. The film includes fellow avant-garde icons Thom Andersen (whose Get out of the Car was featured in last year’s Wavelengths programme), looking bored and slightly enervated, and photographer/filmmaker Sharon Lockhart cast as a wistful western settler amid an open blue sky.

Wavelengths 3: Serial Rhythms
With serial rhythms, a sinewy exchange between opposites and increasing intensity, this programme builds to a propulsive, ever-sharpening sense of the present. From a Russian documentary to moiré patterns, these works serve to heighten our viewing experience.

Adriana Salazar Arroyo’s Found Cuban Mounts (Costa Rica/Germany) uses excerpts from Fidel Castro’s “History Will Absolve Me” speech to determine her film’s rhythm, tracking in reverse the journey of the revolutionaries. Filmed in grisaille with a sober eye, Alina Rudnitskaya’s I Will Forget This Day (Russia) is a wrenching portrait of waiting young women, whose decisions are not always willfully made. John Price’s Sea Series #10 (Canada) hovers at the brink of widescreen extinction as it ruminates on the recent disaster in Japan. Joyce Wieland’s Sailboat (Canada) is a playful yet vaguely ominous haiku. Rose Lowder’s on-going Bouquets series is among the major works of the past two decades. Filmed at various European ecological sites, Bouquets 11-20 (France) vibrate with splendour inherent to the pleasure-pull of nature’s imperiled state.

Shot along the Bosphoros, Jonathan Schwartz’s frenetic A Preface to Red’s (USA) dense, field-recorded soundtrack colludes with the beauty of the images to overwhelm. Vibrating frequencies emerge in a freshly blown-up 16mm print of Resonance (USA) by Super 8 filmmaker Karen Johannesen, who summons flickering force fields. The latest triptych in T. Marie’s Optra Field series, Optra Field VII-IX (USA) focus on the diagonal grid are investigations into our own perception of perceiving. Kevin Jerome Everson’s car-crushing Chevelle is a straight-up account of two GM cars put down to rest. Shot in Cookstown, Ontario, Chevelle (Canada/USA) embodies a working-class ethos while suggesting scrap metal’s potential to be art.

Wavelengths 4: Space is the Place
The disparate works in this programme expand spatial possibility through a consideration of inner and outer spaces, of varying cartographies and aesthetic patterns.

Chris Kennedy’s 349 (for Sol LeWitt) (Canada) is a digitally animated version of Sol LeWitt’s Wall Drawing #349, which was commissioned by Toronto’s Mercer Union gallery in 1981. Recreating LeWitt’s geometric vocabulary and primary colour palette, 349 careens through emblazoned emblems, lifted from walls and transported into dialogue with LeWitt’s exploration of spatial systems and human emotion. A black mirror mounted to a motion control machine trawls the Dutch Landscape and Genre Scenes painting rooms at the National Gallery in London as camera and mirror partake in a three-way play of representation in Mark Lewis’ latest transfixing investigation into cinematic technique and pictorial composition, Black Mirror at the National Gallery (Canada, United Kingdom). A chasm between what we hear and see in Neïl Beloufa’s kaleidoscopic Untitled (France) echoes the fabrication of its ink-jet mise en scène. Space is the Place (Japan) is the latest video animation by Eriko Sonoda, whose meticu-lous lo-fi explorations of flattened space use sheets of paper to transcend finitude. A corner wall in the artist’s room is transmuted through a staccato of origami exchanges. Ute Aurand’s Young Pines (Germany) is a portrait of Japan rendered with formal acuity and a capacious curiosity. The beauty and grace of its culture – from calligraphy to ikebana – are matched by the awesome power of its land and seascapes, which oscillate, in a post-tsunami imagination, between time and place. From the Japanese countryside, we travel to rural Australia along Coorow-Latham Road (Canada). In a radical recasting of the long take, Blake Williams reconstructs the eponymous route using Google Street View, producing a vapourous road movie in which our perspective gradually shifts. Both elegant and visceral, it is an internet-sourced work of structuralist cinema.

Wavelengths 5: The Return/Aberration of Light
Wavelengths concludes with two vastly different cinematic experiences that collectively affirm film’s status as one of today’s most exciting art forms, unyielding and wondrously alive in face of increasing obsolescence.

Nathaniel Dorsky’s The Return (USA) is shot on 16mm and projected at silent speed (18 fps). Dorsky delves deep into multiple (under)worlds, sometimes uncanny and surreal, reflected and refracted through various natural and man-made obfuscations like grids, glass, water and brush. From its wintry willow branches to wafting hand gestures in a café, The Return harbours a phantasmal feel, offering a sentient, sometimes dark rumination on the mysteries that await us. From the resonant silence of The Return, we segue to transfixing audiovisual immersion in Aberration of Light: Dark Chamber Disclosure (USA), the second collaborative live cinema project by Sandra Gibson, Luis Recoder and Olivia Block. For the past decade, Gibson and Recoder have created performances and installations that employ the mechanics and optical properties of film projection to forge hypnotic, sculptural works of light. Using a series of film loops, crystals and manual gestures to bend, reflect and refract the projector’s beam, the artists recast the theatrical space of the cinema into a three-dimensional encounter. Aberration of Light: Dark Chamber Disclosure was developed specifically with Block, who mixes and improvises field recordings and live instrumentation, and is presented in conjunction with the Wavelength Music series, one of Toronto’s longest-running and most influential underground music forums (http://www.wavelengthtoronto.com/).

Future Projections (TIFF’s program of international artists displaying moving-image artworks - free and open to the public September 8 - 18 at TIFF Bell Lightbox and other Toronto locations):

James Franco and Gus Van Sant: Memories of Idaho (1991; 2010 and 2011) – World Premiere (elements*)
In 1991, Gus Van Sant’s My Own Private Idaho and its central performance by River Phoenix had an enormous cultural impact, not least on a budding young actor named James Franco (127 Hours, James Dean). Now Franco has collaborated with Van Sant to create Memories of Idaho, a meditation on the seminal film in multiple parts. At the work’s core are two new films, projected sequentially, in a darkened, generic space. The first film, My Own Private River, is a feature-length chronological reassemblage of excised scenes and alternate takes from the original shoot, radically foregrounding Phoenix. The second film, Idaho, comes from one of three scripts Van Sant used to create the original film, its Super-8 texture meant to be a “ghost” of his original conception. Van Sant contributes ghosts of his own, large-format photographs of actual Portland street hustlers who appeared in, and provided inspiration and source material for, the film. Presented at TIFF Bell Lightbox Atrium, 350 King Street West. September 8 to 18. (*One of the film elements of “Memories of Idaho,” My Own Private River, was previously shown at Gagosian Gallery Los Angeles, February 26 to April 9, 2011.)

Mr. Brainwash: Mr. Brainwash in Toronto (2011) – World Premiere
Made famous by the film Exit through the Gift Shop as legendary street-artist Banksy’s alter ego, Thierry Guetta , a.k.a. Mr. Brainwash, has continued to produce provocative and playful Pop art. His work hungrily appropriates contemporary visual-art masters and cheekily tweaks the nose of gallery-based convention. He will be engaged in multiple projects during the Festival, including a significant, multiple-piece exhibition at Gallery One. His presence will also be felt outside Roy Thomson Hall, with his spray cans towering over the red carpet, providing emergency assistance for evenings requiring additional glamour and pomp. And, finally, he will collaborate with TIFF on “Grace Kelly: From Movie Star to Princess,” our fall exhibition. His unique tribute to the style icon will be seen wildposted all over town. Presented at David Pecaut Square, 55 John Street, September 8 to 18.

Peter Lynch: Buffalo Days (2011) – World Premiere
One of Canada’s most celebrated filmmakers, Peter Lynch has also had a long history with video art and installation work dating back to when he organized Video Culture International in the 1980s. Buffalo Days examines the devastating impact of Europeans on native cultures. In place of an inherently organic system, Europeans substituted one of complete control, driving out or eliminating wildlife – especially buffalo – and people unable to conform. The projections perform different functions: one reflects the actual physical environment; another, remnants and ghosts of the Blackfoot people’s way of life. The haunting quality of the imagery is buttressed by a soundscape comprised of natural sounds and traditional Blackfoot drumming. The piece is a compelling rumination on several of Lynch’s favourite themes, among them how we interact or fail to interact with our environment. Presented in collaboration with the Royal Ontario Museum’s Institute for Contemporary Culture. Produced with the support of the National Parks Project. Thorsell Spirit House, 100 Queen’s Park. September 8 to 18.

Eve Sussman | Rufus Corporation: whiteonwhite:algorithmicnoir (2009-2011) – Premiere status TBC
Eve Sussman | Rufus Corporation’s much-celebrated work utilizes iconic images and ideas from art history as a starting point. Their whiteonwhite:algorithmicnoir, shot mostly in post-Soviet Central Asia, reinvents the Suprematists’ radical abstractions through the deployment of paranoiac sci-fi film noir. Tarkovsky’s Solaris, with its perpetual sense of crisis, looms large, as does Jean-Luc Godard: the film concerns one Mr. Holz, newly employed in the futuristic metropolis City-A, a clear reference to Alphaville but infused with the sadness, horror and lost Utopian spirit of ever-present Soviet architecture. The work is of indeterminate length, generated algorithmically in real time by a computer program called a “serendipity machine,” which runs alongside the film. Made up of over 3,000 filmic fragments, some colour and some black and white, whiteonwhite:algorithmicnoir displays an amazing coherence and narrative thrust. Perpetually evolving, Eve Sussman | Rufus Corporation’s exciting new work evokes the same radical spirit and willfulness as Malevich’s squares and circles must have done so many years ago. Presented in collaboration with the NFB Mediatheque, 150 John Street. September 9 to 11.

Gregory Crewdson: Sanctuary (2009) – Canadian Premiere With La Dolce Vita, Federico Fellini broke with the neorealist tradition of filming on location, and moved to Cinecittà Studios, where he built a near-exact replica of Rome’s famed Via Veneto. Cinecittà, then known for hosting American epics like Ben Hur, would become inextricably linked with the great director. In this series of photographs, artist Gregory Crewdson revisits Fellini’s stomping grounds, documenting a cinematic ruin where narratives linger like ghosts. The traces of bygone productions are everywhere: a painted sign, perhaps from Martin Scorsese’s Gangs of New York; flooded alleyways that evoke HBO’s Rome. Presented in collaboration with the Scotiabank CONTACT Photography Festival. CONTACT Gallery, 80 Spadina Avenue, suite 310. September 8 to October 22.

Nicholas and Sheila Pye: Light as a Feather, Stiff as a Board (2011) – World Premiere
Collaborative Canadian artists Nicholas and Sheila Pye’s latest exhibition refers to the levitation game children often play at slumber parties. In this beautiful series of projections, the Pyes combine their film and photography work to create four tableaux that explore the link between magic and cinema. Each exquisite portrait, with its delicate yet startling movement, draws on old-world special effects to convey a mysterious story. The Pyes’ work has traditionally focused on the destructive aspects of relationships, but this series sees them plunging into trickery, in which the supernatural’s machinations are decidedly and eerily hidden. Presented in collaboration with Birch Libralato, 129 Tecumseth Street, September 8 to October 15.

Duane Hopkins: Sunday (2009) – North American Premiere
UK director Duane Hopkins’ full-scale installation project, Sunday, is both an extension of his previous films and a haunting, elegiac projection-based work in its own right. Consisting of a series of subtly looped diptychs and triptychs, Sunday focuses on the West Midlands youth of his much-celebrated feature-film debut Better Things (2008) and his early shorts Field and Love Me or Leave Me Alone. Hopkins captures the ennui, sadness and beauty of isolated adolescence in painterly tones and colors that recall the British Romantics, while twinning and reconceptualizing his landscapes to evoke the brooding, twitchy surrealism of the ever-encroaching contemporary world. Sunday builds to a climax of poignant helplessness, a politics of alienation that presages the violence and turmoil engulfing England this summer. Presented in collaboration with the Museum of Contemporary Canadian Art (MOCCA), 952 Queen Street West. September 9 to18.

David Rokeby: Plot Against Time (2007-2011) – World Premiere
Throughout his distinguished career, Governor General’s Award-winning artist David Rokeby has experimented prolifically with a variety of new media. Unifying all his work is an insatiable fascination with the recording of motion, and, in turn, of time. His new series, Plot Against Time, consists of four exquisite videos, each set in milieus in which figures’ and objects’ movements are meticulously tracked, creating gestural streaks across the screen. The vignettes vary widely, with marked seasonal modulations: bugs flitting about in the artist’s sun-soaked backyard; snowflakes vibrating in the turbulence created by Mies Van Der Rohe’s TD Centre skyscrapers and an Al McWilliams sculpture in Toronto’s financial district; tourists and pigeons forming searching paths in Venice’s Piazza San Marco; and, in the series’ most recent work which receives its world premiere at this year’s TIFF, gannets swooping off the coast of Newfoundland. Brilliantly suggesting abstract-expressionist precedents from Whistler to Pollock, Plot Against Time’s interest in kinesis is as sociological and technological as it is philosophical and painterly. Presented in collaboration with The Drake Hotel, 1150 Queen Street West. September 8 to 18.

Ben Rivers: Slow Action (2010) – Toronto Premiere Ben Rivers’ four-part film, Slow Action, is a heady mix of lingering, mysterious beauty and charmingly offbeat humour, transforming four real locales into wholly imagined futuristic communities. Referencing classic-documentary and ’50s-era ethnographic cinema, Rivers mischievously plays with the disarming and ironic porosity of science fiction. Taking inspiration from such utopian literary classics as Francis Bacon’s The New Atlantis and Mary Shelley’s The Last Man, Slow Action uses a commissioned text by writer Mark von Schlegell, read by an omniscient female and male voice (the former a nod to Werner Herzog’s Fata Morgana). As they negotiate the utopian terrain of these post-flood parallel worlds, the searing 16mm anamorphic images testify to Rivers’ visionary flair and eye for the breathtaking. Though reminiscent of such august precedents as Chris Marker’s La Jetée and Italo Calvino’s Invisible Cities, Slow Action is, indelibly, a creation of its maker, whose ongoing study of hybrids and hermits belongs in a category all its own. Presented in collaboration with Gallery TPW, 56 Ossington Avenue. September 8 to October 1.

Elle Flanders and Tamira Sawatzky: Road Movie (2011) – World Premiere
Presented on six double-sided walls and comprised of a series of short films, Elle Flanders and Tamira Sawatzky’s powerful and beautifully nuanced installation, Road Movie, examines contemporary life in Palestine. Palestinians living in the West Bank are confronted with a segregated and impossible road system made all the more problematic and unpredictable by shifting political currents. The subjects of the films – from Palestinian ambulance and taxi drivers to Israeli settlers and human-rights activists offer a unique and unconventional glimpse into the human landscape of this volatile land. Filmed in stop-motion animation, with a screen set-up suggesting the foreboding wall surrounding Palestine, Road Movie is full of arresting and vibrant images, from the deserts of the Jordan Valley to the circumference of Jerusalem. Produced by the National Film Board of Canada and presented at O’Born Contemporary offsite, 51 Wolseley St. 5th Floor, September 8 to 18.

David Lamelas: Time as Activity (Buenos Aires) (2010) – International Premiere
Pioneering ’60s conceptualist David Lamelas began, tellingly, as a sculptor. His explorations of time and space through film emerge from his desire “to produce sculptural forms without any physical volume.” Central to his career is his ongoing Time as Activity series, which began in 1969 in Dusseldorf when the artist filmed three separate views of the city in static, silent takes on 16mm, intercutting these with titles bearing the elapsed time of each. For the seventh instalment – after 40 years and excursions to Berlin, Los Angeles, New York, Warsaw, St. Gallen and Fribourg – Lamelas represents his native Buenos Aires via its landmark Plaza Congreso. With tranquil elegance, economy and ostensible simplicity, Time as Activity (Buenos Aires) underlines Lamelas’ proposition that time is our own construct and that hyperrealism entails fiction. Originally an in situ work exhibited opposite the Congreso, Time as Activity (Buenos Aires) comes to Toronto on the occasion of TIFF’s City to City focus on Buenos Aires. Presented in collaboration with Prefix Institute of Contemporary Art, ste. 124, 401 Richmond Street West. September 8 to 18.

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Cronenberg, psiconalista

2011-08-16T20:20:00.000-07:00

David Cronenberg no estrena una película desde Promesas del este, en 2007. Ahora se encuentra inmerso con las postproducción de Cosmopolis, la adaptación de la novela de Don DeLIllo. Y entremedias una de sus peliculas más esperadas: Un método peligroso, un drama de época con Viggo Mortensen, Keira Knightley, Michael Fassbender y Vincent Cassel.
Mortensen es Sigmund Freud. Fassbender su discípulo Carl Jung. Y Knightley, Sabina Spielrein, una de las primeras mujeres psicoanalista, que trabajó bajo las órdenes de Jung. La película explora la turbia relación entre estos tres personajes y la fundación del psicoanálisis.

Frankenstein reclama su lugar en un Hollywood de vampiros y zombies

2011-08-15T20:23:00.000-07:00

Universal StudioLa maquinaria hollywoodense prepara su siguiente oleada monstruosa de la mano de la obra insignia de Mary Shelley.

En pleno reinado de vampiros y zombies, Hollywood prepara ya su siguiente oleada monstruosa de la mano del icónico Frankenstein, al que resucitará con una docena de variadas producciones tanto para la pequeña como para la gran pantalla.

Creado por la autora británica Mary Shelley en su obra "Frankenstein or The Modern Prometheus" (1818), la historia de esa criatura de laboratorio ha sido objeto de numerosas películas desde su primera y desconocida adaptación de 1910, pasando el clásico de Boris Karloff de 1931 y hasta la más reciente de 1994 con Robert De Niro.

Un siglo después de su debut cinematográfico, ese torpe, gigante y aterrador ser recibirá un lavado de cara dispuesto a reclamar su protagonismo en una taquilla saturada de chupadores de sangre de todo tipo y condición y algunos de hambrientos muertos vivientes.

El cineasta mexicano Guillermo del Toro se encuentra detrás del "remake" de la cinta de 1931 para los estudios Universal y en la que parece contar con Doug Jones, ("El laberinto del fauno", 2006), para encarnar al monstruo.

Fox tiene en marcha su propia actualización de Frankenstein con un guión que ha encargado al hijo del director, actor y productor John Landis, Max, quien colaboró con su padre en la serie "Masters of Horror" (2005).

El monstruo visitará el siglo XXI en "Wake the Dead", cinta basada en las novelas gráficas de Steven Niles, que verá la luz en 2013 y tendrá como cabeza de reparto a Haley Joel Osment ("The Sixth Sense", 1999), quien se pondrá en la piel de un estudiante llamado Victor Franklin que experimenta con cadáveres.

También inspirada en cómics será "I, Frankenstein", del autor Kevin Grevioux, cuyas tramas de vampiros contra hombres lobo fueron llevadas ya al cine en la saga "Underworld".

"I, Frankenstein" correrá a cargo de Lakeshore Entertainment con adaptación y dirección de Stuart Beattie, guionista de la saga "Pirates of the Caribbean", "Australia" o "30 Days of Night", y convertirá a la criatura de Shelley en una especie de superhéroe que tendrá que salvar a la Humanidad de una horda de seres sobrenaturales.

Igualmente, el productor de "X-Men" Ralph Winter encontró material cinematográfico en otra serie literaria titulada "Frankenstein" -incluidas novelas gráficas- escritas por Dean Koontz en forma de "thriller" de asesinos en serie en un moderno Nueva Orleans donde habitan creador y criatura.

No faltarán los relatos que ahondan en los orígenes de Víctor Frankenstein, el personaje de ficción cuyas ambiciones dieron como resultado al monstruo (que popularmente terminó por ser conocido por el apellido de su creador, aunque carecía de nombre en la novela).

En esta línea de precuela son los filmes basados en novelas "The Casebook of Victor Frankenstein" y "This Dark Endeavor: The Apprenticeship of Victor Frankenstein", éste último será realizado por Matt Reeves ("Let Me In").

Las andanzas del monstruo también tendrán cabida en la película de animación de Sony "Hotel Transylvania", un proyecto en el que participan Adam Sandler y Kevin Jones y que revive con humor y en 3D a personajes como Frankenstein, Drácula, Quasimodo o a los hombres lobo.

De la misma forma que vampiros y zombies encontraron cabida con éxito en la televisión con programas como "True Blood" o "The Walking Dead", la cadena estadounidense NBC anunció que prepara una serie sobre el personaje de Mary Shelley con el respaldo de los productores de "House".

Ese canal, del grupo Universal, anunció esta semana que ha dado luz verde también a una nueva versión de "The Munsters", la famosa telecomedia sobre una familia de monstruos de clase media americana que hizo furor en la televisión de los años 60 y tenía como personaje principal a un Frankenstein llamado Herman.

'Delhi Belly' rompe esquemas en Bollywood

2011-07-27T09:01:00.000-07:00

Una comedia juvenil habla de sexo oral abiertamente por primera vez en la industria cinematográfica india

"Detengan esta boda. Ella me ha hecho sexo oral... Y como yo soy un hombre del siglo XXI, también se lo he hecho". Con esta frase irrumpe un descorazonado joven indio llamado Arup en la boda de la que era su novia y que en ese momento se está casando obligada por un arreglo familiar. En la fastuosa ceremonia india surge la conmoción. Esta es una escena de Delhi Belly, producida por Aamir Khan, que está rompiendo esquemas en el cine de Bollywood.

Que se hable de sexo oral abiertamente, y sobre todo del realizado por un hombre a una mujer (en otra escena se hace alusión a que eso mismo pasa bajo las sábanas), es algo que no se había visto en el subcontinente. Pero no solo eso. "Es una película con la que, por primera vez, los jóvenes urbanos indios nos vemos retratados. Somos una minoría, pero está bien que se empiecen a mostrar cosas de nuestra realidad: gente que vive en departamentos compartidos con amigos, que estamos centrados en la carrera y que tenemos más opciones que el matrimonio arreglado", cuenta Sreya Rakshit, una treintañera de Delhi que se dedica a la consultoría de relaciones públicas.

Tras la irrupción del descorazonado Arup en la boda comienza uno de los números musicales de la película: un baile con música disco con el que logra que todos los asistentes queden rendidos a sus pies. Aunque con una letra que no gustaría a las feministas, que traducida del hindi diría algo como "bruja, lárgate de aquí".

El nombre de la película, Delhi Belly, hace referencia a una expresión muy usada en la capital india que alude a las frecuentes diarreas de las que son víctimas los locales y los visitantes. Las escenas con tinte escatológico no faltan.

La historia gira en torno a las aventuras que viven tres compañeros de piso por la confusión en unos paquetes que deben entregar: uno con diamantes que espera un despiadado capo de la mafia, otro con la muestra para el laboratorio de uno de los integrantes del piso que está sufriendo delhi belly. La película, rodada en hinglish (o sea, casi en inglés pero con algunos toques de hindi), está teniendo tanto éxito en India que se habla de ella constantemente. La crítica la ha puesto en muy buen lugar, aunque también ha levantado un aluvión de quejas por sus "insultos explícitos". La productora ha anunciado que se hará una versión más ligera para la televisión.

Gran parte del éxito se debe a su divertido y inteligente guión, que fue escrito hace nueve años por Akshat Verma cuando estudiaba en la Universidad de California. Pero le costó mucho tiempo y muchos borradores lograr que el famosísimo Aamir Khan quisiera rodarla. "Tras muchos rechazos en mi vida, finalmente me he dado cuenta de que el rechazo es bueno... Después de mucho tiempo, en lugar de esconder mis cicatrices, las debo enseñar con orgullo. Un rechazo es el universo escogiendo el desvío en el camino que es bueno para ti", asegura el guionista a la revista india Tehelka.

En las salas de cine la gente no para de reír, ni siquiera en algunas escenas de tortura. Los habitantes de Nueva Delhi también se ríen con ganas al ver cómo un vendedor de comida en la calle se rasca varias partes del cuerpo antes de dar la comida a su cliente. "Somos así. Los indios ya hemos dejado de disculparnos y aceptamos cómo somos realmente. Nos hemos empezado a reír de ello", cuenta Rakshit, que ha crecido en Delhi. 

LIMITLESS

2011-07-26T23:11:00.001-07:00

LIMITLESS (Alliance Films)
El aspirante a escritor Eddie Morra (Bradley Cooper) sufre de bloqueo de escritor crónico, pero su vida da un giro en cuanto un viejo amigo le da a conocer el NZT, un medicamento revolucionario que le permite aprovechar su potencial por completo. Con cada impulso nervioso, Eddie puede recordar absolutamente todo lo que ha leído, visto o escuchado, aprender cualquier idioma en un día, entender ecuaciones complejas y encantar a todo aquel con el que se cruce – siempre que continúe tomando la droga experimental.   Eddie no tardará en conquistar Wall Street, convirtiendo un pequeño capital en millones. Sus hazañas llaman la atención del magnate Carl Von Loon (Robert De Niro), quien le invita a a participar en la fusión corporativa más grande de la historia. Pero Eddie también llama la atención de personas desesperadas por hacerse con un alijo de NZT. Con su vida amenazada y las consecuencias brutales de los efectos secundarios de la droga, Eddie esquiva acosadores misteriosos, un gangster vicioso y una investigación policial intensa, mientras intenta aferrarse a su menguante suministro el tiempo suficiente para zafarse de sus enemigos.

TIFF 2011 abrirá con el documental 'From the Sky Down' de Davis Guggenheim sobre el grupo musical irlandés U2

2011-07-26T22:35:00.001-07:00

El Festival Internacional de Cine de Toronto, más conocido como TIFF, anunció que por primera vez en sus 36 años de historia el certamen abrirá con un documental, 'From the Sky Down', de Davis Guggenheim y centrado en el grupo musical irlandés U2. TIFF, uno de los tres festivales de cine más importantes del mundo y el favorito por los estudios de Hollywood para lanzar sus candidaturas para los premios Óscar, contará este año con uno de los mayores planteles de estrellas.

Dos de los nombres principales de la galaxia cinematográfica, George Clooney y Brad Pitt, tienen asegurada su presencia en el festival, informaron hoy los dos directores de TIFF, Piers Handling y Cameron Bailey. Clooney acude a Toronto con dos películas, '', que dirige y protagoniza junto a Ryan Gosling, Paul Giamatti, Marisa Tomei y Evan Rachel Wood; y 'The Descendants', que protagoniza a las órdenes de Alexander Payne. Por su parte, Brad Pitt acude con 'Moneyball', en la que comparte plano con Jonah Hill, Philip Seymour Hoffman y Robin Wright e interpreta a Billy Beane, el gerente de un equipo de béisbol.

Además, la 36 edición de TIFF ha sido elegida por algunos distribuidores para presentar en Estados Unidos los últimos trabajos de realizadores como Pedro Almodóvar, Francis Ford Coppola, David Cronenberg, Ralph Fiennes, William Friedkin, Ann Hui, Madonna, Steve McQueen, Nanni Moretti, Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud, Lynne Ramsay, Todd Solondz, Morten Tyldum y Lars von Trier, entre otros. "El ámbito internacional y la diversidad de voces en estos programas es impresionante e inspiradora", afirmó el codirector y consejero delegado de TIFF, Piers Handling.

El canadiense David Cronenberg realizará el estreno norteamericano de 'Un método peligroso' (foto), un drama protagonizado por Viggo Mortensen, Keira Knightley, Michael Fassbender y Vincent Cassel situado en la Europa central poco antes de la Primera Guerra Mundial y centrado en figuras históricas como Carl Jung y su mentor Sigmund Freud. Francis Ford Coppola también enseñará por primera vez en Toronto el que será su último experimento, 'Twixt' (foto).

Toronto también es el lugar escogido para presentar el primer filme "serio" de Roland Emmerich, 'Anonymous', que con Rhys Ifans como principal intérprete cuestiona la autoría de muchas de las obras de William Shakespeare. 'Jeff Who Lives at Home' será otra de las primicias de esta edición, comedia protagonizada por Jason Segel, Ed Helms, Judy Greer, y Susan Sarandon que han dirigido los debutantes Mark Duplass y Jay Duplass, también guionistas. Fernando Meirelles será otro de los autores que presenten en sociedad sus últimos trabajos, en este caso '360', drama de fuerte contenido sexual en el que se dejan ver entre otros Rachel Weisz, Anthony Hopkins y Jude Law, del mismo modo que también se presentará 'Ten Year', drama escrito y dirigido por Jamie Linden con un interesante reparto que incluye los nombres de Channing Tatum, Rosario Dawson, Lynn Collins, Kate Mara, Justin Long, Anna Faris, Chris Pine o Anthony Mackie.

El irreductible e incansable cineasta, guionista y productor francés Luc Besson estrenará su último trabajo tras las cámaras, 'The Lady', que cuenta la historia de la activista birmana Aung San Suu Kyi y su marido, mientras que por su parte la actriz y directora canadiense Sarah Polley presentará 'Take This Waltz', una comedia protagonizada por Michelle Williams y Seth Rogen, este último también presente en el reparto de la comedia dramática '50/50', relato autobiográfico de Will Reiser sobre cómo superó un cáncer, personaje real a quien da vida Joseph Gordon-Levitt. Madonna también ha elegido Toronto para realizar el estreno norteamericano de su segundo trabajo como directora, 'W.E.', drama romántico basado en la historia del Rey Eduardo VIII y su amante, Wallis Simpson.

Además, este año el programa 'Ciudad a Ciudad' está dedicado a la capital argentina, Buenos Aires. TIFF anunciará en agosto las películas seleccionadas para este programa, que analiza la vida de ciudades de todo el mundo a través de filmes. Cameron Bailey (foto) ha señalado que el programa presentará al mundo la nueva generación de cineastas argentinos. "El nuevo cine argentino capturó inicialmente la atención de los críticos y audiencias de todo el mundo a finales de la década de los años noventa", señaló Bailey. "Ahora que hemos visto los sólidos trabajos de Lucrecia Martel, Pablo Trapero, Lisandro Alonso y otros llega una nueva generación de cineastas apasionados y admirables que surgen de Buenos Aires. Este año Ciudad a Ciudad presentará una nueva generación de autores a las audiencias en Toronto", añadió Bailey.

TIFF se celebrará este año entre los días 8 al 18 de septiembre.

Cintas de 10 países latinos se medirán en el XV Festival de Cine Lima

2011-07-24T23:41:00.001-07:00

(La vida útil)
Diecinueve cintas de diez países latinoamericanos competirán en la sección oficial de ficción del XV Festival de Cine de Lima, que arranca el próximo 5 de agosto y cuya programación fue presentada en Lima.

Con la vocación de celebrar el aniversario por los quince años, el festival además programará las 14 películas que resultaron ganadoras en ediciones anteriores, junto a varias secciones paralelas que sumarán las 100 películas que se proyectarán en total.

Además, se realizarán cuatro homenajes especiales- a la actriz Geraldine Chaplin, quien además presidirá el jurado oficial de ficción, al actor mexicano Damián Alcázar, alex rector Salomón Lerner y a la Semana de la Crítica de Cannes, que celebra su 50 aniversario.

Entre los invitados también destacan el director argentino Pablo Giorgelli, que presenta en la sección oficial su cinta “Las acacias”, que ganó la Cámara de Oro en el último Festival de Cannes, y el actor argentino Leonardo Sbaraglia, que protagoniza “Sin retorno”, también en la sección oficial".

También pasarán por Lima el director de “La vida de los peces”, el chileno Matías Biza, el realizador español Fernando León de Aranoa y la mexicana Paula Markovitch, directora de “El premio”, que también concursa en la sección oficial.

El presidente del festival, el peruano Edgar Saba, destacó en rueda de prensa la importancia de que lo que nació como un “encuentro latinoamericano de cine” ha adquirido durante sus quince años de historia.

“Desde el inicio decidimos optar más por lo mejor que por lo especial, lo que quizá hace que no seamos muy originales pero permite traer lo mejor del cine latinoamericano y mundial a las salas peruanas”, afirmó Saba.

El esfuerzo realizado por los organizadores durante sus años de existencia por convertir el Festival de Lima en uno de los más importantes de la región se verá también reflejado en esta edición en la entrega del premio Luis Buñuel a la mejor película iberoamericana del año.

Cinco son las candidatas que este año optan al galardón, que otorga la Federación de Iberoamericana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales (FIPCA) desde 2002- La chilena “La vida de los peces”, la venezolana “Hermano”, la mexicana “Infierno”, la española “También la lluvia” y la peruana “Contracorriente".

Además de las secciones oficiales de ficción y documental, donde el festival tiene tradición de ofrecer algunas de las cintas más interesantes del certamen, habrá varias paralelas que permitirán a los limeños disfrutar de una selección del mejor cine del año y varios clásicos.

Entre estas destaca una muestra de cine vasco, donde se proyectarán obras de Víctor Erice, Julio Meden, Imanol Uribe y Aitor Arregi y José María Goenaga; así como la sección “La vuelta al mundo en 8 días” que incluye cintas como la danesa “Un mundo mejor” y la francesa “Carlos".

Los homenajes de Geraldine Chaplin y Damián Alcázar, que realizarán sendas conferencias, también contarán con retrospectivas de sus obras.
(Las acacias)

El Barça ficha a Alexis Sánchez

2011-07-21T14:48:00.001-07:00

El club azulgrana pagará 26 millones más 11,5 de variables al Udinese por el extremo

El Barça ya tiene a su primer fichaje -si no se cuentan los ascensos de Thiago y Fontàs al equipo profesional- de la temporada, a Alexis Sánchez (Tocopilla, Chile; 1988). El club azulgrana, que ha prolongado las conversaciones más de lo esperado por diversos contratiempos, ha confirmado oficialmente la incorporación del rápido y hábil extremo, por el que pagará 26 millones de euros fijos más 11,5 de variables al Udinese.

El acuerdo se cerró definitivamente esta tarde después que el jugador liquidara su contrato con el club italiano. Anteriormente, el agente del futbolista, Feliciano Felicevich, se había reunido con los representantes de la entidad azulgrana, el vicepresidente deportivo, Josep Maria Bartomeu, el director deportivo, Andoni Zubizarreta, y el director de fútbol, Raül Sanllehí, en la planta 18 del Hotel Princesa Sofía de Barcelona.

Ambas partes pactaron que Alexis Sánchez firmará por cinco temporadas. La reunión fue la continuación de la que ayer habían mantenido con éxito ejecutivos de los dos clubes en Barcelona. La llegada del delantero chileno supondrá también la salida de Bojan Krkic al Roma por una cantidad aproximada de 12 millones de euros. "Será todo un placer compartir equipo con Alexis", señaló esta mañana Pedro, que juega en su misma demarcación. "Estamos cerca", avanzó Zubizarreta dos días antes. Ahora, es una realidad; el chileno será presentado el próximo lunes como jugador del Barça.

Days of Glory: Masterworks of Italian Neorealism at TIFF Bell Lightbox

2011-07-21T06:31:00.000-07:00

This long anticipated series surveys one of the most important movements in postwar international cinema: Italian neorealism. A rich mix of classics and rarities, most of them imported from Italy for this presentation, the series features such giants of Italian cinema as Roberto Rossellini, Vittorio De Sica, Luchino Visconti and Pier Paolo Pasolini, and serves as the ideal sidebar to the concurrent series and exhibition dedicated to Federico Fellini; the maestro’s roots were in neorealism, and he worked on several of the films included in this series.

Traditional film history tells us that Italian neorealism emerged at the end of the Second World War, in reaction to the artifice of Mussolini-era historical spectacles and bourgeois “white telephone” movies, and that it emphasized quotidian truth, the revealing of contemporary social conditions. However, few terms are as contentious as neorealism, which ranks with film noir as one of the most disputed in film history. The tenets of neorealism have been variously construed and repudiated over the decades, but suffice it to say that they usually include location shooting and refusal of the studio; the use, when possible, of available or natural light rather than Hollywood’s three-point lighting; non-professional actors representing ordinary, often lower-class characters like themselves; unobtrusive camerawork and editing, with a preference for the long take over montage; and a rejection of traditional narrative in favour of a documentary-like recording of pre-existing reality. However, most of neorealism’s significant works fail to adhere to these essential tenets. Impurities abound: Alberto Lattuada and Giuseppe De Santis mixed neorealism with Hollywood-style noir, De Sica with romantic comedy and fantasy, Visconti with the operatic. Just as Pasolini, Visconti, Fellini and Antonioni variously abandoned or remade neorealism for their own purposes; Rassellini chafed in his assigned role as father of the movement and hastily vacated it, his films increasingly “contaminating” realism with melodrama, expressionism, poetry, abstraction, didacticism, spirituality and artifice.
That the nature of neorealism is still passionately debated indicates the movement’s enduring legacy, its immense importance, reach and influence. More aware than previous generations of naive assumptions of neorealism, each recent director takes something different from its lessons — an observational camera style, the use of non-professional actors and actual settings, a materialist approach to capturing everyday reality, an unassuming or austere visual style — but the original anti-escapist impulse of neorealism and its adherence to the stories of the outsider and the oppressed remain pre-eminent. The last two decades have seen successive resurgences of neorealism in Iranian cinema, countless films from Asia and Latin America, and in such recent independent American works as Wendy and Lucy, Ballast and Goodbye Solo. Its days of glory continue.

Running from July 28 to August 28, Days of Glory: Masterworks of Italian Neorealism, launches with Bicycle Thieves (De Sica, 1948) one of the most influential films of postwar cinema, and includes such notables as Visconti’s epic La Terra Trema (1951), a restored print of Rome, Open City (Rossellini, 1945) and a restored print of Pasolini’s debut Accattone (1961). On August 5 at 6:30 p.m., prior to the screening of Il Posto, Frank Burke, noted Italian film scholar and Professor with the Queen’s University Film and Media Studies Department, will offer an introduction to Italian neorealism, a key cinematic movement that served as an inspiration for the French Nouvelle Vague and other “new waves” from across Asia, the Middle East, Latin America and recent American independent cinema. Its days of glory continue.

CIRCO

2011-07-21T06:20:00.000-07:00

El cineasta neoyorquino Aaron Schock ha realizado un bello documental que se estrena en Toronto.
Mientras se encontraba investigando sobre unos agricultores de maíz en México, para un posible filme, Schock se topó con el Gran Circo México, y a los protagonistas de su primer filme: la familia Ponce. En Circo, se presenta el deterioro de una familia por una tradición laboral de data de generaciones y que busca ajustarse a los cambios del México rural.

En lo que pareciera un estudio sobre como un circo puede sobrevivir en tan precarias condiciones, y cuyas funciones dependen de 10 integrantes nómadas de los Ponce —cinco de ellos niños—, Schock se concentra en la dinámica familiar. “En las buenas y en las malas, siempre el Circo”, dice Tino, el entusiasta maestro de ceremonias, quien se rehúsa a abandonar la profesión circense. Para él representa no solo el futuro, sino la la carrera que deberán llevar sus cuatro hijos. Como brazo derecho de su padre, quien se encarga de las finanzas y la taquilla, es su responsabilidad de continuar la tradición que viene desde el siglo XIX. Su esposa, no piensa igual.

Las miradas de asombro y sonrisas que siguen cautivando a los lugareños, persisten con algunas de las principales atracciones —la cuerda floja, el globo de la muerte, los leones y los acróbatas— pero no es suficiente para la sobrevivencia del Gran Circo México. Ante la crisis económica y el escaso público, salen a flote problemas de explotación, analfabetismo y trabajo infantil, además de su vínculo con la religión y del abandono de algunos miembros del circo.
Circo es un retrato íntimo y apasionante que examina los vínculos familiares de un México rural que debe adaptarse a los nuevos tiempos.

MANNIX THE FIFTH SEASON

2011-07-19T23:01:00.000-07:00

MANNIX THE FIFTH SEASON (Paramount Home Video)
MANNIX, the action-packed detective drama about a tough and cynical private investigator stars Golden Globe winner Mike Connors stars as the title character. Mannix is a hard-boiled and gritty detective who constantly defies rules and regulations and is able to take a flurry of fist fights, high-speed car chases and bullet wounds in stride.

DYNASTY THE FIFTH SEASON VOL. 1 and 2

2011-07-19T23:00:00.000-07:00

DYNASTY THE FIFTH SEASON VOL. 1 and 2 (Paramount Home Video)
Los Carrington son una acaudalada familia de Denver que se dedica a la explotación petrolífera. Sus vidas giran en torno al poder, los celos y toda clase de intrigas. Viven constantemente enfrentados con los Colby, otro ambicioso clan con el que compiten en el mundo de los negocios del petróleo. Esta recordada serie incluye 5 discos. Con John Forsythe, Linda Evans, Joan Collins, Pamela Sue Martin.

MELROSE PLACE 6 SEASON VOL. 2

2011-07-19T22:59:00.000-07:00

MELROSE PLACE 6 SEASON VOL. 2 (Paramount Home Video)
Melrose Place retrata la vida de un grupo de jóvenes guapos y sanos, de entre veinte y treinta años que, tras su etapa como estudiantes, comienzan a afrontar las dificultades del mundo profesional en la competitiva ciudad de Los Ángeles, California. Billy, Amanda, Jo, Michael, Megan, Craig, Taylor y Samantha, entre otros, protagonizan las pasiones encendidas, las ambiciones laborales y las traiciones amorosas mientras comparten juntos un mismo bloque de apartamentos (llamado Melrose Place). Todos llegaron con buenos sentimientos a la conquista de sus sueños, pero poco a poco el poder, el dinero y el deseo irán corrompiendo a.... ¿Todos? Una famosa serie nacida a la sombra de la popular "Beverly Hills 90210", del mismo productor (Aaron Spelling) pero ésta enfocada más al público adolescente.
Esta sexta temporada incluye 12 episodios emitidos en 1998.

Bielsa sorprende a los españoles con sus hábitos

2011-07-19T09:51:00.000-07:00

Para los medios ibéricos, las costumbres del flamante DT de Athletic de Bilbao, como, por ejemplo, ir a pie hasta el lugar de entrenamiento, "permiten trazar los primeros contornos de un perfil curioso y un tanto desapegado de los clichés futbolísticos"

El argentino Marcelo Bielsa, flamante director técnico de Athletic de Bilbao, sorprende a los españoles con sus hábitos como, por ejemplo, ir a pie hasta el lugar de entrenamiento y llegar una vez comenzada las práctica.

El diario El Correo de Bilbao tituló hoy una nota como "El Loco, una rutina muy particular", al comentar que el argentino prefiere cubrir a pie la distancia que separa el hotel de Oliva del campo de entrenamiento donde Athletic de Bilbao realiza la pretemporada, caminando por algo mas de un kilómetro.

Bielsa ya sorprendía en la Argentina cuando era técnico del seleccionado albiceleste y cumplía sesiones de trote por el predio que la AFA posee en Ezeiza, una vez que finalizaban los entrenamientos de los jugadores.

El diario vasco señaló que Bielsa "empieza a dejar pinceladas de sus costumbres fuera de los terrenos de juego. Todavía son escasas, pero permiten trazar los primeros contornos de un perfil curioso y un tanto desapegado de los clichés futbolísticos".

Se dijo también que los jugadores del equipo rojiblanco resaltan el alto nivel de coordinación del equipo de trabajo de Bielsa y revelan que todo está medido hasta el más mínimo detalle. Ellos empiezan -estiramientos, calentamiento- y él se incorpora a las prácticas poco después para arrancar a toda velocidad.

El periódico destacó también que Bielsa "atiende con amabilidad a los aficionados que se le acercan y no tiene ningún inconveniente en firmar autógrafos hasta que se le duerma la mano".

Athletic de Bilbao debutará en la primera fecha de la liga española ante Real Madrid, en el estadio Santiago Bernabéu.

The Corner: Un blues en cada esquina

2011-07-18T07:30:00.000-07:00

Con The Wire, David Simon y Ed Burns retrataron de la manera más real posible las calles del Baltimore más crudo. Las aceras y entresijos de los barrios bajos en una ciudad de mayoría negra y con una tasa de paro tan criminal como el número de asesinatos que hay cada año: entre 250 y 300, según la policía de la ciudad (en 2010 hubo un récord positivo, por llamarlo de alguna manera, y el número de víctimas mortales descendió a 223, el menor en dos décadas). The Wire (2002-2008), producida por HBO, tuvo cinco temporadas en las que se explicaba el mundo de la droga desde varios puntos de vista: los camellos y sus jefes, los drogadictos, la policía (la que intenta hacer el bien, la corrupta, la pasota, la ignorante...), los políticos, la prensa y las familias –muchas de ellas en paro- que habitan estos barrios. La serie tiene un doble orígen. Primero, el libro que Simon (reportero de The Baltimore Sun) y Burns (detective de homicidios en la ciudad) escribieron y publicaron en 1997, The Corner: A Year in the Life of an Inner-City Neighborhood, después de tres años de documentación y de convivencia con la gente de uno de estos barrios conflictivos. Y segundo, The Corner, la adaptación a miniserie (de seis capítulos) del libro, y que realmente sirve de prefacio a The Wire. Una pequeña joya.

The Corner se centra en una familia destrozada por la droga que vive en uno de estos barrios. Durante seis episodios sigue, a modo de falso documental por momentos, las vidas de Gary y Fran y su hijo adolescente DeAndre. El libro contaba historias reales y de hecho, los verdaderos protagonistas hacen cameos en la serie y aparecen fotografías suyas en los títulos de créditos del final de cada capítulo.

Gary y Fran tuvieron su momento de gloria: una buena casa, una posición social alta, trabajos. La droga (en la serie se va contando con flashbacks poco a poco la caída al infierno) les separa y les hunde. Gary, adicto a la heroína, y con un corazón quizá demasiado blando, vaga por las calles, buscando de donde sacar dólares para el siguiente chute (un Bubbles como el de The Wire). Fran, más dura, adicta a esnifar cocaína y heroína, vive en su propio mundo contradictorio. Le pide a su hijo, DeAndre, que no trafique con drogas, pero no puede evitar ser drogadicta.
Es en las esquinas, en los cruces de las avenidas con las calles donde se hace toda la vida en estos barrios. Es el lugar donde enterarse de los cotilleos, donde está la tienda para comprar cigarrillos (de uno en uno, para evitar gorrones) y donde se ponen los vendedores de droga a ofrecer sus dosis, sus pastillas, sus gramos... Por esas esquinas pasan los niños y los vecinos que una vez vieron como su barrio era tranquilo. Pero están ocupadas por delincuentes, policías que redada tras redada parecen no evitar nada, drogadictos que viven una vida en bucle, sin salida. La esperanza es escasa y el final de todo ronda a diario en la forma de asesinato o de una muerte lenta, con alguna droga consumiendo la sangre, la vida. Esta forma de vivir, de incertidumbre y sin perspectiva es en ocasiones porque no se conoce otra cosa, otro modo de vida, o quizá porque es algo olvidado hace tiempo... The corner es la mejor introducción posible a The Wire, el lado más humano de lo que está por venir. Es un blues melancólico en cada esquina, en cada baldosa, en todas sus calles. Como se dice en la serie, la esquina se lo lleva todo, no devuelve nada, y siempre quiere más.

DAMAGES THE THIRD SEASON

2011-07-14T23:16:00.001-07:00

DAMAGES THE THIRD SEASON (Sony Home Video)
Patty Hewes (Glenn Close) vuelve a la acción abordando el caso más desafiante de su ilustre carrera. Gracias a la victoria decisiva de Patty sobre el corrupto director ejecutivo Arthur Frobisher (Ted Danson) en la temporada 1 y su aniquilación de Ultima National Resources en la Temporada 2, recientemente el gobierno de Estados Unidos ha nombrado a Patty para recuperar billones de dólares en activos robados en el más grande fraude de inversión de la historia de los Estados Unidos, un fraude perpetrado por el respetado financista Louis Tobin.

Inspirado por los hechos recientes del colapso económico mundial, la Temporada 3 de Damages nos presenta un thriller legal mientras Patty Hewes enfrenta a la familia Tobin - un reservado clan determinado en proteger sus intereses a toda costa. Los miembros de la familia Tobin han sostenido su completa y total inocencia. Aseguran no saber nada sobre el fraude de Louis Tobin. Pero Patty Hewes cree lo contrario y no se detendrá ante nada para provarlo. Patty y su leal subalterno Tom Shayes (Tate Donovan) batallan contra el abogado de confianza de la familia Tobin, Leonard Winstone (Martin Short), contra el hijo Joe Tobin (Campbell Scott), y la esposa de Louis Tobin, Marilyn (Lily Tomlin).

La Temporada 3 plantea un escenario en el cual Patty Hewes finalmente encontrará su igual en engaño, manipulación e intimidación.

Ellen Parsons (Rose Byrne) está rápidamente escalando jerarquías legales en su nuevo trabajo. Pero la vida para Ellen se vuelve mucho más complicada cuando su nuevo jefe comienza a investigar el caso Tobin. Ellen se da cuenta que podría no haber escapado de Patty Hewes después de todo. Y la temporada 3 explora los lazos, secretos y mentiras que unen a Ellen Parsons con Patty Hewes.

RANGO

2011-07-14T22:35:00.000-07:00

RANGO (Paramount Home Video)
Film de animación de Gore Verbinski, el director de "Piratas del Caribe", con las voces originales de Johnny Depp (Rango), Abigail Breslin, Isla Fisher y Bill Nighy.
El actor Rango es un solitario camaleón que vive en la inmensidad del desierto Mojave. Quiere ser un representante de la ley en un sediento pueblo llamado Dirt, pero enseguida se da cuenta de que hay una gran diferencia entre actuar y vivir la vida real, así que no tiene más remedio que enfrentarse a algunos aspectos de su identidad y aprender el significado y el valor de la amistad. Su misión consistirá en descubrir la conspiración que está detrás de la desaparición del agua en el pueblo.
Rango es una de las más extrañas y fascinantes producciones de animación digital surgidas al margen de Pixar.

Al Pacino interpreta a Phil Spector en la biopic dirigida por David Mamet para HBO

2011-07-12T23:31:00.000-07:00

El diario The New York Post publicó la primera imagen de Al Pacino como el legendario y muy polémico productor musical Phil Spector en la biopic escrita y dirigida por el gran David Mamet para HBO. El film no se centrará en su carrera musical (con su revolucionaria técnica conocida como Wall of Sound) que le permitió trabajar con los Beatles en Let it Be o consagrar a The Crystals o The Ronettes sino en la relación con sus abogados (Bette Midler y Jeffrey Tambor) durante el juicio que se le siguió en 2007 por el asesinato de la actriz y modelo Lana Clarkson y que terminó con una sentencia a 19 años de prisión.

The Films of John Cassavetes, el padre del cine independiente norteamericano en Tiff BellLightbox

2011-07-11T12:25:00.000-07:00

El gran interés que siempre suscita el cine de John Cassavetes esta plasmado en esta retrospectiva de toda su obra, en las que trabajó como director y actor y que nos presenta desde el 14 de Julio Tiff BellLightbox.

Este programa contará con la presencia de Gena Rowlands, su mujer y actriz, que participó y aportó su talento en casi todos los filmes de su marido. Gena Rowlands compartirá sus experiencias y presentará A Woman Under the Influence el jueves 14 a las 6.30pm.

La obra de Cassavetes llevó una nueva propuesta cinematográfica que se centró en una búsqueda desesperada por un cine que mostrase la verdad, trabajando con una integridad casi enfermiza y sin concesiones, que convierte a sus películas en auténticos ejercicios de exploración de la naturaleza humana rodadas con un realismo desgarrador.

Tomando esta declaración de principios como punto de partida, Cassavetes puso todo su esfuerzo y energía en poder dirigir sus filmes de la manera más independiente posible. Una de ellas fue la de mantener una carrera de actor paralelamente, que le llevó a trabajar en algunas producciones de Hollywood como Rosemary’s Baby y The Dirty Dozen, con el único propósito de poder financiar su próxima producción independiente.

En este sentido, su primera producción, Shadows (1957-59), se convirtió en un icono para el cine alternativo americano del momento al presentar un modelo tan innovador como atrevido en el que utilizó un nuevo tipo de cámara, la más ligera y de fácil uso de 16 milímetros. El uso de este nuevo equipo le permitió llevar a cabo su objetivo principal, que era explorar el trabajo de los actores al darles más libertad de movimiento y espontaneidad, que era lo que Cassavetes quería.

Animado por el éxito que consiguió con Shadows, el cineasta se acercó a Hollywood y, tras un breve intento fallido de integrarse en la gran industria al dirigir Too late blues y A Child is Waiting, Cassavetes volvió a sus raíces independientes con la magnífica película sobre la infidelidad conyugal Faces, protagonizada por su mujer, la actriz Gena Rowlands.Faces era un retrato tan desgarrador y honesto de inercia emocional, que todo el mundo asumió que se trataba de un puro trabajo de improvisación, al igual que Shadows. Cuando en realidad cada palabra del diálogo estaba perfectamente escrita y detallada en el guión, aclarando uno de los mitos que giran alrededor de Cassavetes respecto a la falsa creencia de que todos sus diálogos eran improvisados.

Cassavetes fue un hombre que se adelantó a su tiempo, sus observaciones sobre la vida, el arte y la dificil situación del cine independiente neoyorquino fueron a menudo iconoclastas y provocadoras. Sometido a los mismos conflictos y retos que sus personajes, Casavetes luchó por mantener viva su libertad de expresión y su independencia. Su filmografía está llena de personajes que se encuentran allí donde chocan sus propios ideales, sus ilusiones, con el mundo que les rodea, la familia, la sociedad, el trabajo y la cultura. Siempre parte de estos seres, para crear un mundo de sentimientos dentro de la realidad, importándoles más el contenido de los diálogos y su comportamiento que la técnica.

Cassavetes fabricó una gran escuela con todos estos elementos, esencialmente sus películas estaban armadas sobre la base de grandes improvisaciones. La música tuvo un lugar bastante importante en sus filmes, que por lo general se trataba de ritmos que provenían de la cultura negra: Jazz, Beebop, Cool y Blues, elementos similares y revolucionarios que le daban un cierto toque de misticismo e intelectualidad, y los emparenta con la misma libertad con la que es tocada esa música a partir de improvisaciones.

Las temáticas de sus películas abarcan todas las frustraciones, errores y rupturas sociales que implican al ciudadano promedio de los Estados Unidos de la década del 60s, desde el racismo, hasta la ruptura familiar, los miedos, las insatisfacciones personales, pero vista desde un gran toque interno y expresada, a pesar de la intelectualidad, desde lo más visceral.

La normalidad, el establishment o el "american way of life" siempre fue manifiestamente criticado por Cassavetes desde atrás de la cámara, pero lo más irónico es que, esa apreciación estaba enfocada desde los lugares más marginales y relegados de toda esa sociedad.

La herencia de John Cassavetes a nivel del cine independiente es tan vasta como el cine independiente en sí mismo, y lo más sutil y bello es que hay una diferencia abismal con sus contemporáneos que lo convierte en casi, irrepetible.

Un lugar especial de la muestra merece la fantástica Gena Rowlands. Tanto en Minnie and Moskowitz como en A Woman Under the Influence, nos ofrece una interpretación extraordinaria y conmovedora cuyo punto culminante, sin duda alguna, llega en A Woman Under the Influence, donde encarna a una mujer de clase media que sufre una crisis mental bajo la impotencia e incapacidad de reacción de su marido.

En el apartado de la retrospectiva sobre las películas que Cassavetes dirigió, el programa se inicia con Shadows (1959), a la que le siguieron dos trabajos que no tuvieron gran éxito, Too late blues (1961) y A Child is Waiting (1962). Tras esta frustrante experiencia en Hollywood, Cassavetes decidió regresar al cine independiente con Faces (1968), Husbands (1970), Minnie and Moskowitz (1971), A Woman Under the Influence (1974), The killing of a Chinese Bookie (1978), Opening Night (1977), Gloria (1980) y Love Streams (1984). Los filmes en los que John Cassavetes actuó y que podremos ver en la retrospectiva incluyen The Dirty Dozen (Robert Aldrich, 1967), Rosemary’s Baby, (Roman Polanski, 1968) y Mikey and Nicky (Elaine May, 1982).

THE TREE

2011-07-08T07:08:00.000-07:00

Género: Drama
Nacionalidad: Francia, Australia
Año: 2010
Director: Julie Bertucelli
Guión: Julie Bertucelli
Reparto: Charlotte Gainsbourg, Morgana Davies, Marton Csokas, Aden Young, Penne Hackforth-Jones, Gillian Jones, Arthur Dignam, Tom Russell, Christian Bayers, Tom Russell, Zoe Boe

La realizadora francesa Julie Bertuccelli ha rodado en Australia con Charlotte Gainsbourg esta sensible obra que fue muy bien acogida como clausura de la edición 2010 del Festival de Cannes

La cinta, conmovedora sin ostentación, relata el proceso de luto de una mujer (interpretada por una excelente Charlotte Gainsbourg) y sus hijos durante el año siguiente a la muerte súbita de su marido, y teje delicadamente el vínculo entre la reconstrucción del ser humano y la fuerza de la naturaleza representada por una higuera gigantesca en el centro de una Australia salvaje.

Desde hace quince años, Dawn (Charlotte Gainsbourg) vive con su marido Peter y sus cuatro hijos (de cuatro a diecisiete años) en una casa situada en el centro de un espléndido paisaje donde se pierde la mirada. Pero Peter muere de una crisis cardíaca ante los ojos de sus seres queridos, al volante del coche familiar y justo bajo la higuera que linda con la casa. Dawn, vacía psicológicamente y dejando la responsabilidad del hogar a sus hijos, vive un luto muy doloroso. Por su parte, Simone, de ocho años, hace frente a la desaparición de su padre convenciéndose que los murmullos que oye en la higuera significan que el ausente se reencarnó en el árbol. Confía esta convicción a su madre (“es nuestro secreto”) que se deja también poco a poco atraer por la higuera. Los dos comienzan a hablar al árbol, aliviándo así su tristeza. “Se puede elegir entre entre la felicidad o la tristeza. Yo elegí ser feliz”, explica Simone (Morgana Davies) a su mejor amiga.

Poco a poco, Dawn vuelve a la vida normal, encuentra un trabajo como asistente y mantiene una relación con su jefe George. Sin embargo, el árbol ocupa cada vez más importancia, tanto físicamente (sus raíces amenazan las fundaciones de la casa y la cisterna) como psicológicamente (Simone se niega a bajar del árbol y rechaza la idea de un nuevo hombre en la vida de su madre). Pero los poderes de resurrección del ser humano (“Estamos tristes pero debemos aprender a superar el dolor”) y la fuerza de la Naturaleza a hacer borrón y cuenta nueva, ayudará a la familia a recomenzar.

Con este segundo largometraje adaptado de la novela Our Father Who Art in the Tree, de Judy Pascoe, Julie Bertuccelli confirma su talento. Precisamente en Cannes debutó en 2003 Depuis qu’Otar est parti, con la cual obtuvo el Gran Premio de la Semana de la Crítica. A través de la acertada descripción de los pequeños detalles de la vida cotidiana de la familia, The Tree brinda un bello retrato femenino en el cual destaca la capacidad interpretativa de Charlotte Gainsbourg y una película invadida por la belleza majestuosa y regeneradora de la Naturaleza.

Masks and Faces: The Films of John Cassavetes at TIFF Bell Lightbox

2011-07-08T06:49:00.000-07:00

Now firmly entrenched in film history as the ―father of American independent cinema, John Cassavetes was in his day one of the most controversial, even reviled figures in American film, regularly lambasted by both the Hollywood establishment and the mainstream press. After attaining considerable success as an actor in studio films, Cassavetes bit the hand that fed him by decrying the falsity of typical Hollywood product and declaring the need for a new, freer cinema to replace it. ―Ideally, I guess the only happy way to make a film is to use your own money, he said at the time. ―Maybe that’s what I’ll do!

Favoring characterization over plot, mood over structured dialogue, dramatic immediacy over technical polish, Cassavetes asked his actors to dig deeper, to peel away the surfaces of their characters and reveal the tender truths of the person underneath.
Often shooting in his own house, with friends and family frequently cast in small or large roles, his fiercely independent films introduced the world to a new type of filmmaking, one that resisted classification not because it was evasive or ambiguous, but because it was so startlingly direct: a rawer, truer vision of contemporary American life achieved by a radically new conception of film art.
Cassavetes dedication to his craft and his pioneering commitment to making emotionally honest films outside the studio system, inspired both his contemporaries in the US and Europe, as well as a whole generation of film artists that would emerge and define the American independent film movement of the 1970s onward including such major contemporary directors as his friend Martin Scorsese, Sean Penn, and Paul Thomas Anderson. Like many great filmmakers—Fassbinder, Godard, Pasolini—Cassavetes offers a reflection of his society in response to this grand illusion, a portrait of America suffocating its people with glossy dreams and illusions of happiness.

Running from July 14 to July 31, Masks and Faces: The Films of John Cassavetes, the first retrospective in Toronto in 20 years, presents all of Cassavetes’ films as director (with the exception of his disavowed final film Big Trouble) and three of his most memorable performances in films by other directors – Rosermary’s Baby (Polanski, 1968), The Dirty Dozen (Aldrich, 1967), and Mikey and Nicky (May, 1976).
Two-time Academy Award nominee Gena Rowlands, John Cassavetes widow and frequent star, will make three in person appearances to launch the retrospective: On Thursday, July 14 at 6:30 p.m. she will speak about their legendary collaboration during an In Conversation With..., she will return later that evening to introduce her Academy-Award- nominated performance in A Woman Under the Influence (1974) at 8:45 p.m., and then on Friday, July 15 at 6:30 p.m. she will introduce Cassavetes second feature, Faces (1968).

VUELVE MARCELO BIELSA!

2011-07-07T18:36:00.000-07:00

"Josu, 'contá' conmigo"

Suena el teléfono. Son las 12 de la noche, hora española. "Josu, soy Marcelo", dice Bielsa. "¿Qué tal?", responde Urrutia. El ahora presidente del Athletic se prepara para una larga charla, "porque con Marcelo las charlas siempre son largas". El técnico argentino se pensaba la oferta realizada por el entonces candidato. "Hablamos y hablamos", recuerda Urrutia, "y de pronto me dice si me parece que Aurtenetxe es más lateral o central. A la una de la mañana, de golpe y porrazo". "Mire usted, yo estoy dándole vueltas al ofrecimiento y tengo un asunto que para mí es vital", comenta Bielsa. A Urrutia le tiembla el teléfono. Algún problema de última hora, piensa. "Yo quería pedirle un favor importantísimo para mí... Usted, por favor, ¿podría darme un par de días más para decidir?". Respira el candidato. "Claro, lo importante es que tú lo tengas claro", responde Urrutia.

Suena el teléfono otra vez. "Josu, soy Marcelo. Mira, creo que estoy anclado en la parálisis por análisis. Así que se acabó. Acepto, contá conmigo". Ahí empezó todo. Urrutia respiró aliviado. No era una baza electoral, sino argumental. El excentrocampista del Athletic siempre creyó que un técnico argentino hubiera venido bien para el Athletic en alguna fase de su trayectoria. Siempre lamentó que ningún argentino le entrenara. Ahora, como presidente, cumplirá esa sensación de que con Bielsa, en este caso, el Athletic puede dar "un paso adelante".

Será el retorno de El Loco a la Liga española, que apenas pisó en una turbulenta relación con el Espanyol: seis partidos en la temporada 1998-99. Fue su única experiencia en Europa. "Eso es verdad. No voy a negar mi currículo, pero también sé que he desarrollado durante 15 años una metodología para estudiar al rival y me he dado cuenta de que todo tiene un límite".

Bielsa, de 55 años, dio su palabra y la cumplió a pesar de las ofertas que llegaron del Inter y de la selección de Estados Unidos, entre otras. Le ilusionaba la idea de entrenar a un equipo "donde el compromiso está asegurado". "San Mamés resuena de forma significativa", explica. El Loco se puso a trabajar, buscó vídeos, analizó estadísticas, nombres, sistemas, "hasta la fisonomía". "Para que cuando me den la mano sepa de quién se trata", asegura. Estudió también al segundo equipo, a los jugadores cedidos y a los posibles refuerzos. "Contá conmigo", dijo rotundo, quizás recordando los tiempos de Newell's Old Boys, "un equipo similar en su filosofía al Athletic, por cuanto también defendía y se nutría de su cantera", y al que hizo campeón de la Liga argentina durante dos años.

A esa cantera, Marcelo Bielsa se entregó en cuerpo y alma, acompañado en primera instancia por Grifa, el principal cazatalentos del fútbol argentino. Bielsa, en su pasión, cuadriculó Argentina en algo parecido a comarcas y fue informándose de los talentos juveniles. Utilizaba los puestos de correos para informarse sobre los entendidos del fútbol, a los que fue visitando uno por uno para que le hablaran de posibles talentos. Ahí se forjó El Loco, ahí encontró a Pochettino en una historia surrealista, ahí conoció la Argentina profunda, ahí se forjó el Newell's campeón. Ahora Bilbao le atrae con la confianza de que el juego sea el trámite para forjar la ilusión, con la confianza en los veteranos comprometidos y en los jóvenes atrevidos. Para el exseleccionador de Argentina y de Chile será su gran desafío.

DAS BOOT

2011-07-06T11:20:00.000-07:00

DAS BOOT (Sony Home Video)
Un submarino alemán de la Segunda Guerra Mundial es el escenario en el que un grupo de jóvenes soldados, dispuesto a defender su patria, tendrá que someterse a una dura convivencia, tras descubrir que han sido enviados a realizar una misión probablemente suicida.
El director alemán Wolfgang Petersen bucea en las angustias de unos soldados alemanes encerrados en un submarino durante la II Guerra Mundial. Una magistral, tensa y claustrofóbica película que arrasó en la taquilla alemana, consiguió 6 nominaciones a los Oscar y ofreció a su director un pasaporte directo a Hollywood. El espectador sufre ante la incertidumbre del destino de una tripulación que poco importa que esté del bando "enemigo". Por último, señalar que el film menos "alemán" de los ochenta sigue siendo el mayor éxito del cine alemán de las últimas décadas.

Material adicional (extras)
`Wolfgan Petersen - Volviendo al submarino - Documental
`Profundizando más
· Historia del rodaje con Maria Petersen
· El submarino perfecto
· Visita guiada del capitán - El interior del Submarino
`1981 Cómo se hizo
`·La Batalla del Atlántico

ENTREVISTA: CARLOS SALVADOR BILARDO Coordinador técnico de la federación argentina

2011-07-06T11:05:00.000-07:00

"Ya no hay códigos, ni en el fútbol ni en la vida"

Carlos Salvador Bilardo (Buenos Aires, 1939) jugó de medio en el San Lorenzo de Almagro y en el Club Deportivo Español (club argentino), y vivió sus mejores años entre 1965 y 1970 en el histórico Estudiantes de La Plata dirigido por Osvaldo Zubeldia que ganó el Metropolitano, tres Copas Libertadores y la Intercontinental. Como segundo del mítico entrenador argentino, comenzó una larga carrera como técnico, en la que alcanzó la gloria con el Mundial que ganó Argentina en 1986 de la mano de Maradona. Al lado del 10, vivió también los temblores del pasado Mundial de Sudáfrica. Trabajador incansable, Bilardo es desde 2008 el coordinador técnico de la federación argentina. A los 72 años, niega que en su ideario todo fuera válido para ganar.

Pregunta. ¿Cómo cambió su visión del fútbol en su carrera?

Respuesta. Cambió el fútbol, no la visión, pero lo vives distinto porque lo piensas distinto. Ni siquiera piensa igual un futbolista de ahora que uno de antes. Salvo en la plata. En eso siempre pensaron, los de antes y los de ahora.

P. ¿Siguen vigentes en el fútbol actual los códigos que aprendió como jugador?

R. No, ahora ya no hay códigos en nada, ni en el fútbol ni en la vida. Antes usted daba la mano y decía: "Te vendo el departamento: trato hecho". Eso bastaba. Ahora tienes que ir con un abogado y ni siquiera el documento sirve.

P. ¿Reconoce a los futbolistas de ahora en aquellos con los que usted compartió vestuario?

R. Lo que menos ha cambiado es el jugador, pero el fútbol es distinto. Bueno, la táctica no ha cambiado mucho. La mentalidad del jugador cambió menos que la táctica, y la táctica cambió poco. Hay 10 tácticas entre 1900 y 1986. Pero la táctica es solo elegir cómo dispones a los jugadores en el campo y al final siempre dependes de ellos. Eso es como los caballos. Tú sabes que hay caballos que arrastran de un carro para que les den de comer. A los de carreras les miman, les cuidan, los limpian y les dan de comer dos veces al día. Esto es lo mismo: hay chicos que juegan en la calle y estos que tenemos aquí, que son la élite. Ganas la carrera si tienes al bueno. Dependes del jugador. Cuanto más técnico sea, cuanta más calidad tenga... Yo siempre supe que al jugador le ayudas, pero es él quien gana. El entrenador tiene su importancia o no ganaría lo que gana. ¿Y sabe por qué?

P. ¿Por qué?

R. Porque el técnico decide por todos. Y para saber si un técnico es bueno, hay que ver qué jugadores adquirió, a quién dejó ir, cómo salió en los campeonatos... Ahí sabes si es bueno o no.

P. ¿Usted fue mejor futbolista o mejor entrenador?

R. Como jugador tuve suerte, pero hice muchos sacrificios: jugaba al fútbol y estudiaba Medicina. Yo jugué en un equipo que ganó tres Copas de América, una Intercontinental contra el Manchester y otras de acá. Y lo hice estudiando y terminé la carrera. Era mucho más divertido ser jugador porque pensabas por uno. Siendo DT [director técnico] piensas por 40. Es otro compromiso.

P. Messi, como persona, ¿le recuerda a algún futbolista que haya conocido?

R. No, es un tipo calladito, es muy especial. Yo creo que Messi no se dio cuenta de lo que es, de lo que representa. Vamos a Japón, a Sudáfrica, a Catar y es ¡Messi, Messi, Messi! Pero es un chico muy modesto, muy tranquilo, muy bueno, de familia. Por eso los compañeros le quieren tanto, porque él no se siente más que nadie. Por eso, cuando mete un gol, siempre le abrazan todos.

P. En eso, ¿es comparable a lo que fue Maradona?

R. No, es más. Por la televisión. A Messi le han visto jugar en todos sitios. A Maradona, no. Por ejemplo, en la época de Di Stéfano no lo veíamos ni aquí.

P. ¿Don Alfredo fue el mejor?

R. De lo que yo vi, sin duda. En el 59 con San Lorenzo, jugué contra él, con el Madrid, en la cancha de River. Bueno, yo le vi desde el banco. No me lo podía creer. Nunca vi nada igual. La agarraba en un arco, la metía en el otro. Corría, corría y jugaba bien. Dejaba la sangre. Él lo dijo: "El jugador debe dejar la sangre en el campo". Y él lo hacía. La cancha era suya. Luego vinieron Pelé, Maradona, Cruyff, que rompió todos los moldes.... Ahora es Messi, muy arriba... y nadie más. Pero no lo digo yo, ni vosotros los periodistas... no, lo dicen los jugadores. El futbolista siempre sabe quién es el bueno y del bueno, el mejor. Y Messi, con mucha diferencia, es el mejor de todos.

P. ¿Por qué en Argentina se cuestiona tanto a Messi?

R. Porque es el mejor y todo el mundo habla del mejor.

P. Hay quien da por seguro que a Messi ya le hubieran lesionado en aquel fútbol que no se veía por la tele. ¿Es así?

R. No. A Messi le pegan mucho, pero no dice nada, se levanta y la pide otra vez. Antes no había cámaras, luego hubo dos. Ahora hay 40. Pero las patadas a Lio se las dan igual.

P. Aquel Independiente suyo tenía fama de ser muy duro...

R. No, eso fue una mala fama porque no convenía que ganáramos. Éramos intrusos. El fútbol era de Boca y de River, y llegamos nosotros y no nos querían porque no éramos negocio para nadie. En El Gráfico no salíamos en la tapa nunca, una vez al año, en los diarios... Ni bolilla nos daban. ¿No vio usted lo que pasó esta vez? River se fue a la B y Vélez salió campeón. ¿De quién hablan? De River. Nosotros lo entendíamos, pero no que se nos criticara por meter goles de laboratorio: sacábamos al primer palo, la peinábamos al segundo, remate y gol. No sirve, decían. Estudiábamos a los rivales. En el Manchester-Benfica, en el 65, cuando salió campeón el Manchester, con Nobby Stiles, Best, Charlton... grabamos el partido en un aparato de aquellos con dos cintas redondas. Ahora eso lo hace todo el mundo, pero en aquella época estaba mal visto.

P. ¿Quién ha sido el mejor entrenador que ha visto?

R. Para mí, el mejor todavía sigue siendo Zubeldia. Y lleva 20 años muerto. Lo pensaba todo: el tiro libre corto, la jugada de laboratorio, si había que marcar hombre a hombre, en zona; si era necesario jugar desde atrás... Siempre encontraba la manera de ganar el partido, siempre. Eso de un jugador defensivo en el primer palo lo invento él.

P. ¿Qué importa más, jugar bien o ganar?

R. Una cosa lleva a la otra. Si juegas bien, ganas. Pero hay muchas maneras de jugar bien... Zubeldia las conocía todas. Es como Cruyff. Marcó un antes y un después, pero en el fondo, puso a Guardiola en medio y le rodeó de Begiristain, de Koeman, de Bakero... jugadores fantásticos. Y ahora Guardiola, que hace jugar muy bien, tiene a los mejores: Piqué, que es fantástico, Xavi, Iniesta... Al final, los mejores siempre ganan si les das un orden.

P. ¿Qué recuerda del Sevilla?

R. Trabajé a gusto. En la temporada anterior se salvaron del descenso por un punto. Mire los datos y la primera vuelta había sido muy buena y la segunda, muy mala. ¿Sabe por qué? En la segunda parte del curso en Sevilla hay cuatro fiestas: la semana santa, la fiesta de abril, la otra y la otra... Yo a los jugadores les dije: "No hay fiesta, se acabó". Perdimos la clasificación para la Copa europea el último día en el último minuto. A mí me entendieron bien en Sevilla. Pero había una cosa que me molestaba: los jugadores siempre tenían prisa para irse al vestuario tras el entrenamiento. Había uno que era un avión. Un día pité el final de la práctica y salió como siempre. Fui a los vestuarios, dejé que se bañara y, cuando estaba sequito y casi vestido, le dije: "Vístete que nos volvemos al campo, que se me olvidó una cosa". Le hice patear al arco desde la raya de área chica. Me entendió. A partir de ese día, cuando yo decía se terminó, él iba despacito, caminando. También les pedí que ayudaran a Jaime, el utilero. Le dejaban solo con los balones, los palos, los petos... Les dije que era una vergüenza y me entendieron.
Fuente: LUIS MARTÍN - El Pais

El creador de "The West Wing" prepara dos series para la HBO después de tres años dedicado al cine

2011-07-06T00:16:00.000-07:00

La televisión estadounidense recupera en otoño a uno de sus pesos pesados. Aaron Sorkin estrenará en los próximos meses dos series en HBO. Regresa a la televisión con un Oscar bajo el brazo y la expectación creada tras años de rumores sobre cuándo se concretaría su vuelta a la pequeña pantalla. Sorkin debutó en el medio con Sports night, pero es sobre todo el creador de The West Wing, uno de los títulos fundamentales para entender la eclosión de las series en EE UU y un manual de funcionamiento de la política en Washington.

Sorkin alumbró el proyecto y se mantuvo como principal responsable hasta la cuarta temporada, cuando diferencias creativas con los ejecutivos de NBC y algunos problemas personales hicieron que se distanciara del producto. Su siguiente trabajo fue Studio 60 on the Sunset Strip, que no tuvo demasiada suerte. La ficción, que hablaba de los entresijos de un show similar a Saturday Night Live, solo aguantó una temporada. Los decrecientes índices de audiencias y un nuevo enfrentamiento con la cadena sentenciaron de muerte al drama.

Tras esta etapa, volvió al cine, donde había empezado su carrera con las historias de A Few Good Men o Malice. Firmó los guiones de Charlie Wilson's War, protagonizada por Tom Hanks y Julia Roberts, y The Social Network, la película que retrata el nacimiento de Facebook. Dirigida por David Fincher fue una de las más destacadas de la temporada pasada y dio a Sorkin el Oscar de mejor guión adaptado.

El primer proyecto que estrenará la cadena de cable será More as the story develops, centrado en un programa nocturno de información política. La serie cierra la trilogía de Sorkin sobre el mundo de la televisión que inició con Sports night, que recreaba el universo de un espacio deportivo, y continuó con Studio 60. El reparto de la serie, ya en pleno rodaje, está encabezado por Jeff Daniels y Emily Mortimer. El actor británico Dev Patel acaba de unirse al elenco de More as the story develops.

La segunda producción de Sorkin es una miniserie basada en la historia del hotel Chateau Marmont de Hollywood, donde en los últimos ochenta años se han alojado muchas estrellas del cine. La serie todavía está en una fase muy incipiente, pero ya ha fichado a su primer actor, John Krasinski (The office), que asume también el cargo de productor ejecutivo.

Se inaugura la exposición “Fellini: Obsesiones espectaculares” en el TIFF Bell Lightbox

2011-07-05T14:36:00.000-07:00

El Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF, por sus siglas en inglés) inauguró la exposición “Fellini: Obsesiones espectaculares”, la única parada norteamericana de una muestra que en Europa ha atraído a centenares de miles de personas.

La exposición, que estará abierta hasta el 18 de septiembre en el TIFF Bell Lightbox de Toronto, fue creada originalmente por Sam Stourdzé, director del Museo de l’Elysée de Lausana (Suiza), y ha sido adaptada para el público norteamericano por la Cineteca de Bolonia y los productores Dante Ferretti y Francesca Lo Schiavo.

El director artístico de TIFF Bell Lightbox, Noah Cowen (foto), reconoció que parte de la razón por la que la organización canadiense ha traído la muestra es educar al público norteamericano sobre el cine europeo de posguerra, cuyo conocimiento se está disipando.

“Fellini sigue siendo un nombre muy conocido en la mayoría de Europa, pero todo el gran cine artístico de la era de posguerra está empezando a ser menos conocido aquí. Definitivamente lo hemos hecho con un cierto sentido de militancia, para recordar a la gente la importancia de estos filmes y cineastas”, dijo Cowen.

La exposición contiene más de 400 piezas, algunas de ellas nunca vistas antes en Norteamérica, desde fotografías y dibujos originales del director italiano hasta revistas de la época, entrevistas con el realizador y clips de sus películas.

Uno de los principales objetos de la muestra es el “Libro de los sueños” de Fellini, un álbum pintado a mano por el director y que refleja el mundo de sus sueños a través de las sesiones psiquiátricas a las que se sometió en la década de los años cincuenta.

Además de la exposición, TIFF tiene programado un ciclo de películas en el que diez famosas personalidades del cine, incluidos el director canadiense Atom Egoyam y la actriz italiana Isabella Rosselini, emparejarán películas de Fellini con filmes de otros directores.

Por ejemplo, “La Strada” (1954) ha sido emparejada con “Candilejas” (1952) de Charles Chaplin por Rossellini, mientras que Egoyam ha unido “8 1/2″ (1963) con “Atención a esa prostituta tan querida” (1971), del director alemán Werner Fassbinder.

Rossellini justificó su decisión al señalar que ambas películas “tratan de payasos, son tanto tristes como divertidas y las dos ofrecen una cierta lección sobre la vida. Estas películas tienen el poder de la voz de una abuela cuando pone a un niño en la cama y cuenta historias para estimular buenos sueños”.

BLUE ICE FILM AND HOT DOCS ANNOUNCE PARTNERSHIP TO REVITALIZE NEWLY ACQUIRED BLOOR CINEMA

2011-07-05T09:25:00.000-07:00

BELOVED TORONTO LANDMARK SET TO REOPEN THIS FALL

Blue Ice Film and Hot Docs are delighted to announce that they have entered into a partnership to operate the recently acquired Bloor Cinema, the landmark, century-old film house located in Toronto’s Annex neighbourhood. Currently undergoing renovation, the Bloor Cinema will reopen this fall under Hot Docs’ management, revitalized and ready to welcome Toronto’s film-loving public.

“Independent cinemas like the Bloor are vital to the city’s vibrant film culture,” says Chris McDonald, Hot Docs executive director. “Blue Ice Film and Hot Docs want to see them thrive.”

“It’s a dream come true,” says Carm Bordonaro, the now former owner of the Bloor Cinema. “The business model has completely changed and we need visionary investors and organizations like Hot Docs to protect these neighbourhood cinemas. I want to thank the community and our avid supporters who have kept the Bloor alive all these years.”

Bordonaro has been involved with the Bloor Cinema’s operations since 1979, when it was part of the Festival Cinemas chain. He had been managing the venue with his family since 1999, and they purchased it in June of 2010 in an effort to ensure its survival as a cinema. Since then, the family has held off selling the venue, turning away numerous property developers until a like-minded buyer could be secured.

Under a joint venture agreement, Hot Docs as lease holder will assume responsibility for managing and programming the Bloor Cinema year round, in addition to utilizing the venue for its annual Festival and monthly Doc Soup screening series. Documentary films will be predominantly featured, but the Bloor Cinema will continue to host many of Toronto’s popular film festivals and also offer programming of interest to the rep cinema’s loyal following. In addition to Hot Docs, the Bloor regularly hosts the Toronto Jewish Film Festival, the After Dark Film Festival and the Images Festival, among many others.

“It’s a remarkable opportunity, and we are ready for the challenge,” says McDonald. “The Bloor Cinema has been a cherished home to Hot Docs for the past 12 years and we’re excited to be a part of the revitalization of this much-loved venue. It’s fantastic for Hot Docs, film lovers and the entire neighbourhood, which will continue to enjoy its own independent film house. This new chapter wouldn’t have been possible without the unwavering dedication of Carm, Paul and their family, and the vision of Blue Ice.”

The current renovations will see upgrades to the cinema’s technical equipment and sound system, audience seating, façade and lobby areas. During this time, Hot Docs will be conducting industry stakeholder and community consultations around proposed plans for the cinema. The email address feedback@hotdocs.ca has been set up so that interested parties can begin sharing their feedback.

Eligen los 25 mejores títulos del género de animación

2011-07-04T23:41:00.001-07:00

El crítico de Time Richard Corliss compiló una lista sobre los 25 mejores films de animación.

Top 25:

1. Pinocho / Pinocchio, 1940

2. WALL-E, 2008

3. The Bugs Bunny / Road Runner Movie, 1979

4. Dumbo, 1941

5. El viaje de Chihiro / Spirited Away, 2001

6. South Park: Más grande, más largo y sin cortes / South Park: Bigger, Longer & Uncut, 1999

7. Up, una aventura de altura / Up, 2009

8. Las trillizas de Belleville / The Triplets of Belleville, 2003

9. Buscando a Nemo / Finding Nemo, 2003

10. La sirenita / The Little Mermaid, 1989

11. Toy Story 3, 2010

12. Toy Story, 1995

13. Blanca Nieves y los siete enanitos / Snow White and the Seven Dwarfs, 1937

14. The Adventures of Prince Achmed, 1926

15. Wallace y Gromit: La batalla de los vegetales / Wallace & Gromit in the Curse of the Were-Rabbit, 2005

16. Happy Feet: El pingüino / Happy Feet, 2006

17. Akira, 1988

18. El Rey León / The Lion King, 1994

19. Enredados / Tangled, 2010

20. Paprika, 2007

21. Kung Fu Panda, 2008

22. Horton y el mundo de los Quién / Dr. Seuss' Horton Hears a Who!, 2008

23. Yellow Submarine, 1968

24. El fantástico Sr. Zorro / Fantastic Mr. Fox, 2009

25. La dama y el vagabundo / Lady and the Tramp, 1955

TORONTO FC SIGN TWO DESIGNATED PLAYERS

2011-06-29T14:58:00.000-07:00

Toronto FC announced Wednesday that they have signed German international midfielder Torsten Frings and Dutch international forward Danny Koevermans as Designated Players. Both players, who have each signed multi-year contracts, will begin playing for Toronto FC after July 15 when Major League Soccer’s transfer window opens. As per club policy, financial terms were not disclosed.

"We have added two very important players with significant experience and technical ability,” said Toronto FC Head Coach and Technical Director Aron Winter. “Torsten and Danny will make an immediate impact at our club. Signing Torsten and Danny is a very important step in building a team that our fans are proud to support.”

A native of Würselen, Germany, Frings, 34, has earned 79 caps for Germany in his career and has played in two World Cups including Germany’s run to the 2002 Finals. Frings also was part of Germany’s second place finish at Euro 2008. His club career spans 14 seasons in the German Bundesliga, starting and finishing at Werder Bremen along with Borussia Dortmund and Bayern Munich. His club career achievements include the Bundesliga title and DFB-Pokal (domestic cup) and the DFB-Ligapokal with Bayern Munich during the 2004-2005 season. At Werder Bremen, Frings was part of the 2007-2008 side that finished second in the Bundesliga and runners up in the 2009 UEFA Cup, and two DFB-Pokal’s and one DFB-Ligapokal.

Koevermans, 32, has spent the past 11 seasons in the Dutch Eredivisie and Eerste Divisie, most recently with PSV Eindhoven. The native of Schiedam, Netherlands, began his professional career in 2000 with Sparta Rotterdam scoring 71 goals in 110 appearances for the club. Following the 2005 campaign, he moved to AZ Alkmaar where he continued his scoring ways collecting 31 goals in 52 appearances. In 2007, he moved to PSV Eindhoven and has spent the past four seasons with the club. Koevermans has earned four caps for the Dutch National Team and scored the winning goal over Luxembourg during a 2008 Euro Cup qualifying match.

“Torsten and Danny are excellent leaders both on-and-off-the-pitch,” said Paul Mariner, Director of Player Development for Toronto FC. “We know our current roster and young Academy players will learn and benefit from their arrival in Toronto.”

Both players will be eligible to play their first match on Wednesday July 20 against FC Dallas.
Torsten Frings #22

Position: Midfielder

Height: 5’11

Weight: 176 pds.

Birthdate: November 22, 1976

Birth Place/Hometown: Würselen, Germany

Nationality: German

Last Club: Werder Bremen

How Acquired: Signed on June 29, 2011

Pronunciation: “Tor-stin Frings”

Danny Koevermans #14

Position: Forward

Height: 6’3

Weight: 170 pds.

Birthdate: November 1, 1978

Birth Place/Hometown: Schiedam, Netherlands

Nationality: Dutch

Last Club: PSV Eindhoven

How Acquired: Signed on June 29, 2011

Pronunciation: “Koo-ver-mens”

México, campeón de la Copa de Oro de la Concacaf

2011-06-25T23:14:00.000-07:00

El conjunto azteca se recuperó, después de estar en desventaja, y se impuso sobre Estados Unidos por 4-2, en un partido vibrante, para conseguir su sexto título en la competencia

Estados Unidos no supo sostener la ventaja de dos goles y terminó cayendo, ante México, por 4-2, en la final de la Copa de Oro de la CONCACAF.

El conjunto local se puso adelante en el marcador tras las anotaciones de Michael Bradley, a los ocho minutos del primer tiempo, y su máxima figura, Landon Donovan, quien aumentó a los 23 de la etapa inicial.

El equipo conducido por José Manuel de la Torre no bajó los brazos y fue en busca de la igualdad. Pocos minutos después del segundo tanto de EE.UU, Pablo Barrera descontó a los 29 minutos, mientras que Andrés Guardado niveló las acciones a los 36.

En la segunda mitad, México, entonado por la remontada del primer tiempo, siguió yendo al frente y, a los 50, Barrera anotó su segundo tanto personal para poner, por primera vez en el partido, arriba a su equipo. Por su parte, a quince minutos del epílogo, Dos Santos sentenció el encuentro con una exquisita definición por encima de Jones y Clarence Goodson.

De esta manera, México dejó con las manos vacías al dueño de casa y se quedó con este título, por sexta vez en su historia.

THE MAN WHO WOULD BE KING

2011-06-25T09:59:00.000-07:00

THE MAN WHO WOULD BE KING (Warner Home Video)
Danny Dravot (Sean Connery) y Peachy Carnehan (Michael Caine) son dos aventureros que viajan a la India en 1880 y sobreviven gracias al contrabando de armas y otras mercancías. Un día deciden hacer fortuna en el legendario reino de Kafiristán. Después de un durísimo viaje a través del Himalaya, alcanzan su meta justo a tiempo para hacer uso de su experiencia en el combate y salvar a un pueblo de sus asaltantes. Está inspirada en un relato de Kipling.
Película inolvidable, cumbre del espíritu aventurero de su director John Huston, y una nueva incursión en el terreno de los personajes perdedores y desengañados que se alimentan de ilusiones y de dignidad. Todo ello envuelto en unas imágenes bellísimas y un ritmo narrativo apabullante.

STARGATE UNIVERSE THE COMPLETE FINAL SEASON

2011-06-25T09:58:00.000-07:00

STARGATE UNIVERSE THE COMPLETE FINAL SEASON (MGM)
Es una serie que forma parte de la franquicia StarGate, sería la tercera serie que se produce sobre el argumento que en 1994 Dean Devlin y Rolan Emmerick crearon con StarGate Puerta a las Estrellas.  A diferencia de sus antecesoras StarGate SG-1 y StarGate Atlantis; StarGate Universe tiene un argumento separado de las otras dos series, aunque no pierde la esencia del mundo StarGate, ya que StarGate Atlantis es una especie de continuación de StarGate SG-1.   Stargate Universe es un grupo de soldados, científicos y civiles quienes deben cuidarse a si mismos ya que han sido forzados a viajar en un Stargate cuando su escondite fue atacado. Los sobrevivientes suben a una vieja nave que tiene un viaje programado y que no regresará al planeta Tierra. Deben aprender a vivir con poca comida, agua y aire. El grupo debe descubrir los secretos de la nave para sobrevivir. El peligrio, aventura y esperanza que encontrarán a bordo del Destiny revelará héroes y villanos entre ellos.  Esta última temporada contiene, en sus 5 discos, un total de 20 episodios.

A los 83 años falleció Peter Falk, protagonista de Columbo

2011-06-25T09:17:00.001-07:00

El actor neoyorquino se consagró en 1971 como el detective de piloto y con cigarro de la serie televisiva, pero también fue uno de los intérpretes favoritos de John Cassavetes en películas como Una mujer bajo influencia, Maridos y Big Trouble. Trabajó con Wim Wenders en Las alas del deseo.

Para casi todos fue el teniente Frank Columbo, el inolvidable y divertido detective (émulo de Sherlock Holmes y Philip Marlowe) de la televisión, un personaje que lo marcó para siempre desde sus inicios en 1971 (luego de 7 temporadas seguidas salió del aire para regresar varias veces hasta completar 11 años y 68 capítulos, el último de ellos en 2003), pero Peter Falk -fallecido este jueves 23/6 en su casa de Beverly Hills, a los 83 años, luego de sufrir desde 2007 de Alzheimer/demencia senil- fue también un excelente actor secundario y uno de los aliados de las distintas etapas como director del gran John Cassavetes.

Falk ganó cinco Emmys y fue diez veces nominado a los Globos de Oro (premio que ganó por única vez en 1973) por su interpretación de Columbo, pero también se lució varias veces en el cine: recibió sendas candidaturas al Oscar en 1961 (por Murder, Inc., de Burt Balaban y Stuart Rosenberg); y en 1962 (por Milagro por un día/Pocketful of Miracles, de Frank Capra).

Pero su mayor aporte cinéfilo fue, sin dudas, su colaboración con su amigo, vecino, compañero de andanzas y mentor John Cassavetes, con quien compartió varias veces elenco y quien lo dirigió en Una mujer bajo influencia, Maridos y Big Trouble (también tuvo un cameo en Opening Night). Además, junto a Cassavetes protagonizó la genial Mikey and Nicky, una buddy comedy muy negra dirigida por Elaine May.

En teatro hizo obras de Paddy Chayefsky, Neil Simon (ganó un Tony en 1972 por The Prisoner of Second Avenue) y Arthur Miller, en cine fue dirigido también por Blake Edwards y Mike Nichols, mientras que entre sus compañeros de elenco estuvieron nada menos que Frank Sinatra, Bette Davis y Jason Robards.

BATTLE: LOS ANGELES

2011-06-21T14:57:00.001-07:00

BATTLE: LOS ANGELES (Sony Home Video)
Durante años ha habido casos documentados de avistamientos de OVNIS en todo el mundo, Buenos Aires, Seúl, Francia, Alemania, China. Pero en 2011, lo que hasta ese momento eran simples avistamientos se convierten en una terrible realidad cundo la Tierra es atacada por fuerza desconocidas. Mientras todos son testigos de cómo caen las grandes ciudades del mundo, Los Ángeles se convierte en el último bastión de la humanidad en una batalla que nadie esperaba. Un sargento de la Marina (Aaron Eckhart) y su nueva división son los que tendrán que definir los límites frente a un enemigo como jamás se habían encontrado.

SANCTUM

2011-06-21T14:56:00.001-07:00

SANCTUM (Universal Home Video)
Inspirada en hechos reales. Un equipo de submarinistas de cuevas subacuáticas se embarca en una peligrosa expedición por la red de cuevas más extensa, hermosa e inaccesible del mundo. Cuando una tormenta tropical los obliga a internarse en las profundidades de las cuevas, deberán enfrentarse a las embravecidas aguas, el mortífero terreno y el creciente pánico, para tratar de encontrar una posible salida (que ninguno de ellos conoce) que los conduzca hasta el mar.   El experto submarinista Frank McGuire (Richard Roxburgh) lleva meses explorando las cuevas de Esa’ala, en el Pacífico Sur. Sin embargo, cuando una riada les corta la salida, el equipo principal de Frank —que incluye a su hijo de 17 años, Josh (Rhys Wakefield) y al financiero Carl Hurley (Ioan Gruffudd)— se ve obligado a cambiar radicalmente de plan.   El equipo —en el que también figuran la novia de Carl, Victoria (Alice Parkinson), y a Crazy George (Dan Wyllie)— ve cómo sus provisiones van escaseando cada vez más y no tendrán más remedio que intentar abrirse paso por un auténtico laberinto submarino para tratar de hallar una salida. No tardarán mucho en tener que hacer frente a la inevitable pregunta: ¿Podrán sobrevivir, o quedarán atrapados para siempre?

THE ADJUSTMENT BUREAU

2011-06-21T14:54:00.001-07:00

THE ADJUSTMENT BUREAU (Universal Home Video)
Adaptación de una historia corta de Philip K. Dick ("Adjustment Team").  David Norris (Matt Damon) es un ambicioso político a punto de conseguir un asiento en el Senado de Estados Unidos, cuando conoce a la guapa bailarina de danza contemporánea Elise Sellas (Emily Blunt), una mujer totalmente diferente de todas las que ha conocido hasta ahora. No tarda en darse cuenta de que se está enamorando de Elise, pero unos personajes misteriosos hacen todo lo posible para apartarlos el uno del otro.  David comprende que se enfrenta a los agentes del Destino, los hombres del “Adjustment Bureau” (Oficina de Ajustes). Están dispuestos a usar el considerable poder del que disponen para impedir que David y Elise se unan. Parece que lo tiene todo en contra y no le queda más remedio que escoger: dejarla marchar y aceptar el camino predestinado… o arriesgarlo todo y enfrentarse al Destino para estar con ella.

Burla cinéfila a costa de una espectadora que envió un SMS durante una proyección

2011-06-17T09:32:00.000-07:00

El cine Alamo Drafthouse en Tejas, sala de la que fue invitada a salir una mujer, publica en YouTube el enfado de la usuaria

La última y recurrente pesadilla del cinéfilo moderno se llama teléfono móvil. Desde la aparición del invento es difícil encontrar una proyección donde no aparezca la lucecita, la vibración, los mensajes a teléfono móvil (SMS), o la llamada (discreta o indiscreta), o cualquier variación de las antes mencionadas que uno pudiera imaginar. Hasta el momento la gran mayoría de las salas, cada vez con menos personal por aquello de la crisis y más focalizadas en vender palomitas y refrescos, habían hecho poco o nada al respecto. Ya no digamos la manga ancha con el espectador que confunde el cine con el sillón de su casa y pregona en voz alta las virtudes o defectos de lo que está viendo, sin más reacción que la de algún indignado que suele ser minoría.

Este panorama, bastante negro para los que consideraban ir al cine una experiencia única, tiene sin embargo el ojo del huracán, un oasis para los que se han cansado ya de no poder disfrutar de una película tranquilamente, sin tener que recurrir a los anónimos "shhh" o a la denuncia al personal de la sala que acaba -normalmente- convirtiéndose en agua de borrajas. Ese oasis se llama Alamo Drafthouse y se encuentra en Austin, Tejas. El Drafthouse es el paraíso terrenal para los amantes del cine sin tapujos y un lugar que frecuentan personajes como Guillermo del Toro, Robert Rodriguez, Richard Linklater o el mismísimo Terrence Malick. Además, fue el primero en el mundo que instaló una política de tolerancia cero (nada de móviles, nada de hablar) que cumplen a rajatabla desde el día en que abrieron sus puertas.

Ahora el Drafthouse ha saltado al ruedo público (al menos por un rato) después del hiper publicitado incidente entre una espectadora que insistía en enviar mensajes de texto en plena proyección y el propio equipo del cine, que después de advertirla en dos ocasiones acabó echándola sin contemplaciones (y sin devolverle el importe de la entrada).

Probablemente la cosa hubiera quedado en simple anécdota si no hubiera sido porque la expulsada en cuestión decidió una vez fuera de la sala dejar un -delirante- mensaje en el contestador automático de las oficinas del Alamo Drafthouse en el que -básicamente- les llamaba "pequeña sala de mierda" y soltaba una diatriba contra la intolerancia del cine del que, según aseguraba, había sido victima. Acto seguido, y en una de esas jugadas de marketing viral que generan más ruido que 100 megáfonos, el equipo del Drafthouse elaboró un vídeo con el mensaje en cuestión que ya acumula más de medio millón de visitas en Youtube y un sinfín de comentarios (más a favor que en contra), y que -al mismo tiempo- ha provocado la reacción de esa cinefilia que parece dormida pero que en Austin es la gran dominadora del cotarro.

Quentin Tarantino, Elijah Wood, Lance Armstrong y varias docenas más de personalidades de todos los ámbitos han alabado la política del cine y la han tachado de "ejemplar", pero el mejor reconocimiento al trabajo de Tim League (el fundador y alma de los Drafthouse) ha venido de mano del presentador estrella de la cadena televisiva CNN, Anderson Cooper. Cooper ha declarado que habría que darle a League "el premio Nobel de la paz". La ocurrencia se convirtió en uno de los temas estrella en la Red y ya son miles los aficionados que abogan por enviar firmas a la Academia de Estocolmo a ver si suena la campana. Quién sabe, si cundiera el ejemplo quizás el cine volvería a ser ese lugar donde uno va a disfrutar de las películas y no a sufrir la persecución del móvil de turno. En el Alamo Drafthouse ya lo han conseguido.